博物館開門

1870年戰爭的後果：

1870至1871年，因普法戰爭，畢沙羅（Camille Pissarro ，1830—1903)和莫內（Oscar-Claude Monet，1840—1926)流亡倫敦。同樣避居倫敦的藝術品經銷商杜朗-呂埃爾（Paul Durand-Ruel，1831 －1922)，經由巴比松畫派的多比尼（Charles-François Daubigny，1817—1878）的介紹結識了莫內。

藝術品經銷商杜蘭-魯埃爾（Paul Durand-Ruel，1831 －1922)，是傑出的企業家，致力於推廣巴比松畫派和印象派藝術家，並在巴黎、倫敦、布魯塞爾和紐約等地建立畫廊，舉辦展覽。

生平簡介

保羅出生於巴黎，父親是普羅旺斯的皇家公證人。他出身於古老的資產階級家庭。母親嫁妝的一部分，是經營文具及各種物品，包括畫筆、水彩顏料、畫框、畫架的生意。

父親的家族，於18世紀，在索萊爾（Solers)種植葡萄，最初在吉洛（Ignace Guillot)的文具店工作，之後經營美術用品，成為藝術品經銷商。 1849年，兒子保羅通過高中畢業會考，被聖西爾軍事學院錄取，打算從軍。然而，一場重病迫使他放棄學業，留在父母身邊。他為經常缺錢的藝術家提供美術用品，並接受他們的畫作為抵押。1865年，他接管了家族生意，公司代理包括柯羅和巴比松畫派的眾多藝術家作品。他購入了巴比松畫派（Barbizon)的畫家盧梭（Théodore Rousseau, 1812 －1867)、夏爾潘（Albert Charpin, 1842 －1924)和米勒（Jean-François Millet (1814 －1875)的畫作，其中許多是在1848年革命後經濟蕭條時期委託畫廊出售，

19世紀60年代和70年代初，保羅展現卓越才能，成為印象派的傑出倡導者和優秀經銷商。迅速與後來被稱為印象派的畫家們建立關係。

1862年，與鐘錶匠的女兒拉豐（Jeanne-Marie-Eva Lafon)結婚，育有五個孩子，

1867年，保羅保留原有店舖（Peletier街）的同時，在拉菲特街（Laffitte），開設以他姓氏為名的畫廊。此區藝術專家和經銷商常出入，直到第一次世界大戰前，一直是藝術市場的中心之一。

1869年，為了支持法國繪畫先鋒派，創辦了《國際藝術與好奇心評論》（La Revue internationale de l'art et de la curiosité）。早在1870年，保羅就被莫內和畢沙羅的作品吸引，意識到印象派的藝術和商業潛力。他購買了多幅印象派畫作，通常成批而非單幅購買；還與某些畫家洽談獨家代理權，甚至回購畫作提升價值，引入了藝術市場的創新做法。

他籌劃的首次大型展覽，於1872年在倫敦舉行。此後，先後在巴黎、倫敦、布魯塞爾以及紐約的畫廊，舉辦印象派畫展。

藝術經紀人

1870年普法戰爭期間，他帶著畫作離開巴黎，前往倫敦避難。透過巴比松畫家杜比尼（Charles-François Daubigny, 1817 －1878 )，結識了莫內，之後又結識了畢沙羅。1870年，在倫敦新畫廊舉辦了法國藝術家協會十屆年度系列展覽首展。之後，將畫廊管理權委託給Charles Deschamps，比利時現代藝術經銷商和收藏家甘巴特（Ernest Gambart, 1814 －1902 )的侄子。

回到法國後，1872年，透過莫內和畢沙羅，結識了西斯里（Alfred Sisley, 1839 －1899)，又認識了雷諾瓦（ Auguste Renoir, 1841 －1919)。回國後，在巴黎舉辦的首批展覽之一，是1871年開幕的比南特組畫展，展出36幅描繪巴黎圍城期間，平民和軍人生活的油畫。

《比南組畫》（La suite Binant):

巴黎顏料商比南（Alfred Binant (1822-1904）在巴黎圍城戰（1870-1871）之後委託創作一系列畫作。包含36幅大幅油畫，13位藝術家的創作，記錄了普法戰爭和巴黎公社。該系列於1872年展出，迄今僅13幅作品保存在巴黎的卡納瓦萊博物館（Musée Carnavalet)。

約在1880年，面對低迷的藝術市場，保羅建議雷諾瓦和畢沙羅拓展創作主題。畢沙羅在風景畫創作加入風俗畫，農民生活場景反映了印象派畫家，放棄直接描繪當代主題的趨勢。

19世紀最後三十年間，保羅背負巨額債務，成為法國最著名的藝術品經銷商之一。同時也是全球印象派畫家最重要的精神和經濟支持者。當他陷入嚴重財務困境時，法國聯合銀行（Union Générale）給予他支持，使他得以繼續購買他所欣賞的藝術家作品。然而，法國聯合銀行於1882年破產，銀行倒閉後，保羅被勒令償還債權人。由於無力繼續支持畫家們，被迫以低價出售收藏的巴比松畫派油畫以及一些印象派畫作。

1876年，他在公寓裡籌劃了印象派團體的第二次展覽；1882年，又參與該團體的第七次展覽。

同年1882年，委託莫內為他公寓的大客廳的門創作36幅油畫，裝裱在輕盈可拆卸的畫框。莫內在1882年底只交付兩幅，然後在1883年夏秋兩季居住在法國西北部吉維尼（Giverny)期間，完成其餘的畫作。最終畫作於1885年售出。

但他的印象派畫展卻失敗，政府和畫商對印象派作品漠不關心，莫內和畢沙羅因此轉而投向他的競爭對手佩蒂特（Georges Petit, 1856 －1920)。隨後，他轉向美國市場。正如女藝術家卡薩特（Mary Cassatt ，1844 －1926)建議，美國經濟迅速增長，市場也對印象派作品更加開放。 1883年，他在波士頓舉辦了首次美國畫展。由於

美國藝術協會（American Art Association)理事之一，在美國人薩頓（James F. Sutton )協助下，1886年在紐約舉辦「巴黎印象派油畫和粉彩畫展」特展，展出了300幅作品，大部分是印象派作品。 此次展覽成功，印象派首次獲得官方認可。由於第一年免關稅，他於1887年在紐約開設畫廊展示畫作。印象派藝術家在美國展出成功後，作品逐漸在法國、德國和歐洲其他地區獲得認可。從1890年起，保羅的巴黎畫廊恢復營業，雷諾瓦和畢沙羅的作品開始受到重視，藝術家莫內也獲得更多認可。

1892年初，他組織了畢沙羅大型展覽，但畢沙羅當時正在創作的鄉村生活場景，卻被視為冒犯公眾品味，因此建議改變策略。儘管遭強烈反對，但這次展覽對畢沙羅是轉捩點，所有畫作首次全部售罄。這表示大眾已可接受新穎、色彩繽紛的藝術風格。

1905年，保羅在倫敦格拉夫頓畫廊籌備了規模空前的特展，展出300多幅畫作。可謂本世紀最傑出的印象派展覽。

從1891年到1922年去世，保羅收藏了數量驚人的畫作，近12000幅。包括1000多幅莫內的作品、1500幅雷諾瓦的作品、400幅德加的作品、400幅西斯萊的作品、800幅畢

根據藝術史學家所述，「前印象主義」一詞，指的是「具有暗示性、類似素描的風格，在許多藝術家的作品中，這種風格或多或少，預示了印象派的技法」。

風景畫早期對傳統的重大突破，可追溯至英國畫家康斯特布爾（John Constable，1776—1837)和透納（Joseph Turner，1775—1851)，他們擺脫了浪漫主義風景畫的窠臼，康斯特布爾推崇簡潔，透納捕捉瞬間質感，這些特質後來被印象派畫家採納。透納的部分畫作，捨棄明確輪廓線，著重色彩的轉變，法國印象派畫家莫內（Claude Monet，1840—1926)就受其影響。19世紀下半葉，現代歐洲藝術家致力於描繪光影，「戶外寫生」（en plein air）創作。

法國巴比松畫派柯羅（Camille Corot，1796—1875)的風景畫也打破傳統；他曾於1843年被沙龍拒決，他與印象派畫家互動，曾在19世紀60年代指導過莫里索姊妹（Berthe Morisot，1841—1895 ／Edma， 1839 – 1921)以及畢沙羅（Camille Pissarro，1830—1903)，影響了印象派群體。浪漫主義最後一位大師德拉克羅瓦（Eugène Delacroix，1798—1863)的風格也可歸入前印象主義，他營造畫面氛圍的手法以及對「色彩分割」筆觸的運用有影響到印象派。印象派畫家從上一代風景畫家汲取靈感，例如巴比松畫派（Barbizon School）的盧梭（Théodore Rousseau, 1812—1867)和米勒（Jean-François Millet, 1814—1875），以色彩鮮活和筆觸迅疾著稱。此影響可見於後來印象派畫家在沙龍展出的早期作品。此外，布丹（Eugène Boudin, 1824—1898）、容金德（Johan Jongkind, 1819—1891）和多比尼（François Daubigny, 1817—1878）這三位畫家，與年輕藝術家交流，將前印象主義的發展推向頂峰。布丹和容金德（Jongkind）曾教授過莫內，而Jongkind成為莫內的摯友，日後成為印象派的支持者。

未來的印象派畫家與沙龍：

19世紀60年代，日後組成印象派團體的藝術家們，首要目標是能在沙龍（Salon）展出作品——由美術學院（Académie des Beaux-Arts）認可的年度畫家展覽，也是當時最重要的藝術盛事及獲得認可的唯一途徑。

1859年是關鍵時刻，莫內抵達巴黎，德加也重返此地，畢沙羅的作品獲選。當時的馬奈常被評論家討論，視他為導致當代藝術平庸的罪魁禍首。後來支持印象派的評論家則將他看作是創新藝術家。評論界認為1859年的沙龍標誌著歷史畫的衰落，風景畫和風俗取而代之；儘管畫家的技藝受到認可，但被認為缺乏開創新風格的雄心壯志。

日後捍衛印象派的人認為，風景畫注定會接替頗有成就的浪漫主義的風景畫家柯羅、多比尼和盧索。德加和莫內參觀了1859年的沙龍，並與導師分享觀感。德加欽佩德拉克羅瓦，莫內持不同看法，他更感興趣的是巴比松的特魯瓦永 （Constant Troyon，1810—1865)，尤其是多比尼。

1859年時，除了方坦-拉圖（Fantin-Latour, 1805-1875)和James Whistler(1834 –1903)，後來成為印象派畫家的那些藝術家，彼此間並不相識。該團體於1860年開始形成：德加（Degas）、馬奈（Manet）、方坦-拉圖爾和莫里索（Morisot）姐妹在羅浮宮相遇；畢沙羅（Pissarro）、吉約曼（Armand Guillaumin, 1841-1927)和塞尚（Cézanne）於1861年在瑞士學院（Académie Suisse）認識；從1862年起，莫內（Monet）、巴齊耶（Bazille）、雷諾阿（Renoir）和西斯萊（Sisley）一同在格萊爾（Gleyre）的工作室學習。

1863年，德拉克羅瓦（Delacroix）去世那年，馬奈在巴黎的畫廊（Galerie Martinet）舉辦首次個展。與他的畫作《浴》（Le Bain），1867年改名《草地上的午餐》（Le Déjeuner sur l'herbe)引發了軒然大波。這幅畫描繪寫實風格的裸體形象，與傳統以神話為題材的裸體畫形成鮮明對比，導致評論家和公眾都認為這幅畫「下流」。

19世紀60年代，沙龍參展作品引發的爭議，確立了馬內現代主義領導人的地位，他在巴蒂尼奧勒團體（Batignolles Group）的活動鞏固了這角色。

1866年起，幾位藝術家及藝術界人士定期在巴蒂尼奧勒大街（Grande-Rue-des-Batignolles）上的咖啡館（Café Guerbois）聚會。咖啡館毗鄰馬奈的工作室，馬奈是這聚會中的核心人物。後來主辦首屆印象派畫展的納達爾 （Nadar，Félix Tournachon, 1820 －1910），以及收藏家Ernest Hoschedé (Paris, 1837 – 1891)，皆常在咖啡館交流。這些年輕藝術家憑著各自多元的背景與不同的創作典範相互啟發，推崇國際化的影響，以此對抗美術學院派（Beaux-Arts）「民族性」的風格。此世界主義傾向，在19世紀60年代招批評。

1867年，面對巴黎沙龍（Salon）評審團嚴苛的評選標準，塞尚、雷諾阿、巴齊耶和畢沙羅聯名請願，要求再次舉辦「落選者沙龍」（Salon des Refusés），但未能成功。然而，當時的官方沙龍門可羅雀，因為同期正在舉辦「世界博覽會」（Exposition Universelle），馬奈的作品曾被博覽會拒決；作為回應，他在阿爾瑪橋（Alma）附近搭建展館，舉辦個展，庫爾貝也採用樣方式。隨後，「巴蒂尼奧勒畫派」（Batignolles Group）的成員，計劃租用場地舉辦自己的展覽，此構想得到庫爾貝、柯羅、迪亞茲和多比尼的支持。除了塞尚以外的幾位年輕藝術家，均獲準參加沙龍展出。

評論家經常使用「印象」（impression）來描述這些現代主義畫家的作品，也用來形容其他並未歸入印象派團體的藝術家。19世紀60年代末，巴蒂尼奧勒畫派的作品色調更加明亮，筆觸更輕盈，效仿日益流行的水彩畫風格。

1869年，雷諾阿和莫內在克魯瓦西島（Croissy），深受資產階級喜愛的河畔休閒勝地「拉格勒努耶爾」（La Grenouillère）創作了數幅畫作，作品清晰地預示19世紀70年代印象派風格的到來。這些畫作被視為最早採用印象派風格創作的作品，透過光線及產生的反射效果塑造物象。「巴蒂尼奧勒畫派」（Batignolles School）的美學特徵在1870年的沙龍展顯露。展出的作品包括馬奈的《音樂課》、雷諾阿的《宮女》、莫里索的《閱讀》、德加的《紅衣卡繆夫人》以及西斯萊阿的《宮女》、莫里索的《閱讀》、德加的《紅衣卡繆夫人》以及西斯萊斯的《冬日聖馬丁運河》

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印象派是一場於19世紀60年代在法國興起的藝術運動，旨在反抗學院派藝術，力求捕捉光線的瞬息萬變及其對色彩與形態。印象派群體的形成圍繞著法國現代主義畫家寫實派過渡到印象派的關鍵人物愛馬奈（Édouard Manet，1832—1883），他是19世紀60年代先鋒藝術界的領導者，儘管他本人從未真正參與任何印象派展覽。在屢遭「沙龍」拒之門外後，一群年輕藝術家決定聯手舉辦獨立展覽。此構想於1874年實現，當時匯集30位藝術家參展，包括塞尚（Paul Cézanne, Paul, 1839 -1906）、德加（Edgar Degas, 1834-1917）、莫奈（Claude Monet, 1840-1926）、莫里索（Berthe Morisot, 1841—1895）、畢沙羅（ 1830 –1903)） 以及西斯萊 （Alfred Sisley，1839—1899）。

此展使藝術評論家勒魯瓦（Louis Leroy ，1812—1885）創造了「印象派」這個術語，源自莫內的畫作《印象·日出》（*Impression, Sunrise*）亦成了該藝術運動的代稱。勒魯瓦是法國記者、劇作家、風俗畫家和版畫家，曾長期為《滑稽報》（Le Journal amusant）、《喧鬧報》（Le Charivari）和《高盧人報》（Le Gaulois）撰稿，職業生涯長達30年。期間也創作了《重尋之路》（Le Chemin retrouvé）和《大麻》（Le Hashisch）等輕鬆通俗戲劇？此外，為自己的文章配圖，創作風景畫，繪製版畫。 1835年至1861年間，定期在巴黎沙龍（Salon）參展。

1874年，他在《喧鬧報》發表文章，首次使用「印象派」一詞。文中嚴厲批評莫內（Claude Monet）展出的《印象·日出》：「『印象』－我確信如此。我當時就在想，既然我有了‘印象’，那畫里肯定有些印象成分……」？此前，他也曾在1864年嚴厲批評馬奈。

儘管這些藝術家起初遭到媒體和公眾的嚴厲批評，但由於有收藏家們；法國共和派政治家 （Léon Gambetta，1838—1882)；法國小說家、記者、劇作家左拉（Émile Zola，1840—1902）；法國印象派畫家卡耶博特（Gustave Caillebotte，1848—1894）等的評論和支持，使得印象派畫家的作品得以漸漸受到重視。

法國印象派畫家卡耶博特出生富貴家庭，除了自己作畫，也購買同時代印象派好友們的繪畫。他的收藏包括：莫奈14幅、畢沙羅19幅、雷諾瓦10幅、西斯萊9幅、德加7幅、塞尚5幅、馬奈4幅。1876年28歲時，將印象派收藏捐贈給法國，死後由雷諾瓦監督入藏羅浮宮。

印象派於1880年起獲得認可。作品逐漸進入博物館、法國藝術家沙龍（Salon des Artistes Français)，此沙龍取代原官方美術學院沙龍。畫商杜朗-魯埃爾（Paul Durand-Ruel，1831－1922）在推崇和推廣印象派方面有關鍵作用。法國藝術商杜朗-魯埃爾與印象派及巴比松畫派關係密切的，為最早支持莫奈、畢沙羅和雷諾瓦等藝術家的推手，他將藝術市場現代化，被視為19世紀最重要的藝術商。他是具雄心的企業家，在倫敦、紐約、柏林、布魯塞爾等地，開設畫廊和舉辦展覽，成功地激發了國際社會對法國藝術家的關注。此外，他在推動法國藝術市場的去中心化，也發揮了重要作用，在此之前，法國藝術市場長期由官方「沙龍」體系壟斷。

「繪畫與雕塑沙龍」

始於1673年的巴黎藝術展覽。展出的作品，最初由王家繪畫與雕塑學院（Académie royale de peinture et de sculpture)審定，後來由美術學院審定。名稱源自羅浮宮的「方廳」（Salon Carré），該廳在1725年至1850年間為展場。1880年，共和派公共教育與美術部長費裡（Jules Ferry, 1832—189 3），將官方沙龍的組織工作交由藝術家自行負責。 1881年，「法國藝術家協會」成立，負責管理活動；1892年起更名為「法國藝術家沙龍」（Salon des Artistes Français）。

此外，在美國畫家和版畫家卡薩特（Mary Cassatt，1844 －1926)的推動下，自1886年起傳播到美國。印象派在美國的巨大成功，提升了莫內的聲譽，也促進了19世紀90年代，法國以外地區印象派流派的發展。

1891年，當「法國畫家、雕塑家及版畫家協會」（Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs français）在杜朗-魯埃爾畫廊舉辦展覽時，將非法國出生的藝術家拒之門外。

法國印象派畫家卡耶博特（Caillebotte)、莫莉索（Berthe Morisot，1841—1895）和西斯萊（Sisley）相繼離世，該團體最終解體，新的先鋒藝術運動隨之興起，其中受到塞尚（Cézanne）和畢沙羅（Pissarro）等印象派畫家的接納。

印象派藝術家開創了與學院派藝術相對立的全新美學。最早見於莫內和雷諾瓦於1869年在「青蛙池」（La Grenouillère）創作的畫作。強調色彩勝過素描，採用獨特構圖與迅疾筆觸，他們常在戶外對實景寫生，稱為「外光派」（en plein air）。他們聚焦於現代題材，描繪風景、私人生活場景以及休閒活動。

巴黎美術學院（École des Beaux-Arts）致力於傳承古典繪畫的主流美學，推崇宗教、神話或歷史，並將素描視為重中之重。當時，日常生活場景、肖像畫、風景畫和靜物畫，皆被視為次要畫種；重視線條和非色彩。教學主要在畫室臨摹古典大師的作品。

1863年起，一些小型畫室為擺脫學院派教學的刻板束縛，提供了另一種選擇。同年舉辦的「落選者沙龍」（Salon des Refusés）與傳統決裂，反映了藝術家風格的多樣化，為繪畫藝術的現代化奠定了基礎。

落選者沙龍（Salon des Refusés），是1863年起舉辦的藝術展，展出被巴黎沙龍拒收的作品。巴黎沙龍主要展出學院藝術作品，1863年拒絕了三分之二的上交作品，遭拒絕的畫家包括現實主義畫庫爾貝（Gustave Courbet，1819—1877)、馬奈、畢沙羅。這些畫家的抗議上達拿破崙三世（Napoléon III，1808—1873)，拿破崙三世偏好學院藝術，但迫於公眾壓力，要求巴黎沙龍接受這些落選作品供大眾評判，但展出點設在工業宮的另外一展間。展出後，一日之內吸引上千遊客觀看，法國小說家左拉曾形容當時觀眾摩肩擦踵，展覽廳內充滿奚落的笑聲。1864年，印象派藝術家開始自己組織落選者沙龍。

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展期：2026. 6. 26 ~ 2026. 9. 30

展地：臺南國家美術館二樓 展覽室E-I

展件：156組件展品

主辦單位｜時藝多媒體、慕夏基金會

共同合辦｜文化部、臺南國家美術館籌備處

六大單元：

一、巴黎的波西米亞人 (A Bohemian in Paris)

二、為人民而畫(A Picture Maker for People)

三、世界主義者（A Cosmopolitan)

四、神秘主義者（The Mystic)

五、愛國者（The Patriot)

六、藝術家兼哲學家（Artist Philosopher)

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好好聽出品

展期：2026. 7. 18 ~ 2026. 10. 19

展場：富邦美術館

合作：美國托雷多美術館、Museum Box、時藝多媒體

🔵托萊多藝術博物館（Toledo Museum of Art）

位於美國俄亥俄州托萊多（Toledo)市。典藏超過30,000件。典藏玻璃藝術以及19至20世紀歐美藝術藏品，同時也西洋藝術史，從古希臘羅馬起各藝術學派的藏品。博物館有45個展廳，佔地約16公頃的園區，正進行擴建工程。

該館由托萊多玻璃製造商利比（Edward Drummond Libbey, 1854 – 1925）於1901年創立，1912年遷至現址。古希臘風格設計的博物館主館有兩層，包括15間教學工作室，有1,750個座位的音樂廳、可容納176人的演講廳，以及咖啡廳和禮品店。2010年，曾被視覺藝術網站“現代藝術筆記”（Modern Art Notes）的讀者，評選為“美國最受歡迎的博物館”。

🔹視覺藝術中心與玻璃館

由曾獲得普利茲克獎的Frank Owen Gehry (1929—2025），美國後現代主義及解構主義建築師設計的視覺藝術中心於20世紀90年代增建。規了圖書館，為托萊多大學藝術系提供工作室、辦公室及教室空間。

🔹玻璃館（Glass Pavilion）

展示玻璃藏品。於2006年開放 ，2000年，委託日本建築事務所SANAA設計新建築，經費大部分來自公開募款。

「古典光影大師」特展共52件。橫跨西洋藝術史從16至19世紀，涵蓋歷史、宗教、神話、肖像、風俗、風景、靜物等主題的大師作品。

🔹「古典光影大師」六大主題展區：

* 繪畫與權力：探索藝術如何作為王室、貴族與教會，彰顯權威及政治宣傳。

* 神話與記憶：透過古典神話與歷史傳說，呈現歐洲的藝術與文化。

* 日常之美：從家庭場景、街頭風景到生活片刻。

* 藝術事業：藝術市場化後設計，創作者因應時代與收藏家需求。

* 捕捉自然：畫家運用光線、天空與風景，描繪自然界的變化與情感。

* 全球脈絡中的歐洲藝術：貿易、旅行與殖民等對歐洲與世界在藝術與文化交流中的影響。

🔺體裁等級制度（學院派）：

從17世紀到19世紀，法國的王家雕塑和藝術學院，確立了嚴格的繪畫題材分級體系：

·歷史畫：神話、宗教或歷史場景。藝術的最高境界，畫家精通解剖學並具崇高道德內涵。

·肖像畫：個人或群體，突顯社會地位與心理特質。

·風俗畫：日常生活與一般民眾場景。

·風景畫：自然景物，長期視為陪襯背景。

·靜物畫：描繪無生命物、花卉或水果；無需研習人體結構。等級最低。

西方藝術史的發展歷程為週期性。在理想主義與現實主義間交替。藝術起源於崇尚理想的古典時代（古希臘與古羅馬）；靈性的中世紀；人文主義的文藝復興；戲劇性動感的巴洛克；嚴謹的古典主義以及富於表現力的浪漫主義，最終隨著抽象藝術的誕生，邁入現代與當代藝術。

🔵西方藝術史風格的演變：

依時間順序分類：

🔺古典時代（前8世紀至5世紀）：

地中海文明的奠基時期。古希臘進入城邦時代與黃金時期，民主政治與哲學蓬勃發展。古羅馬從王政步入共和，確立了法律基礎。對西方歷史產生了根本性影響。

古典時期分為兩大主軸：

1. 古希臘城邦的崛起與輝煌（前8世紀 - 前5世紀）

* 城邦體制建立：前8世紀起，希臘因地形封閉，形成以城市為中心的獨立城邦（Polis），如雅典與斯巴達。

* 軍事變革：前8世紀，平民組成「重裝步兵方陣」，平民取得參政權，為民主奠基。

* 雅典民主與黃金時代：雅典在前6世紀後走向民主化，至前5世紀初擊退波斯帝國，邁入黃金時期；哲學、科學與建築藝術達到巔峰。

2. 古羅馬的起源與共和轉型（前8世紀 - 前5世紀）

* 王政時期（前753 - 前509年）：傳說於前753年建城，早期伊特魯里亞人統治，經歷了君主統治階段。

* 共和時期（前509年起）：前6世紀末推翻王政，建立貴族主導的共和國，實施執政官與元老院制度，奠定了羅馬的法律。

在藝術上，推崇和諧、理想比例與神話主題。希臘與羅馬藝術為人體寫實描繪及宏偉建築風格奠定了基礎。

🔹希臘藝術（理想美與比例和諧）

🔹羅馬藝術（實用主義、宏偉建築及寫實肖像）。

🔺中世紀（5世紀至15世紀）：

始於476年西羅馬帝國滅亡，至1453年東羅馬帝國滅亡或1492年地理大發現結束。

中世紀分為早、中、晚三階段。

* 早期（5世紀～10世紀）： 西羅馬帝國崩潰後，日耳曼部族建立多個王國。伊斯蘭教興起向外擴張，法蘭克王國的查理曼大帝於800年加冕，短暫統一西歐大部分地區。

* 盛期（10世紀～13世紀）：封建制度成熟。羅馬天主教廷權力達到巔峰，多次十字軍東征收復聖地。哥德式建築在歐洲興起。

* 晚期（13世紀～15世紀）：14世紀黑死病使人口銳減；英法百年戰爭重塑西歐政治版圖。1453年，東羅馬帝國遭鄂圖曼土耳其帝國所滅。

社會與經濟結構

* 封建制度： 國王將土地分封給貴族（領主）。再層層分封給附庸與騎士。受封者以軍事服務與效忠。

* 莊園經濟： 農奴為莊園主土地勞動，交租稅，自給自足，成為封閉經濟體系。

文化與宗教

* 教會掌控：天主教會掌握土地與政治影，壟斷知識、教育與藝術。

* 學術發展：經院哲學（Thomas Aquinas；約1225—1274）盛行於大學，神學與古希臘的哲學家亞里斯多德（Aristotle, 前384–322 )的哲學結合。

🔺文藝復興時期（15世紀至16世紀）：

發源於義大利，人文主義為思想，復興古希臘羅馬文化，打破中世紀神權束縛，創新藝術、科學、文學及政治等領域，揭開近代歐洲歷史。

* 藝術與建築：15世紀以佛羅倫斯為中心，藝術家運用透視法與解剖學，重視結構比例與寫實。代表藝術家達文西（Leonardo di ser Piero da Vinci, 1452—1519)、米開朗基羅（Michelangelo，1475—1564)以及拉斐爾（Raffaello，1483—1520)「藝苑三傑」。另有建築師布魯內萊斯基（Filippo Brunelleschi(1377—1446)重現了古典穹頂與柱式。

* 人文主義思想： 「以人為本」，非「以神為本」，重重視個人潛能與理性思考。

* 科學與技術： 打破中世紀經院哲學的盲從，強調實證與觀察。重視宇宙觀、人體解剖、線性透視法、機械工程的研究。

* 影響力擴散： 16世紀，由於地理大發現及印刷術，文藝復興

展期：2026.6.18— 9.28

展地：國立歷史博物館

國立歷史博物館與時藝多媒體2026年年度大展，110件文物集結了木乃伊、彩繪棺木、護身符、祈禱銘文的石碑等文物，可一探古埃及人追求永生的信仰與智慧。對古埃及人，死亡並非終點，而是生命轉化過渡期。保存肉體，是為了讓靈魂回歸；喪葬儀式是為來世保存生命。

特展文物來自義大利佛羅倫斯國立考古博物館（MuseoArcheologico Nazionale di Firenze），包含19世紀的「法國—托斯卡納埃及考察隊」蒐集的藏品。

特展五個單元：

「死後生命的宗教觀」

「遺體保存技術」

「木乃伊棺木」

「喪葬用品」

「陪葬品中的日常生活物件」

🔹佛羅倫斯的埃及博物館：

埃及博物館（ Egyptian Museum)位於佛羅倫斯國家考古博物館（National Archaeological Museum）內，館藏主要源自19世紀，托斯卡尼大公利奧波多二世（Leopoldo ll，1797—1870)的支持。他不僅購藏了多批藏品，亦資助了埃及科學考察。

1855年，博物館在原修道院（Fuligno）成立時，已登錄了3,686件文物。1880 年，埃及學家Ernesto Schiaparelli(1856 – 1928)將博物館搬遷至現址後，由於他1894 年調任義大利最大的古埃及文明的都靈埃及博物館（Museo Egizio di Torino）前，曾兩次赴埃及考察，因此館藏得以增加。博物館收到的最後一批典藏，由私人與學術機構捐贈，目前收藏超過 14,500件。

🔹「法國－托斯卡尼埃及考察」：

象形文字的破譯者，法國歷史學家、語言學家、埃及學家商博良（Jean-François Champollion, 1790-1832）與義大利朋友，埃及學之父羅塞利尼（Ippolito Rosellini, 1800 –1843），於1825年在佛羅倫斯相遇後，共同規劃科學考察，研究象形文字和蒐集埃及文明資料。「法國—托斯卡尼考察隊」獲托斯卡尼大公利奧波多二世與法國國王查理十世（Charles X；1757—1836)資助。由法國與義大利學者組成的考察隊於 1828 年啟程，1829 年結束，他們從亞歷山卓（Alexandria）考察到阿布辛貝（Abu Simbel）的整個尼羅河谷。根據協議，考察成果由法國與義大利平分，之後分別成為巴黎羅浮宮與佛羅倫斯埃及博物館的典藏。

🔹商伯良（Jean-François Champollion (1790-1832）：

法國語言學家與東方學家，埃及象形文字解讀者及埃及學奠基人。他由兄長，法國考古學家（Jacques Joseph Champollion-Figeac, 1778 – 1867)撫養長大。他是語言學神童，十幾歲第一篇公開論文是通俗體破譯。他能閱讀科普特語、古希臘語、拉丁語、希伯來語和阿拉伯語。從埃及發現的羅塞塔石碑（Rosetta)，於1822年破譯了埃及象形文字後，開啟了現代埃及學，對埃及書寫知識的提升以及古埃及研究貢獻極大。

🔹 羅塞利尼（Ippolito Rosellini, 1800-1843）

義大利埃及學家及圖書館員。

義大利埃及學創始人，父親是商人。1821年，在比薩大學取得神學學位，1824年起擔任比薩東方語言與文化講座教授，歐洲埃及學研究創始人。

🔹埃及學：

研究從前五千年至4世紀，古埃及科學、歷史、語言、文學、宗教、建築、文化與藝術。

第一批探險者：

古埃及人就已開始探險。第十八王朝的第八位法老，圖特摩斯四世（約前1391或前1388）曾帶領挖掘吉薩大獅身人面像，並在記夢碑或斯芬克斯碑刻了他的夢境。近兩個世紀後，拉美西斯二世第四子卡姆韋塞特王子（Khaemwaset，約前 1281 至前 1225 )辨識並修復了歷史建築、陵墓、金字塔、神廟，被譽為第一位埃及學家。

中世紀：

朝聖旅人會繞道埃及遺址。歐洲探險家對古埃及探險與旅行著作，始於13世紀。伊斯蘭學者有嘗試將古埃及文翻譯成阿拉伯語，以保存與分享埃及知識。13世紀，開羅大學教授Abdul Latif al-Baghdadi(1162– 1231)曾詳細描述古埃及古蹟著作。

🔹有關古埃及的一些著作：

·希羅多德（Herodotus，約前484—前425）：

古希臘「旅行家之父」與「史學之父」，他的著作《歷史》紀錄了他的遊記，希臘諸城邦以及阿契美尼德帝國的歷史。

·曼涅托（Manetho, 前290–260）

前四世紀末至前三世紀初時代的古埃及祭司和歷史學家，以希臘文寫成《埃及史》，片段為教會保存。他將埃及史劃分為30個王朝，有古王國、中王國、新王國三個時期，仍為學術界所沿用。

托勒密一世（Ptolemy I Soter , ；前367—前282），埃及托勒密王朝創建者，亦是馬其頓王國亞歷山大大帝的繼業者之一。亞歷山大部將，曾遠征波斯。前323年在亞歷山大的帝國分裂時，托勒密分到埃及成為前320年他擊退帝國攝政佩爾狄卡斯的進攻，前304年，建都亞歷山卓，建立希臘化王國。

前3世紀托勒密一世和托勒密二世期，托勒密王朝曾修復金字塔和古埃及古蹟，也建造了埃及風格的新神廟。之後的古羅馬時代也持續修復古埃及古蹟。

·史特拉波（Strabo, 前64—23）：

古希臘歷史學家、地理學家，著有《地理學》17卷。

·狄奧多羅斯（Diodorus Siculus），前1世紀古希臘歷史學家。著有《希臘史綱》。

🔹德，馬葉（Benoît de Maillet，1656-1738):

法國外交官及自然史學家。曾任法國駐開羅總領事及黎凡特監督。他來自顯赫天主教貴族家庭。未曾上大學，接受古典教育。對地質學、自然史和旅行感興趣，曾任法國駐開羅總領事，研究埃及金字塔。他對考古學感興趣，曾將木乃伊帶回法國。抵達埃及後學阿拉伯語，參觀金字塔，之後1735年出版著作《埃及記述》。

🔹沙瓦希（Claude-Étienne Savary, 1750-1788）：

東方學家、埃及學先驅。他曾於1776年前往埃及，在亞歷山大、羅塞塔、達米埃塔和開羅三年期間，參觀了考古遺址，吉薩金字塔並精確測量，觀察埃及人民的習俗。並以近兩年探索及描述多個島嶼，包括羅德島和克里特島。返法後，於1783年分兩卷以出版了由阿拉伯文翻譯的《古蘭經》（Le Coran)。當時能說阿拉伯語的法國人不多，原本在奧斯曼帝國時，被任命為法國駐埃及亞歷山大領事。他曾在埃及感染瘧疾，不幸於1788年因瘧疾併發症逝世。

🔹拿破崙對埃及的統治：

法國遠征軍在阿布基爾海戰敗後，拿破崙（Napoléon Bonaparte；1769—

米勒（Jean-François Millet，1814 －1875)，19世紀法國現實主義畫家、粉彩畫家、版畫家和素描家，也是巴比松畫家創始人之一。以描繪鄉村與農民生活畫作而聞名。

1814年10月4日出生在法國西北方的拉阿格半島（Hague）的格呂希（Gruchy）小村莊。他出身在富裕的農民大家庭，是家中的長子，童年時曾做過牧童和耕作，成長過程中受良好的文化薰陶。在博學的神父叔叔引導下，曾閱讀《聖經》、法國哲學家蒙田（Michel de Montaigne；1533—1592），法國詩人拉封丹 （Jean de La Fontaine；1621—1695)、古希臘的吟遊詩人荷馬（Homer，約前9世紀—前8世紀），古羅馬詩人維吉爾（Publius Vergilius Maro，前70—前19)，英國戲劇家與詩人莎士比亞（William Shakespeare，1564—1616），英國詩人彌爾頓（John Milton，1608—1674），法國作家夏多布里昂（François-René de Chateaubriand；1768—1848）和法國作家雨果（Victor Marie Hugo，1802—1885年）等人的著作。

他的弟弟讓-巴蒂斯特（Jean-Baptiste，生於1830年）後來也成為藝術家。

養成經歷

米勒在家裡的農場作農務，直到1833年。後來漸漸展現了繪畫天賦，得益於當地人脈關係，父親於1834年，將他送往法國西北方諾曼第的港口城市瑟堡（Cherbourg），師從新古典主義大的奠基大師大衛（Jacques-Louis David，1748—1825）的學生，肖像畫家保羅·杜穆謝爾（Paul Dumouchel）。兩年後，他轉而師從新古典主義代表畫家格羅（Antoine-Jean Gros；1771—1835）的學生朗格盧瓦（Langlois）。此時期，在諾曼第（Normandie)的托馬斯-亨利博物館（Thomas-Henry）開館，米勒常在博物館臨摹古典大師的作品，因而更熟悉荷蘭與西班牙畫家的風格。

隨後，瑟堡市議會和芒什省（Manche）議會，資助他前往巴黎繼續深造。他於1837年，他進入巴黎美術學院（École des Beaux-Arts），在法國著名的學院派畫家德拉羅什（Hippolyte-Paul Delaroche；1797—1859）的工作室學習。然而，由於無法適應學院的教學模式，他頻繁造訪羅浮宮，臨摹館內的藝術作品。

兩年後，他首次參加「羅馬大獎」（Prix de Rome）然而，在20名候選人中只排名第18。因此，失去了奬助金，被迫離開美術學院。

早期生涯：

米勒返回瑟堡（Cherbourg）後，靠出售親友及當地名流的肖像畫以及情色畫維持生計。26歲時，他以《勒弗朗夫人肖像》（Portrait of Madame Lefranc），入選了1840年的巴黎沙龍展，這是他首次獲此殊榮，也由此開啟畫家生涯；約在同一時期，他為多雷（Doré）一家繪製了肖像，其中包括《奧古斯汀·富爾內裡肖像》（Portrait of Augustine Fournerie）。

1841年，他與裁縫的女兒波利娜（Pauline Ono）結婚，但妻子不幸在三年後因肺結核去世。之後，他為瑟堡前市長以及雅萬上校（Javain）所繪的肖像畫，遭到市政委員會拒收。 1841年，他繪製了《路易絲-安托瓦內特·弗亞當肖像》（Portrait of Louise-Antoinette Feuardent），畫中女子剛與瑟堡圖書館的職員成婚。

米勒妻子過世後，他離開瑟堡，前往西北方的勒阿弗爾（Le Havre），停留了一年，試圖開拓新的客戶群。1845年，他為勒阿弗爾港口的海關的主管，藝術愛好者繪製了《夏爾-安德烈·朗日萬肖像》（Portrait of Charles-André Langevin）。

在瑟堡，他結識了曾做過女僕的凱瑟琳（Catherine Lemaire），他曾於1845年為她繪了肖像，之後於1853年成婚，她為他生了九個孩子。

巴黎時期的職業生涯：

1840年起，米勒開始在巴黎沙龍參展，但之後他摒棄了當時流行的官方風格，轉而受到法國畫家、諷刺漫畫家、雕塑家和版畫家杜米埃（Honoré Victorin Daumier，1808—1879)的風格影響。

1845年至1849年間，他在巴黎（Rue de Rochechouart）的工作室創作，也曾一度在巴黎東南方約 50 公里，楓丹白露森林邊緣的巴比松（Barbizon）村作畫，此時期，他創作了大量風格華麗或花哨的作品，題材涵蓋神話或描繪討人喜歡的兒童與裸體女性。這些被法國畫家和史學家莫羅-內拉通（Moreau-Nélaton,1859 –1927)稱為「肉體之詩」的作品，持續創作至1851年。這些畫作經由巴比松畫派畫家迪亞茲（Narcisse Diaz, 1807—1876)銷往杜朗-呂埃爾（Paul Durand-Ruel, 1831-1922)、施羅特（Schroth）和德福爾日（Deforge）等藝術商。儘管這些作品讓米勒得以維持生計，但也使得他獲得「專畫乳房與臀部」的負面名聲。

法國在19世紀40年代，無家可歸的農民人數增加。1847年，經濟衰退達到臨界點，進而造成1848年，推翻國王路易-菲利普一世（Louis-Philippe Ier，1773—1850)的革命，出身奧爾良家族的國王，曾於1830年至1848年間統治七月王朝。

在此背景下，米勒創作了兩幅引起巴黎評論界關注的畫作，現藏紐約大都會藝術博物館，創作於1846年的《避風雨》（À l'abri de l'orage），以及現藏加拿大國家美術館，創作於1847年的《牧羊人解開被掛在樹上的伊底帕斯》（Oedipus Taken Down from the Tree by a Shepherd）。

農人勞動：

1848年的沙龍展，米勒展出了《揚谷人》（Le Vanneur），當時法國律師、政治家，法國二月革命領導人勒德律-羅蘭（Alexandre Ledru-Rollin, 1807—1874），以500法郎購藏作品。這是他首幅以勞動農民為靈感的作品。評論家們解讀出他作品中的政治內涵，或藝術家對勞動農民的同情。

1849年，他與畫家雅克（Charles Jacque, 1813 – 1894)遷居巴比松，探索勞動農民的主題，描繪了大量充滿詩意的鄉村畫座，包括1850年的《乾草收割者》；1857年的《拾穗者》；1859年）《晚鐘》；1861年的《剪羊毛的人》和1864年的《牧羊女》等畫作。這些作品與寫實主義相關，頌揚生活的美學價值。1854年，米勒因母親去世，曾短暫返回拉阿格（La Hague），此期間創作了《表親的村莊》（The Cousin Hamlet）、《帶水井的房子》、《格呂希的水井》（The Well at Gru

泰奧多爾·盧梭（Étienne Pierre Théodore Rousseau），1812年出生於巴黎，1867年逝世於巴比松，是法國畫家和版畫家。是巴比松畫派的創始人之一，他是敏銳的自然觀察者，擅長描繪四季的景色。

盧梭是獨子，父親是商人兼裁縫，他的藝術傳承自曾師從（Charles Suisse）和大衛（Jacques-Louis David, 1748 －1825 )的叔叔科隆貝（Gabriel Colombet），叔叔之後移居印度。母親家族的表兄德·聖馬丁（Pierre Alexandre Pau de Saint-Martin）是風景畫家，對他也影響深遠。

1821年，在奧特伊（Auteuil）附近寄宿學校就讀的盧梭，跟表兄學習繪畫，三年後，盧梭隨父親前往法國東部的貝桑松（Besançon），拜訪朋友雕塑家梅爾（Jean-Baptiste Maire，1787-1859），梅爾擁有鋸木廠。盧梭在梅爾家居住的時間久了之後，他發現了弗朗什-孔泰（Franche-Comté）的森林，深深影響他的創作。1826年，表兄帶盧梭前往巴黎北方的貢比涅（Compiègne）森林風景寫生，返回後，家人決定幫助年輕的盧梭實現畫家的夢想，並將他送入巴黎美術學院的風景畫家約瑟夫·雷蒙（Jean-Charles-Joseph Rémond, 1795-1875)的工作室，然而，盧梭厭倦這位風景畫家，1827年至1829年間，只要有機會，他就帶著畫架和畫筆，獨自到巴黎周圍的森林，甚至當時還沒有火車時，遠至北部的沙伊昂比耶爾（Chailly-en-Bière)和莫雷敘盧萬（Moret-sur-Loing)作畫。由於他厭惡學院派的教學方式，盧梭與老師起了衝突，導致被禁止參加羅馬大獎競賽。

羅馬大獎（Prix de Rome）：

是法國國家藝術獎學金，旨在提高法國的藝術水準。1663年，路易十四（Louis XIV，1638—1715)創立。該獎當時由法國王家繪畫和雕塑學院在其學員中經過嚴格選拔，共有四個名額，分別給與繪畫、雕塑、建築和雕刻最傑出的參與者。獲獎者可前往羅馬，居住在著名的梅迪奇別墅中三年，並接受義大利著名藝術家指導。如果學院認為有必要，可延長留學時間。獲獎者在羅馬所有支出由法國國王負擔。1803年起，增加了音樂獲獎者。各藝術種類的獲獎名額也增加到兩名，第一名可在羅馬留學三年，第二名可以居留較短時間。1968年，法國文化部最後一次評選後，不定期舉選拔競賽，獲獎者可以前往羅馬法國學院18個月。

盧梭常臨摹羅浮宮的畫作，尤其鍾愛十七世紀法國巴洛克時期，主要活動是在義大利的風景畫家洛蘭（ Claude Lorrain, 1600 －1682)的作品，以及荷蘭和當代英國風景畫家的作品。他渡過東岸，多次拜訪巴黎美術學院教授，曾是羅馬法國學院院長萊蒂埃（Guillaume Guillon Lethière，1760 －1832) 的工作室。

1830年，盧梭第一次長途旅行，前往法國中部的奧弗涅（Auvergne）以及康塔爾（Cantal）地區村莊，創作了大量習作，返回巴黎後，與老師雷蒙德決裂，此時七月革命爆發，他在業餘時間從事藝術評論。祖籍荷蘭，還未成名的謝弗（Ary Scheffer, 1795 －1858)，被年輕盧梭的風景習畫作獨特的色調和技巧打動。在那抗議的時代，人們開始質疑舊畫派，轉而支持法國著名浪漫主義畫家德拉克羅瓦（Eugène Delacroix，1798—1863）為代表的新畫派。

七月革命（Révolution de Juillet）是1830年歐洲革命浪潮的序曲，僅持續三日，因此稱「光榮的三日」（Trois Glorieuses），此革命導致法蘭西王國波旁王朝國王查理十世（Charles X；1757—1836)被推翻和退位，立憲派人士選出奧爾良王朝（Maison d'Orléans）的路易·腓力（Louis-Philippe Ier，1773—1850)，加冕為法國國王。

盧梭在國王菲利普（Louis-Philippe,1773 －1850)統治時期，過著波希米亞式的生活。結交了畫家、版畫家、詩人以及劇作家朋友，經常聚集在盧梭兒時的朋友，浪漫主義漫畫和石版畫家洛倫茨（Alcide-Joseph Lorentz, 1813 －1889)的家中。盧梭經常與法國畫家拉·貝爾熱（Charles de La Berge, 1807-1842)在聖克盧（Saint-Cloud)森林作畫，並與「青法國」（Jeunes-France)團體保持距離。 「青年法國人」是 1830 年前後聚集的法國年輕浪漫主義者。

1831年，盧梭的作品入選巴黎沙龍，展出以法國中部康塔爾（Cantal）地區為靈感的大型油畫《奧弗涅風景》（Paysage, site d'Auvergne)，此作品在沙龍展與浪漫主義畫派的作品齊聚一堂。隱居於濱海布洛涅（Boulogne-sur-Mer)的杜普雷（Julien Dupré，1851—1910）也展出了四幅畫作。受到朋友的啟發，盧梭隨後與於埃（Paul Huet, 1803-1869)在諾曼第的塞納河口寫生。1832年，又與拉貝爾熱（Charles Laberge)重遊諾曼第。1833年的沙龍展，盧梭展出了《格朗維爾海岸景色》（Vue pris des côtes, à Granville)及習作，被祖藉荷蘭的畫家謝弗（Henry Scheffer, 1798-1862)購藏。1834年的沙龍展，盧梭展出了《貢比涅森林的伐木邊緣》（Lisière d'un bois coupé, forêt de Compiègne)。他的鄰居藝術家和藝評家托雷-伯格（Théophile Thoré-Burger, 1807-1869）之後成為他的第一位支持者。《貢比涅森林的伐木邊緣》意外的被路易菲利浦國王（Louis-Philippe Ier, 1773 －1850)的兒子（Ferdinand-Philippe d'Orléans, 1810 － 1842)購藏。

1835年，再次獲準參加巴黎沙龍展，展出了素描作品。 1829年至1834年間的「習作」，畫面構圖緊湊，沒有提及任何人，幾乎以原始的筆觸描繪自然，他的自然之美，應有受30年前英國風景畫家的影響。此時年輕的盧梭已經找到自己的風格，然而儘管最初取得成功，並在沙龍展上嶄露頭角，但卻遭到了大多數知名評論家的排斥。

盧梭在1836年的沙龍展上遭到拒絕，促使他搬到楓丹白露森林邊緣的巴比鬆地區。早在19世紀20年代初，科涅（ Jules Coignet )和柯羅（Camille Corot）就已來到這裡。後來七位畫家也加入（Charles-François Daubigny, Jean-François Millet, Jules Dupré, Honoré Daumier, Charles Le Roux, Constant Troyon, Gustave Courbet) ，這些藝術家並沒有形成聚落或社群，

查爾斯-弗朗索瓦·杜比尼（Charles-François Daubigny），1817年出生於巴黎，1878年逝世於巴黎，是法國巴比松畫派畫家和版畫家，在19世紀風景畫的發展中扮演了關鍵角色。他的兒子卡爾（Karl Daubigny)也是畫家。卡爾於1863年在沙龍展首次亮相，主要描繪諾曼第和楓丹白露森林的景色。可惜年僅39歲，因肺結核去世於瓦茲河畔歐維爾（Auvers-sur-Oise)家中兼工作室。

杜比尼出身繪畫世家，自幼受父親風景畫家（Edme-François Daubigny, 1789-1843）和叔叔微型畫家（Pierre Daubigny）的熏陶，接觸繪畫藝術。他也曾師從三位法國畫家（Jean-Victor Bertin, Jacques Raymond Brascassat, Paul Delaroche），並很快脫穎而出。

1838年，他在巴黎第十一區（Amandiers-Popincourt街）與位畫家（Adolphe-Victor Geoffroy-Dechaume, Hippolyte Lavoignat, Ernest Meissonnier, Louis Steinheil, Louis Joseph Trimolet)創立了藝術家社群，當時已表達對取材於日常生活和自然題材的興趣。這些藝術家後來為出版商萊昂·庫爾默（Léon Curmer, 1801- 1870)的多家機構工作，這位出版商專門出版有插圖的書籍。杜比尼具有鮮明特色的第一批版畫作品，創作於這段時期。

1843年，杜比尼首次來到距離巴黎61公里的巴比松村（Barbizon)，並住在格蘭德街（Grande）的普萊亞德酒店（Hôtel Les Pléiades）。這段經歷讓他得以在自然中創作，改變了他的繪畫方式：在法國巴黎東南部的楓丹白露森林（Fontainebleau），面積250 km2，主要由橡樹、松樹和歐洲山毛櫸組成，有各種似動物的奇石，在1822年就是柯羅（Jean-Baptiste Camille Corot, 1796 －1875)的創作靈感源泉。對於居住在巴比松附近的藝術家，觀察大自然至關重要，風景是他們的創作靈感主題，他們效法曾在1824年的巴黎沙龍展嶄露頭角的同時代的英國藝術家，選擇戶外寫生。1841年，水粉顏料管的發明和火車的出現，使得離開封閉的工作室變得更加方便。這個非正式的「畫派」，是當代風景的新表現方式。杜比尼於1852年結識了柯羅，他把自己的船（Le Botin號）改造成畫室，並以此為據點，沿著塞納(Seine)河和瓦茲（Oise)河一路寫生，尤其是在瓦茲河畔，法國北部奧維爾Auvers-sur-Oise) 。另一次重要的邂逅，是與法國著名畫家，現實主義畫派的創始人庫爾貝（Gustave Courbet，1819—1877)，這兩位藝術家都深受寫實主義運動的影響：在一次共同居住期間，他們在法東南方的奧普特沃茲 （Optevoz）各自創作了一系列的風景畫。

1848年，杜比尼受聘於羅浮宮銅版畫（Chalcographie du Louvre)部，製作複製品，展現了精湛技藝。他也以一種更簡單的方式重新運用了蝕刻法。他著名的《馬車》系列作品創作於這時期。 1862年，他與柯羅共同嘗試了玻璃版畫技法，這是一種融合了攝影和版畫的技法。

1864年，杜比尼成為首批在法國國家美術協會沙龍展出作品的藝術家之一。

法國國家美術協會（Société nationale des Beaux Arts)，最初稱“La Nationale” （國立），名稱源於兩個法國藝術家組織：第一個組織在第二帝國時期舉辦過幾次展覽，第二個組織於1890年成立，並組織了至今仍在舉辦的年度沙龍展。該協會現名為「Salon des Beaux Arts」（美術沙龍）。根據2025年的法令，該協會更名為法國國家美術基金會（Fondation Nationale des Beaux Arts)。

1866年，杜比尼與好友柯羅一同首次擔任巴黎沙龍的評審。巴黎沙龍（Salon，Salon de Paris）：1667年起在法國巴黎法蘭西藝術院（Académie des Beaux-Arts）舉辦的藝術展，建立者為法蘭西藝術院下屬的法國皇家繪畫暨雕刻學院，原本只是展出學院畢業生的作品。1725年在羅浮宮展出，1737年8月18日至9月5日再次在羅浮宮展出，為首次公開展覽。1748年至1890年間是西方世界最大的藝術展，也是學院藝術的重鎮。1881年法國政府停止贊助巴黎沙龍，改由法國藝術家協會組織。19世紀末到20世紀初隨著法國國家美術協會舉辦的國家沙龍、獨立者沙龍和秋季沙龍的出現而衰微。

1866年，他與庫爾貝合作的《抱鸚鵡的女人》（La Femme au perroquet)獲得好評，並於同年赴英國與好友法國畫家和藝評家重聚（Émile Charles Alexandre Julien, 1820-1899)，之後他因1870年普法戰爭曾流亡英國。他也曾在倫敦結識了法國畫家，印象派代表人物及創始人之一莫奈（Oscar-Claude Monet，1840—1926），並一同前往荷蘭。莫內的《印象·日出》（Impression, soleil levant)曾在1874年第一次獨立展覽中展出。

杜比尼回到法國北部的小鎮奧維爾（Auvers-sur-Oise)後，結識了法國後印象派畫家塞尚（Paul Cézanne，1839—1906）以及一些後來與印象派畫家相聯繫的畫家。塞尚的風格介於印象派到立體主義畫派之間，他的作品為19世紀的藝術觀念轉換到20世紀的藝術風格奠定基礎，被法國野獸派創始人馬諦斯（Henri Émile Benoît Matisse；1869—1954）與立體主義的創始者畢卡索（Pablo Ruiz Picasso；1881—1973）譽為「我們所有人的父親」。

杜比尼的作品獲得荷蘭後印象派畫家，表現主義先驅的荷蘭畫家梵谷（Vincent Willem van Gogh, 1853—1890）的欽佩，梵谷在1890年創作了《杜比尼花園》（Le Jardin de Daubigny)，這幅畫作是梵谷在瓦茲河畔奧維爾（Auvers-sur-Oise)創作的最後幾幅作品之一。以杜比尼花園為主題的作品，梵谷繪製了三幅以多比尼為主題的花園畫作，分別收藏於巴塞爾美術館、廣島美術館和梵谷博物館。三幅作品完成於1890年五月到七月間。瓦茲河畔歐韋爾（Auvers-sur-Oise)是法國北部法蘭西島大區瓦茲河谷省的市鎮，梵谷生命的最後時光在小鎮渡過，1890年自殺後葬於此地，之後他弟弟特奧（Theodorus van Gogh，1857—1891)和哥哥同埋葬在小鎮。

杜比尼也影響到荷蘭以自由風格畫海洋風景的印象派的先驅，畫家、版畫家戎金（Johan Barthold Jongkind，1819—1891)，以及法國風景畫家布丹（Eugène Louis Boudin，1824—189

讓-巴蒂斯特·卡米耶·柯羅（Jean-Baptiste Camille Corot），又名Camille Corot，1796年出生於巴黎，1875年逝世於巴黎。是法國畫家和版畫家，也是巴比松畫派的創始人之一。

柯羅出身於富裕的商人家庭，1822年起從事繪畫事業。在父母過世前，他的生活無憂，在法國和義大利遊歷，他曾三次赴義大利。1850年左右獲肯定前，曾長期被視為業餘畫家，也因慈善而聞名。

家庭背景：

柯羅的母親（Marie Françoise Octavie , 1768-1851），是路易十六（Louis XVI；1754—1793)時期凡爾賽宮瑞士衛隊成員的女兒。父親（Jacques Louis Corot, 1771-1847）繼承了岳父的假髮店並與妻子共同經營。柯羅家族後來成為時尚商人，在巴黎經營著名精品店。科羅夫婦還有兩個女兒（Annette, Victoire Anne), 全家住在時裝店樓上。他們在復闢時期為奧爾良公爵（Orléans)夫人提供服裝。

波旁復辟時期：

法蘭西王國末期特殊時期，自1814年4月6日拿破崙一世首次遜位起，至1830年7月29日七月革命，期間因1815年拿破崙一世（Napoléon Bonaparte. 1769—1821)百日王朝復辟而短暫中斷。此期間由波旁王朝統治，採君主立憲制，是法國歷史未對外征戰的承平時期，此時初步工業化、經濟發展穩定，直至末期經濟衰退，導致七月革命。

百日王朝（les Cent-Jours）：

第七次反法同盟戰爭，從1815年3月20日經歷11個月流放的拿破崙一世從厄爾巴島（Elbe)逃返巴黎，重建法蘭西帝國至路易十八在7月8日二次復辟期間（110天）。

七月革命（Révolution de Juillet）：1830年的革命，導致法蘭西波旁王朝國王查理十世（1757—1836）被推翻退位，立憲派選出奧爾良王朝的路易·腓力（Louis-Philippe Ier，1773—1850)為新國王，成立七月王朝。

商業學徒時期 (1815-1822)：

在父親安排下，他在兩家巴黎的布商任學徒，1815年，在布商Ratier那，由於他不善推銷，老闆只好讓他做信使；1817年，在德拉蘭（Delalain）的布商，但由於他對經商無興趣，晚上在私立瑞士學院（Académie Suisse）學習繪畫。

1822年，父親想讓他繼承家業，但他最終說服父母允許他從事繪畫事業，並從獲得每年1500法郎津貼，父母的經濟保障使他經濟富裕，他依賴父母直到他們去世。

藝術訓練（1822-1825）：

他在離父母的店不遠處租了間工作室。之後，他進入風景畫家米沙隆（Achille Etna Michallon, 1796-1822）工作室。老師米沙隆曾於1817年獲得羅馬大獎，在歷史風景畫方面極具成就，當時老師剛返巴黎，向柯羅灌輸了新古典主義原則，鼓勵他到戶外寫生。從那時起，柯羅創作了大量的鉛筆畫，並運用立體感和光影效果。老師曾帶他去馬洛特（Marlotte） ，在那裡結識了達利尼（Théodore Caruelle d'Aligny, 1798-1871), 之後形成馬洛特畫派，附近巴比松畫派的追隨者也常來拜訪他們。

幾個月後，老師米沙隆去世後，柯羅繼續跟隨貝爾坦（Jean-Victor Bertin, 1767-1842)習畫，貝爾坦是柯羅的師公，因他曾是米沙隆的老師，像米沙隆一樣，指導柯羅學習新古典主義構圖和歷史風景畫的技法。

他的兩位老師都是現代風景畫的先驅德·瓦朗謝納（Pierre-Henri de Valenciennes, 1750-1819)的學生和追隨者，鼓勵學生戶外寫生，以便日後創作。正是秉承這種傳統，師公鼓勵柯羅前往楓丹白露(Fontainebleau)森林創作。柯羅是最早一批在巴比松村作畫的畫家之一，他也曾在塞納河谷和英吉利海峽沿岸寫生，實踐古典理想與自然觀察之間的關係。

藝術生涯的義大利之旅：

18世紀以來，義大利一直是年輕藝術家

「壯遊」（Grand Tour）之地。柯羅早已熟悉義大利風景，他曾臨摹過老師米沙隆從義大利帶回的畫作。1825年至1828年間，他先後赴羅馬、那不勒斯和威尼斯。1834年，第二次前往義大利、托斯卡納和威尼斯，並於1843年再次前往。

藝術生涯的法國之旅：

柯羅也遊歷了法國各地描繪風景，享受繪畫的樂趣反及豐富視覺體驗。他最初在巴黎附近的Avray作畫，父母在那有房產。1830年至1845年間，他頻繁赴西北方的諾曼第 （Normandie），此外還到中南部的奧弗涅 （Auvergne），南部普羅旺斯（Provence）、中部的勃艮第 （Bourgogne)以及西北的布列塔尼（Bretagne），之後又赴法國其他地區創作（Loire-Atlantique, Corsept, Charente, Morvan, Lormes)和瑞士作畫。

柯羅主要創作風景畫，但也對建築感興趣，例如1830年創作的《沙特爾大教堂》(La Cathédrale de Chartres)。許多建築畫作只是習作，並沒有打算展出，而是為了創作更具野心的歷史、神話或宗教題材作品而準備，因為對他而言，只有新古典主義的理想的作品，才能向公眾展示。

首次官方沙龍展：

柯羅於1835年首次在沙龍展出，《沙漠中的夏甲》（ Agar dans le désert, 1835)，以《聖經·創世紀》（Genèse）為主題，亞伯拉罕（Abraham）妻子撒拉（Sara）的埃及使女生的兒子以實瑪利（Ishmael），相傳為阿拉伯人的祖先。此大型作品廣受好評，典藏在大都會藝術博物館藏。

之後幾年，柯羅定期參加沙龍展，作品多為宗教和神話主題，自此獲得關注，贏得讚賞。柯羅的藝術風格難以歸類，現代派畫家們被他描繪風景的方式所吸引，卻對他堅持新古典主義主題感到遺憾；而新古典主義者們，對他寫實描繪樹木和岩石有所批評。

1840年的沙龍展，他藝術生涯因《小牧羊人》（Petit Berger)而成功，隨後被七月王朝收購。19世紀50年代起，他的名聲增長，公眾和藝術品經銷商開始關注他。

柯羅的母親於1851年去世，父親於1847年往生後，經濟上更加獨立，也擺脫了家庭的束縛。之後，他繼續旅行，與好友及法國巴比松派風景畫及版畫家杜比尼（Charles-François Daubigny，1817—1878），印象派的重要先驅之一，共同探索東南方（Dauphiné）及巴黎盆地地區（Auvers-sur-Oise)。柯羅也經常赴北方創作（Arras, Douai)，也多次前往西南方（Limousin, Saint-Junien, Limoges)。

此外，自1850年起，越來越傾向自由發揮的繪畫風格，放棄了精確戶外寫生風景，開始隨心所欲，摒棄歷史敘事。 「

非正式地指在巴比松的風景畫家們聚集創作的地理和精神中心，以及在楓丹白露森林實踐在戶外寫生的願望。楓丹白露（Fontainebleau）森林是法國巴黎東南部的森林，位於楓丹白露區內，主要由橡樹、松樹和歐洲山毛櫸組成，森林中有許多動物型的奇石。
巴比松畫派藝術運動，始於19世紀20年代，與法國浪漫主義相關。大約在1875年左右，19世紀中期結束。
法國浪漫主義是，浪漫主義文學藝術在法國的運動，此歐洲的藝術運動起源於德國和英國，19世紀初在法國發展，先驅人物包括狄德羅（Denis Diderot，1713—1784) ，法國啟蒙思想家、唯物主義哲學家、文學家、美學家和翻譯家，百科全書派的代表人物；法國18至19世紀的作家，政治家，外交家，法蘭西學術院院士夏多布里昂（François-René de Chateaubriand，1768 －1848）和啟蒙時代法國哲學家、政治學家、教育學家、作曲家與浪漫主義文學家盧梭（Jean-Jacques Rousseau；1712—1778），他的著作《科學和藝術的進步對改良風俗是否有益》（Discours sur les sciences et les arts)及《論人類不平等的起源與基礎》（Discours sur l'origine et les fondements de l'inégalité parmi les hommes）影響了西方哲學的發展；代表作《社會契約論》（Du contrat social ou Principes du droit politique)論述的人民主權及民主政治哲學思想亦有深遠影響。
1791年，畫家布朗代（Lazare Bruandet, 1755 －1804)在巴黎沙龍展出了多幅風景畫，其中包括《楓丹白露森林景色》。
柯羅（Jean-Baptiste Camille Corot, 1796 －1875)是第一位定期造訪楓丹白露（Fontainebleau)森林區的畫家，他在1822年就探索過這區域。與其他前來練習描繪樹木的畫家不同，他詮釋的是最真實的風景，他希望以最樸實無華，不加修飾的方式描繪風景。楓丹白露森林距離巴黎67公里，畫家來到森區，可遠離令人窒息喧囂的首都。
1824年的巴黎沙龍展，是巴比松畫派的轉捩點，當時展出了英國風景畫大師康斯特布爾（John Constable, 1776- 1837)等的作品。
巴黎沙龍（Salon de Paris）：
1667年開始在法國巴黎法蘭西藝術院（Académie des Beaux-Arts）舉的藝術展，建立者為法蘭西藝術院所下屬的法國王家繪畫暨雕刻學院，本來只是展出學院畢業生的作品，1725年在羅浮宮展出，1737年8月18日至9月5日，再次在羅浮宮展出，是首次公開展覽。1748年至1890年間，巴黎沙龍是學院藝術的重鎮，也是西方最大的藝術展。1881年，法國政府不再贊助巴黎沙龍，改由法國藝術家協會組織。19世紀末到20世紀初，隨著法國國家美術協會舉辦的國家沙龍、獨立者沙龍和秋季沙龍的出現而衰微。
此外，1841年水粉顏料管的發明和1849年鐵路的開通，使得越來越多的戶外寫生畫家湧向巴比松、沙伊昂比耶爾（Chailly-en-Bière)和布龍馬洛特（ Bourron-Marlotte)。1849年11月24日的《插圖報》，曾以諷刺畫的形式調侃，描繪數十位畫家擠在畫架旁，每人撐著一把傘。火車的開通，方便畫家來到森林區的小鎮，許多如餐廳、旅館和雜貨店等應運而生，方便畫家們停留較長時間創作。
起源以及「畫派」的由來：
自1950年代以來，「畫派」一詞受到藝術史學家的質疑，他們認為巴比松並不是「畫派」，而指的是一群風格迥異的畫家們，在不同時期從楓丹白露森林中汲取靈感創作繪畫。 「巴比松畫派」這個名稱，是英國藝術評論家湯姆森（David Thompson,1855-1930）於1891年提出。湯姆森是古皮爾（Goupil）倫敦分公司的經理，該公司是當時世界領先的版畫貿易公司，尤其以風景版畫聞名。然而，這些畫家從未聲稱自己屬於任何畫派。巴比松的名字源自楓丹白露森林邊緣塞納-馬恩省（Seine-et-Marne）的巴比松村，從1825年至1875年的近50年間，許多藝術家聚集於此。
與巴比松畫派相關的畫家：
巴比松畫派的先驅者包括 Jean-Baptiste Camille Corot(1822), Théodore Caruelle d'Aligny, Camille Flers, Paul Huet, Alexandre Desgoffe （1830年之前在巴比松作畫）。Narcisse Diaz de la Peña (1836), Lazare Bruandet, Charles-François Daubigny (1843), Jean-François Millet, Charles Jacque et Théodore Rousseau (1849)。
法國畫家，現實主義畫派的創始人科爾貝（Gustave Courbet，1819—1877），曾於1849年至1861年間在森林區居住，他主張藝術應以現實為依據，反對粉飾生活。他曾說：「我不會畫天使，因為我從來沒有見過。」
現實主義（Réalisme）：
又稱寫實主義，在藝術上指對自然或當代生活做準確、以詳盡和不加修飾的方式描述，摒棄理想化的想像，主張細密觀察事物外表。視覺藝術和文學中的現實主義，19世紀源自法國，之後在歐洲迅速發展。
19世紀50年代初，巴里（Antoine-Louis Barye, 1795 - 1875)經常出入巴比松，最後定居並常與畫家們交往，創作大量油畫和水彩畫。 齊姆（Félix Ziem, 1821 －1911)自1853年起居住在巴比松，1860年再次來到巴比松，並訂製了一輛篷車，方便穿越楓丹白露森林。
比利時畫家德·科克（César De Cock, 1823 －1904)也與該團體關係密切。戈蒂埃（Théophile Gautier, 1811 －1872, ）以特有的詩歌評論風格，將自己的一首十四行詩《水芹床》（La cressonnière）獻給了德·科克（César De Cock )，他的一幅畫作在1886年的沙龍展引起廣泛關注，此外，比利時的德·克尼夫 （Alfred de Knyff, 1819 －1885)也是該團體重要成員。
* 巴比松畫派的先驅：
19世紀初，藝術標準圍繞著新古典主義傳統，主要源自大衛（Jacques-Louis David, 1748-182）的理念。同時，以傑里科（Théodore Géricault, 1791 －1824)、英國博寧頓（Richard Parkes Bonington, 1802 －1828)和德拉克羅瓦（Eugène Delacroix, 1798 － 1863)為代表的浪漫主

Constable的晚年：
Constable於1824年至1828年間在布萊頓（Brighton ）租房居住，此時妻子患肺結核病，且病情日益加重，他希望那兒的海風有助妻子恢復健康。在此期間，他往返於倫敦和布萊頓間，因而放棄了大型的斯圖爾（Stour）河風景畫，轉而創作海岸風光，創作了六英尺的巨幅油畫，起初他並不確定布萊頓（Brighton ）是否適合作為繪畫主題。
1824年，他在信中寫道：「大海的壯麗，以及它永恆的聲音，都被喧囂淹沒，消失在驛站馬車、輕便馬車、“飛車”等的嘈雜聲中——而海灘，不過是海邊的皮卡迪利大街。」
Constanble 的一生，在英國祇賣了20幅畫作，而在法國，短短幾年就賣出了20多幅。儘管如此，他拒絕出國宣傳作品的邀請，並在信中提到：「我寧願在英國做個窮人，也不願在國外做個富人。」1825 年，或許因擔心妻子的健康，不適應布萊頓的生活，以及眾多未完成的委託的壓力，他與阿羅史密斯爭吵，失去了向法國發展的機會。
《布萊頓的鍊式碼頭》是他唯一以布萊頓為主題的六呎巨幅畫作，於1827年展出。夫婦倆在布萊頓居住了五年，原希望能幫助妻子恢復健康，但最終無濟於事。1828年，他們的第七個孩子出生後，他們返回漢普斯特德（Hampstead）後，妻子於41歲去世，他悲痛欲絕的寫給兄弟Golding：「我每時每刻都感到失去天使的痛苦——只有上帝才知道我的孩子們將如何長大……世界對我來說徹底改變了。」
此後，他身著黑衣，飽受憂鬱和焦慮的折磨。他獨自照顧七個孩子，直至去世。他的幾個孩子也從事繪畫，Lionel雖然最終放棄繪畫，轉而從事攝影，一些作品被克拉克藝術學院收藏（Sterling and Francine Clark Art Institute)。
妻子去世前不久，岳父去世，留下2萬英鎊的遺產。Constable用這筆錢請人雕刻幾幅風景畫的銅版畫，準備出版。他幾乎和雕刻師鬧翻，畫冊出版後無人問津。此外，他與英國銅版畫家盧卡斯（David Lucas, 1802 – 1881)合作密切，根據他的風景畫製作了40幅版畫，其中一幅版畫經過13次校對，他用鉛筆和顏料修改，他說盧卡斯讓他的作品以完美的面貌呈現，但這次合作最終以失敗告終。
這段時期，他的藝術風格從早期的寧靜轉向破碎和強調的風格。他內心的動盪和痛苦在他後期 ，1829年的六英尺鉅作《哈德利城堡》（Hadleigh Castle）和1831年的《草地上的索爾茲伯里大教堂》（Salisbury Cathedral from the Meadows）中清晰可見，這兩幅作品也是他最具表現力的作品之一。
1829年，52歲時當選為皇家藝術學院院士。1831年，被任命為皇家藝術學院的訪問學者，很受學生們歡迎。他舉辦了關於風景畫史的公開講座，吸引了許多傑出人士前來聆聽。1836年，在皇家學院的一系列講座中，他提出三點論斷：首先，繪畫「既是科學的，也是詩意的」；其次，「想像力過去從未，將來也永遠無法」創作出與現實相媲美的藝術；第三，「沒有一位偉大的畫家是自學成才的」。
他也公開反對新興的哥德復興運動，認為那不過是「模仿」。新哥德式是18–19世紀的歐式建築風格，以往上削尖的屋頂和一節節的骨架外觀為特徵，上接新古典主義風格，下啟1890年的新藝術風格（Art nouveau)。
1835年，他在皇家藝術學院的最後一次演講，讚揚拉斐爾（Raffaello Sanzio da Urbino, 1483– 1520)，並稱該學院為“英國藝術的搖籃”，演講“贏得了熱烈的掌聲”。 他於1837年3月31日晚間去世，死因疑似心臟衰竭，與妻子合葬於倫敦教堂（St John-at-Hampstead Church)的家族墓地。 他的朋友萊斯利（Charles Robert Leslie, 1794 – 1859)於 1843 年出版了頗具影響力的傳記《約翰·康斯特布爾生平回憶錄》（biography Memoirs of the Life of John Constable)。
Constable的理念和影響：
他悄悄反抗當時的藝術文化，他曾說：「當我坐下來寫生時，我首先要做的就是忘記我曾經看過任何一幅畫。」他也將他的天賦，歸功於斯托爾（Stour)河畔的一切。
儘管他一生都在為贊助人和皇家藝術學院展覽創作畫作，他不斷的現場寫生，保持創作靈感。他從不滿足於墨守成規。 「世界如此廣闊」，「沒有兩天是相同的，甚至兩個小時也不是相同的；自世界誕生以來，也從未有過兩片相同的葉子；真正的藝術作品，如同自然界的創造物一樣，彼此各不相同。」
他創作了許多風景畫的全尺寸草圖，以便在完成最終作品之前測試構圖。這些大幅草圖筆觸自由奔放，在當時具有革命性意義，至今仍吸引著藝術家、學者和大眾的目光。例如《跳躍的馬》和《乾草車》的油畫草圖就展現了活力，然而此表現力在他最終的油畫卻並不常見。他證明了風景畫可以朝著一個全新的方向發展。
他的水彩畫也格外自由奔放：他創作於1835年的《巨石陣》（Stonehenge)近乎神秘，畫中描繪的雙彩虹，被認為是史上最偉大的水彩畫之一。1836年展出時，他在標題後附上文字：「神秘的巨石陣，孤零零地矗立在荒涼無垠的荒野之上，它既與過往的時代無關，也與當下的用途無關，它將你帶回所有歷史記錄之外，進入一個完全未知的晦暗時期。」
除了大型油畫素描，他還完成了大量的風景和雲彩的觀察研究，力求在記錄大氣狀況方面更加科學。他筆下強烈的物理效果，有時甚至在他於倫敦展出的大型油畫作品中也清晰可見；例如，1827 年建成的鍊式碼頭，就曾引起評論家的讚嘆：「這裡的空氣有一種獨特的潮濕感，讓人幾乎想要撐一把傘。」
這些素描是直接在戶外以油畫創作，為了表現光線和動感，他運用斷斷續續的筆觸，通常以細小的筆觸塗抹在較淺的筆觸上，營造出閃爍的光芒籠罩整個風景的印象。在他所有習作中，最具表現和震撼力的作品之一，約於1824年在布萊頓創作的《海景與雨雲習作》（Seascape Study with Rain Cloud)，以凌厲的深色筆觸捕捉了海上突發的積雲暴雨的瞬間景象。 他也對描繪彩虹效果有濃厚的興趣，例如1831年的《從草地眺望索爾茲伯里大教堂》（Salisbury Cathedral from the Meadows)和1833年的《東伯格霍爾特的農舍》（Cottage at East Bergholt)。
在繪製天空的習作中，他常常在素描背面添加註釋，記錄當時的天氣狀況、光線方向和時間，他認為天空是風景畫中的「關鍵音符、尺度標準和情感的主要載體」。他的習慣受到氣象學家霍華德（Luke Howard, 1772 – 1864)在雲分類的開創性影響。他有一本福斯特（Thomas Forster)的《大氣現象研究》（Researches About Atmospheric Phaenomena)，他對氣象術語非常熟悉。1821年，他在信中寫到：「我做了很多天空觀測

約翰‧康斯特布爾（John Constable 1776－1837）是英國浪漫主義風景畫家，主要以家鄉Dedham谷的畫作聞名，他的作品革新了風景畫的流派。Dedham谷如今被稱為「Constable鄉村」。他對這片土地有濃厚的情感，他曾說： 「我應該畫出自己最美麗的地方」，他在1821年寫信給友人提到：「繪畫不過是情感的另一種表達方式。」
Constable最著名的畫作包括《威文霍公園》（ Wivenhoe Park, 1816）、《德德姆谷》（Dedham Vale,1828）和《乾草車》（The Hay Wain,1821）。 他的畫作在英國極受歡迎，他在52歲時被選為英皇家藝術學院院士，他的作品在法國廣受歡迎，銷量甚至超過英國，之後並啟發了法國巴比松畫派（Barbizon school)。
Constable出生於英國東南方的東伯格霍爾特（East Bergholt)村，父親是富有的穀物商人，擁有村中的磨坊，後來擁有Dedham磨坊。父親有一艘小船往返倫敦運送穀物。Constable離開學校後從事玉米生意，哥哥亞伯蘭最終接手經營家族磨坊。
年輕時，他經常在出生地Suffolk和Essex 郡的週邊鄉村業餘寫生，他曾說「這些景色造就了我，我對此心懷感激」；「水從磨坊水壩中流出的聲音等等，柳樹，腐朽的舊木板，黏糊糊的柱子，還有磚瓦，我熱愛這些東西。」之後他經人介紹，認識了收藏家博蒙特爵士（Sir George Howland Beaumont)，這位第七代男爵（1753－1827），英國藝術贊助人和業餘畫家，曾向倫敦國家美術館捐贈了第一批繪畫作品。在 Middlesex郡探親期間，他也結識了英國職業藝術家史密斯（John Thomas Smith, 1766 –1833)，指導他繪畫，還勸他與父親作生意，不要藝術創作。然而，1799年，Constable說服了父親，讓他從事藝術事業，父親還給了他補助津貼。
Constable以見習生的身份進入了建立於1768年的皇家藝術學院（Royal Academy of Arts)，學習人體寫生和解剖，並研習臨摹古典大師的作品。在此期間，英國肖像畫及風景畫家，皇家藝術研究院的創始人之一Thomas Gainsborough(1727 －1788)
；法國巴洛克風景畫家Claude Lorrain(1600—1682) ; 法蘭德斯巴洛克早期畫家Peter Paul Rubens(1577 －1640）；義大利巴洛克Annibale Carracci(1560—1609）和荷蘭風景畫家Jacob van Ruisdae(1628－1682）的畫作，皆令他印象深刻。在學期間，他也廣泛閱讀詩歌和講道文，使他之後成為才華橫溢、具表達能力的藝術家。
1802年，他拒絕在大馬洛軍事學院（ Great Marlow Military College)擔任繪畫教師，時任皇家藝術學院的院長韋斯特（Benjamin West, 1738 – 1820)認為他會因此斷送藝術生涯。同年，他曾寫信給英國畫家（John Dunthorne (1770 – 1844)，闡述立志成為職業風景畫家的決心：「過去兩年，我一直在追逐畫作，試圖從他人那裡尋找真理……我並沒有像最初那樣，以同樣的崇高心境去描繪自然，而是努力讓我的作品看起來像是別人的作品……自然畫家的生存空間依然足夠。當今最大的弊病是炫技，是試圖超越真理。」
他的早期風格具備許多與他成熟作品相符的特質，包括光線、色彩和筆觸的清新感，和受法國古典巴洛克大師洛蘭（Claude Lorrain，約1600—1682)構圖影響的作品。他的作品通常描繪日常生活，與當時追求浪漫主義荒野風景和廢墟景象格格不入。他偶爾會前往更遠的地方旅行。1803年，他曾搭乘東印度公司的「庫茨號」商船，從倫敦前往迪爾（Deal），停靠了東南部的多個港口，之後啟程前往中國，在船上待了近一個月。
1806年，他花了兩個月在湖區旅行，他的美國朋友兼傳記作家萊斯利（Charles Robert Leslie, 1794 – 1859)寫道：「他生性好社交，即使風景本身再壯麗，如果缺少人情味，也無法讓他感到滿足。他需要村莊、教堂、農舍和小屋。」
他之後養成了冬季在倫敦度過、夏季在家鄉East Bergholt作畫的習慣。 1811年，他首次拜訪了主教約翰費雪（John Fisher (1748 －1825)，他們一家住在索爾茲伯里（Salisbury），這座城市的大教堂及周邊景色，激發了他創作偉大的畫作。
為了維持生計，他開始畫肖像畫，但會覺得枯燥，儘管他也創作不少精美的肖像畫。他偶爾也畫一些宗教主題的畫作，但他作為宗教畫家的能力不足。
鄉村別墅繪畫也是他收入來源之一。 1816年，他受雷博少將（ Francis Slater Rebow, 1770 –1845)委託，為其位於Essex郡的鄉間別墅的威文霍公園（Wivenhoe）作畫。 這位少將還委託他創作一幅較小的畫作，描繪Alresford莊園內的釣魚小屋，這幅畫現藏於維多利亞國家美術館（National Gallery of Victoria)，他用受委託作品所獲得的錢，支付了與Maria Elizabeth Bicknell的婚禮費用。這段時期的畫作以描繪田園風光為主，細節豐富，最著名的是1816年《麥田》（ The Wheat Field)。
自1809年起，他與Maria 的童年友誼，發展成愛情。1816年，他40歲時結婚，但妻子的祖父，東伯格霍爾特教區牧師（Rhudde）博士極力反對，認為他們夫婦的社會地位低於自己，並威脅剝奪孫女的繼承權。新娘的父親是喬治四世和海軍部的律師，也不願意女兒放棄遺產。新郎的雙親雖然贊成婚事，但表示在他經濟獨立前，不會資助他們的婚姻，直到雙親相繼過世後，他才繼承了家族企業五分之一的股份。
他和妻子於1816年在聖馬丁教堂舉行婚禮，婚後暫住在牧師住宅，並前往南部海岸度蜜月。Weymouth和Brighton 的海景，激發了他的創作靈感，發展出色彩絢麗、筆觸生動的新技法。同時，作品也展現出更豐富的情感。蜜月期間，開始創作展現自然壯麗景色的作品，例如以天空為主導的《奧斯明頓灣》
（Osmington Bay)。婚禮前三週，他透露已經開始創作最具野心的作品，他在寫給妻子的信中寫道：「我現在正在創作一幅大型畫作，這幅畫是我為下次展覽準備的。」
《弗拉特福德磨坊（可通航河流景色）》（ Flatford Mill (Scene on a Navigable River)，是他描繪斯托爾河畔景象最大幅的油畫，也是他完成規模最大的戶外寫生作品。他決心創作更大尺寸的畫作，他的目標不僅是為了在皇家藝術學院的展覽上吸引關注，也是為了將他對風景的理解，以更符合他所敬仰的古典風景畫家的成就來展現。儘管《弗拉特福德磨坊》在1817年於皇家藝術學院展出時未獲買家親萊，但作品精細複雜的技法贏得讚譽，因而激勵他之後繼續創作

美景宮位於維也納第三區，市中心東南邊，是維也納歷史建築群，也是聯合國教科文組織世界遺產。由巴洛克式宮殿上美景宮和下美景宮、橘園和宮廷馬厩組成，如今美景宮博物館（奧地利美術館）。
美景宮有寬廣的巴洛克風格花園林，園中有多層噴泉和瀑布、巴洛克雕塑，雄偉鍛鐵大門。美景宮建於維也納大規模建設時期，最初是薩伏依的歐根親王 （François-Eugène de Savoie-Carignan, 1663—1736）的夏宮，之後成為哈布斯堡王朝居所。歐根親王是哈布斯堡王朝（House of Habsburg)將領之一，神聖羅馬帝國（Holy Roman Empire, 800/962–1806)
陸軍元帥，與英國的邱吉爾（John Churchill, 1650－1722)、法國的維拉爾公爵（Claude Louis Hector de Villars,1653—1734)並列為歐洲18世紀前期，最優秀的天才將領。他曾效忠三位哈布斯保王朝的皇帝Léopold Ier(1640-1705)、Joseph Ier(1678-1711)以及Charles VI （1685－1740)。
下美景宮（Lower Belvedere)：
1697年，開始建造市政宮一年後，歐根親王在通往匈牙利主要道路以南，購買大片土地。美景宮花園規劃展開，由親王選擇總建築師。將軍在皮埃蒙軍事行動結識希爾德布蘭特（（Johann Lucas von Hildebrandt，1668—1745） ，1702 年，在布達佩斯以南多瑙河中的一個島嶼為他建造拉克韋宮。後來繼續為皇室建造了許多建築。建築師曾在羅馬學習土木工程，1695年至1696年進入皇室，學習建造防禦工事。
1696年起，受聘維也納宮廷建築師。除了美景宮，最傑出成就包括由歐根親王委託建造的霍夫堡皇宮 (Hofburg)、施瓦岑貝格宮（Palais Schwarzenberg）、金斯基宮（Palais Kinsky)以及瓦豪（Wachau）河谷格特維格修道院（Stift Göttweig)莊園。
親王計畫購買維也納郊外土地建造美景宮時，建造園林和夏宮的理想地尚未開發，在親王購得這塊地一個月前，帝國元帥、豐迪親王海曼斯菲爾德伯爵（Benjamin Disraeli, 1804—1881)買下鄰近土地，委託希爾德布蘭特建造花園宮殿。為了買下這塊地，歐根親王以仍在建造的市政宮抵押貸款龎金額，分階段擴建花園，之後於1708年、1716年以及1717-1718年間購入更多鄰近土地。
下美景宮的建造始於1712，歐根親王於1713年提交建築檢查申請後，工程進展迅速，來自義大利波隆那（Bologna）的畫家於1715年繪製中央大廳方格畫。
花園大修繕：
1717年，花園設計方案大幅修改，以便能在隔年夏季竣工。建築師曾於1707年至1715在間在法國凡爾賽宮（Versailles)擔任國王水利工程師。1715年起，為巴伐利亞（Bavaria）選帝侯Maximilian Emanuel(1662—1726)擔任花園督察，之後推薦給歐仁親王。
花園由法國的吉拉爾（Dominique Girard, c.1680 – 1738)設計，法式風格的花園有修剪整齊的樹籬、礫石小徑和水景，設計師曾在凡爾賽宮花園師承André Le Nôtre(1613—1700)，他運用神話元素，透過雕塑將歐仁親王子與太陽神阿波羅連結，暗示他的崛起。上層花壇中大型水池以及連接上下花壇階梯和瀑布，田仙女和女神雕像裝飾。
上美景宮Upper Belvedere （1717-1723）：
1717年開始建造，1719年，親王曾在宮中接見土耳其大使。內部裝飾於1718開始。1719年，委託義大利畫家為宮廷小教堂繪插圖祭壇畫，為金廳繪天頂壁畫以及大理石廳透視繪畫。1720年，繪製大理石廳天頂壁畫，1721年至1723年間竣工。工程師Salomon Kleiner(1700 －1761)於1731年至1740年間出版共10冊和90幅插圖的著作《我們時代至高英雄薩伏依和皮埃蒙特公爵歐根尼·弗朗西斯的奇妙戰爭與勝利營地》（Wunders wver Eugenii Francisci Hertzogen zu Savoyen und Piemont），此書記錄了美景宮建築群。
1736牟，親王在維也納城市宮殿去世，沒留下法律效力遺囑，當時神聖羅馬帝國皇帝查理六世（Karl VI，1685—1740）設立了委員會，指定由親王薩伏依-蘇瓦松（House of Savoy-Soissons）家族唯一在世成員，侄女維多利亞（Victoriaville)繼承。1736年，維多利亞公主搬進花園宮的美景宮之後，表明對繼承權不感興趣，因而打算拍賣。1738年，她在下奧地利城堡莊園，王室成員的見證下與小幾歲的薩克森-希爾德布爾格豪森（Sachsen-Hildburghausen）邦國的王子結婚，但於1744 年離婚。8年後，公主決定離開維也納，返回家鄉義大利Tulino後，美景宮才由查理六世的女兒瑪麗亞·特蕾莎（Maria Theresia Walburga Amalia Christina, 1717—1780)購買，起初閒置，該宮殿在1752年的買賣合約中稱美景宮（Belvedere）。後來女皇瑪麗亞·特蕾莎在下美景宮設立了哈布斯堡王朝祖先畫廊。
1770年，曾在美景宮慶祝奧地利公瑪麗亞·安東尼（Maria Antonia von Österreich，1669—1692)與法國王子，之後的路易十六（Louis XVI, 1754—1793)國王婚禮的化裝舞會，宮廷大臣、親王和宮廷建築師們共同籌備此盛大舞會，邀請了16000賓客。
1776年，特蕾莎女皇和兒子約瑟夫二世（Josef II，1741—1790)皇帝將皇家畫廊從皇家馬厩（霍夫堡皇宮Hofburg部分）遷到上美景宮，並於1777讓大眾欣賞皇家收藏。5年後，美術館正式開放，成為世界上最早公共博物館之一。1891年前，1891年，藏品遷移到維也納環城大道新建的維也納藝術史博物館（Kunsthistorisches Museum)。
18世紀末，上美景宮改建成美術館，下美景宮曾安置逃離法國大革命的皇室成員。瑪麗·安東尼王后和路易十六唯一倖存的公主瑪麗特蕾莎夏洛特（Marie-Thérèse-Charlotte de France，1778—1851)以及斐迪南大公（Franz Ferdinand, 1863—1914)一直住在宮殿，直到1799年與法國昂古萊姆公爵（Louis-Antoine, Duc d’Angoulême；1775—1844)結婚。
美景宮與法蘭茲斐迪南 （Franz Ferdinand)大公 時期，皇家藏品遷址，兩座宮殿再次成為公共博物館對外開放。 1896年，法蘭茲·約瑟夫一世（Franz Josef I, 1830—1916)皇帝將上美景宮作為皇位繼承人，他的侄

展期：2025.12.5 ~ 2026.3.22
橫跨從巴洛克到現代主義六大藝術時期
🔹巴洛克時期，1720~1780
🔹浪漫主義，彼得麥雅時1780~1850
🔹美好年代，1870~1900
🔹印象主義，1880~1910
🔹新藝術運動維也納分離派，1890~1910
🔹現代趨勢，1910~1920
🔹新藝術運動維也納分離派，1890~1910
古斯塔夫·克林姆（Gustav Klimt，1862—1918） 是維也納的象徵主義，維也納分離派運動最具代表性成員之一。以繪畫、壁畫、素描聞名，以女性身體，情色性為主題，他於1897年創立的分離派館的座右銘：「給予時代以藝術，給予時代以自由」
新藝術運動（Art nouveau)
19世紀晚期1880年代，發源於英國19世紀末，之後傳到巴黎和維也納，20世紀早期在布拉格發展，1905年達頂峰。第一次世界大戰結束，對人性樂觀不再，新藝術轉變為「實用性」和「目的性」的現代主義風格。
新藝術名字源於薩穆爾·賓（Siegfried Bing,1838-1905)，在巴黎所開的「新藝術之家」（Maison de l'Art nouveau）商店，店中有從日本進口浮世繪作品，日本藝術𦥑平面化、卡通化、邊緣粗線條給予新藝術靈感，之後發展到全歐美（美國和拉丁美洲）。
維也納分離派（1897 －1905):
19世紀末至20世紀初：以維也納為中心，維也納分離派（1897 －1905)國際化的現代主義開始挑戰歐洲官方學院派和保守代表藝術。名稱最初由德國藝術家 Georg Hirth(1841–1916）提出，他是具影響力的德國藝術雜誌《青年》（Jugend）編輯和出版商，雜誌後來命名「青年風格」（Jugendstil）。摒棄傳統藝術。
「青年風格」藝術運動
於1895年到1910年間在德國和奧地利發展，反對官方藝術和建築學院歷史主義和新古典主義，版畫和室內裝潢開始活躍。1892年，Georg Hirth為慕尼黑視覺藝術家協會取名為慕尼黑分離派（Munich Secession）。
維也納分離派(Vienna Secession, 1897）在克林姆特帶領，新藝術運動興起，偏愛華麗新藝術風格，靈感來自慕尼黑分離派（1892）和柏林分離派（1898 ），因此催生了「分離派風格」一詞。
分離派運動得名於1892年創立的慕尼黑分離派運動。維也納新運動的目標由文學評論家赫爾曼·巴爾在該團體創辦的新期刊《神聖之泉》（Ver Sacrum）的第一期中闡述：「我們的藝術並非現代藝術家與過去藝術家之鬥爭，而是藝術對抗那些偽裝成藝術家、出於商業利益而阻礙藝術發展的投機者。商業與藝術之間的抉擇是我們分離派運動的核心問題。這並非一場關於美學的辯論，而是兩種不同精神狀態之間的對抗。」
維也納分離派成立於1897年創立的成員包括奧地利藝術家克林姆、Koloman Moser(1868—1918)、Josef Hoffmann(1870- 1956)、Joseph Maria Olbrich(1867 – 1908)以及Max Kurzweil(1867 – 1916)，亦包括捷克藝術家 Alfons Maria Mucha(1860 – 1939);克羅埃西亞雕塑家 Ivan Mestrovic(1883 – 1962); 波蘭藝術家Jozef Mehoffer(1869 – 1946)、Jacek Malczewski(1854 – 1929)、Stanislaw Wyspianski(1869 – 1907)。Wyspianski在分離派成立第一年受邀，為克林姆創辦分離派雜誌《神聖之春》（Ver Sacrum）撰稿。首任主席克林姆特由分離派50名成員選出。
分離派的展覽空間，向維也納介紹國際藝術家和藝術運動。穹頂畫廊成為第一個專門展示當代藝術的畫廊。法國印象派和其他藝術家如、竇加、馬奈、莫奈、莫里索（Berthe Morisot，1841—1895)、畢沙羅（Camille Pissarro，1830—1903)、雷諾瓦、西斯萊（Alfred Sisley，18393—1899) 和博納爾（Pierre Bonnard，1867 －1947）的作品皆曾在分離派展覽會展出。1902年，克林姆獻給貝多芬的第十四屆分離派展覽的貝多芬浮雕特別著名。
分離派內部的分裂：
1899年，奧爾布里希離開維也納；
1903年，霍夫曼和莫澤創立維也納工作室（Wiener Werkstätte），改革應用藝術（工藝美術）社團；1907年，維也納工作室和霍夫曼成為德國工藝聯盟（Deutscher Werkbund）。
1904年，聖路易斯世界博覽會引發了分離派分歧，維也納工作室主張優先考慮畫家和傳統美術，而克林姆、莫澤等則主張裝飾藝術應有同等地位。1905年分岐達到頂峰，以一票之差落敗。 克林姆等因而分於1905 年 退出分離派，組成Kunstschau（藝術展）或 Klimtgruppe（克林姆小組）團體。1945年，戰爭結束後，霍夫曼重新加入了維也納分離派，至今分離派組織仍在運作，定期在分離派大廳舉辦展覽。
克林姆早期為傳統建築裝飾的畫家。之後才發展出個人風格。1900年，他受委托為維也納大學大會堂天花板創作，但被批評為色情作品，為此，他不再接受公共委託，之後以「金色」金箔畫成功，他的作品影響了埃貢·席勒（Egon Schiele，1890—1918)
🔹現代趨勢，1910~1920
前衞抽象風格，棄保守傳統，重內在思想。
現代主義與維也納工坊（ Wiener Werkstätte 1903一1932):
將高超設計和精湛工藝應用於日常用品。Klimt、Egon Schiele, Koloman Moser、Oskar Kokoschka開創了表現主義和象徵主義。
表現主義（Expressionnisme）：
20世紀初流行於法國、德國、奧地利、北歐和俄羅斯的文學和藝術流派。1901年法國畫家 Julien-Auguste Hervé（1854-1932)為有別於印象派，首次使用此詞。之後德國畫家也大膽「創新」，逐漸形成派別，發展到音樂、電影、建築、詩歌、小說、戲劇等領域。
象徵主義（Symbolism）
約1885年至1910年間歐洲文學和視覺藝術領域的運動。摒棄客觀性，偏感觀性，背棄對現實的直接再現，偏愛現實多方面的綜合，通過象徵來暗示思想。結合宗教神秘主義與反正常和色情，「原始性」的興趣與頹廢崇拜。
兩次世界大戰（1918-1938）的影響：
第一次世界大戰和哈布斯堡王朝崩潰後，藝術界分裂，一些藝術家懷舊，另一些如 Loos, Adolf (1870~1933) 開推行激

展期：2025.12.5 ~ 2026.3.22
從巴洛克到現代主義六大主題：
🔹巴洛克時期，1720~1780
🔹浪漫主義，彼得麥雅時期，1780~1850
🔹美好年代，1870~1900
🔹印象主義，1880~1910
🔹新藝術運動維也納分離派，1890~1910
🔹現代趨勢，1910~1920
🔹巴洛克時期，1720~1780:
中歐文化復興時期，宮廷和花園象徵權力與富貴。1718 年創立的維也納瓷器工坊，於1744年由奧地利的女皇瑪麗亞·特蕾莎（ Maria Theresia Walburga Amalia Christina；1717—1780）收購，成為維也納皇家瓷器廠。
女皇特蕾莎是哈布斯堡家族（House of Habsburg)唯一女性統治者，也是王朝直系血脈最後一位統治者，統治範圍包括奧地利、匈牙利王國、克羅埃西亞、波希米亞、特蘭西瓦尼亞、曼托瓦、米蘭、加利西亞和洛多梅里亞、盧森堡及帕爾馬。她透過聯姻，成為洛林公爵夫人、托斯卡納大公夫人及神聖羅馬皇后。
奧地利畫家Johann Baptist Drechsler (1766 – 1811) :
於1772年至1782年間，在維也納瓷器廠工作，之後任教於維也納美術學院附設的商業繪圖學校。他出生於維也納，父親是瓷器彩繪師。1787年成為維也納美術學院首位花卉繪畫教授，風格深受荷蘭花卉畫家範·海瑟姆（Jan van Huysum, 1682 –1749) 精細入微畫風的影響。俄國聖彼得堡冬宮博物館（The State Hermitage Museum)和維也納藝術史博物館（Kunsthistorisches Museum)都收藏他的作品。
荷蘭畫家範·海瑟姆（van Huijsum, 1682 -1749）：
活躍於 17 和18 世紀的荷蘭黃金時代，是傑出的花卉畫家，從小接受裝飾方面的訓練，花卉技法精美細緻，令人驚嘆，無需放大鏡即可看到水滴或螞蟻等。
🔹浪漫主義，彼得麥雅時期，1780~1850:
浪漫主義（Romanticism）：
是藝術、文學及文化的運動，18世紀末始於歐洲，盛於1800至1850年間。注重情感、個人主義以及提倡自然天性，懷疑科學和工業，會讚頌過去（中世紀）。是第一次工業革命、啟蒙時代的社會政治規範和科學理性的反思，影響到視覺藝術、音樂和文學領域；在史學、教育、西洋棋、社會科學和自然科學亦舉足輕重；在政治方面，保守主義、自由主義、激進主義和民族主義皆受到浪漫主義思想家的影響。
比德邁爾風格（Biedermeier) 1815-1848:
德意志邦聯（German Confederation )的藝術和文化時期，始於1815年拿破崙戰爭結束至1848年革命爆發，此時期中產階級崛起，作品多迎合中產階級的美學品味，之後從通俗文學擴展到建築、室內設計和視覺藝術。
比德邁爾源自虛構的平庸詩人Gottlieb Biedermaier，曾出現在尼黑雜誌《飛葉》（Fliegende Blätter)。此風格指文學、音樂、視覺藝術和室內設計，較不具挑戰性的藝術風格。
此時期並非整個時代，而是指中歐的社會氛圍和潮流。日益增長的城市化和工業化，以及新的城市中產階級，為藝術創造了新的受眾。此時期的藝術家較不專注政治性議題，而是關注社會及中產階級家庭的生活。家具設計和室內裝潢開始蓬勃發展。當時富裕中產階級的價值觀是溫情、感性、節制和謙虛，比德邁爾意為舒適和友善，因此繪畫關注日常生活，鮮少創作大場面
此時期的家庭價值觀，反映資產階級的家庭主婦重視佈置合適的家居設計。中產階級女性對家庭具有凝聚的責任，兒童在家庭內社會化。
🔹美好年代，1870~1900
工業革命時代奢華現代生活。
美好年代（Belle Époque):
是歐洲社會史從19世紀末開始，至第一次世界大戰爆發結束，科技進步和經濟騰飛，扭轉了之前的長期蕭條，進入繁榮幸福的時光（特別是1896-1914）。美好年代是後人對此時代的回顧，上流階級認為在此黃金時代，歐洲相對和平，隨著資本主義及工業革命的發展，科學技術日新月異，歐洲的文化、藝術及生活方式等的發展日臻成熟。此時期約與大英帝國（British Empire, 1497-1997)的維多利亞時代（Victorian era, 1837-1900後期)以及英國愛德華時代（Edwardian era, 1901-1910)相互重疊。
第一次工業革命（The first Industrial Revolution)
約於1760年代興起，持續到1830年代至1840年代。而後1870年的第二次工業革命和20世紀以來的第三次工業革命。此期間生產與製造逐漸機械化，以機器取代人力、畜力，工廠生產取代手工業，進而引發現代的科學革命，因此亦稱機器時代（Age of Machines）。
工業革命在1759年左右發源於英格蘭中部，1830年前尚未蓬勃發展，當地富藏的煤礦促成工業化的發展，圈地運動大規模生產羊毛，使農民湧向城市，紡織產業工業化。1769年，英國人瓦特（James Watt，1736—1819)改良蒸汽機後，從手工勞動轉向動力機器生產，改良蒸汽機前，生產靠人力、畜力、水力和風力。
之後自英格蘭擴展到歐洲大陸，19世紀傳播到北美，在此之前，1492年哥倫布首次航行到美洲大陸之後的哥倫布大交換，導致歐洲人口增長，社會生產需求大增，城市化與紡織業促成了工業革命，蒸汽機、煤、鋼和金融則發展了工業革命技術。
🔹印象主義，1880~1910
奧地利畫家受法國印象派影響，開始在戶外既興創作。
印象派（Impressionnisme）
興起於19世紀60~70年代，19世紀最後30年，成為法國藝術主流，並影響到歐美。命名源自法國畫家莫內（Oscar-Claude Monet，1840—1926)於1874年展出的畫作《印象·日出》（Impression, soleil levant)遭學院派評擊，評論家勒魯瓦（Louis Leroy (1812 - 1885)則挖苦只是「印象」。
印象派筆觸未經修飾，構圖寬廣無邊，著重光影改變、對時間的印象，描繪生活中平凡事物。著名藝術家有莫內、馬內（Édouard Manet，1832—1883)
、竇加（Hilaire-Germain-Edgar de Gas，1834—1917)
、雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir，1841—1919)等，塞尚（Paul Cézanne，1839—1906)後來開創了後印象派。印象派之後從視覺藝術發展到音樂派、文學等領域。
以德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，1798—1863)

《草地上的午餐》（Le Déjeuner sur l'herbe)是19世紀末法國現代繪畫先驅畫家愛德華·馬奈（Édouard Manet, 1832 －1883)，於1863年創作的代表畫作（208× 264.5 cm)，最初名為《沐浴》（Le Bain）後來改名為《四方派對》（Partie carrée)。畫作於1863年5月15日在落選者沙龍（Salon des Refusés）首次展出，展出沒多久就被撤下。隔年，1864年，在沙龍重新​​展出時引起爭議。1906年，繼法國收藏家、畫家、陶藝家和藝術史學家莫羅-內拉東（Étienne Moreau-Nélaton, 1859 －1927)捐贈後＇才成為公共遺產。

《草地上的午餐》風格粗獷，構圖中將一位注視公眾的普通裸女與兩位衣著整齊的男性並置在中央，在沙龍展展出時，引起美學和道德觀的嚴厲批評，認為此作品敗壞了資產階級參觀展覽的良好品味，亦扼殺了傳統神話繪畫的規範。此幅畫被視為是現代繪畫的早期作品，馬內希望透過此作品，打破為何裸體在學院派繪畫中可以被接受，確在現實生活中不被接受的虛偽觀念，他希望用自己的藝術改變所處的世界。

畫面前景描繪的野餐的靜物中的水果、麵包、櫻桃擺放在有樹葉的布上，一籃水果倒在模特兒的藍色波點洋裝上。一位裸女隨意坐在樹林中央，身旁是兩位身著現代服飾的男子，裸女放肆地註視著觀者，而另女子則慵懶地在遠景處沐浴。 

法國小說家、記者、劇作家以及自然主義文學的代表人物左拉（Émile Édovard Charles Antoine Zola，1840 －1902），代表著作《盧貢-馬卡爾家族》（Les Rougon-Macquart）包括20部長篇小說，對法蘭西第二帝國時期進行深入的描繪。法蘭西第二帝國（Second Empire）是波拿巴家族的拿破崙三世在法國建立的最後一個君主制政權（1852－1870）。

左拉（Émile Zola)曾在1867年如此評論此作品：
「《草地上的午餐》是馬內最大的一幅畫作，實現了所有畫家的夢想：將真人大小的人物融入風景中。畫中有樹葉、樹幹，背景是一條河，一位身著衣的女子在河中沐浴；前景中，兩個年輕男子坐在另一名女子對面，後者剛從水中出來，在露天處使肌膚晾乾，這位裸女令觀眾感到震驚，天哪！多麼不雅！一個沒有戴面紗的女子夾在兩個穿著衣服的男子中間，真是令人厭惡！當時人們把馬內想像成一個偷窺狂，從未見過如此畫面。然而，這種想法是嚴重的錯誤，因為羅浮宮博物館典藏了許多畫作，其中穿衣服和裸體的人物混在一起，確沒有人會在羅浮宮博物館抱怨。」

《草地上的午餐》賞析：
四個人物形成一個三角形，這是古典藝術中常見的構圖，兩個男人則形成一個倒三角形，如同文藝復興時期的金字塔式構圖。馬內將畫作命名為《四方》，有可能畫中原來有兩名裸女妓女。翻倒的籃子像徵情慾，具情色意涵，如此非寓言或神話的作品在當時引起了軒然大波。前景中的裸女是馬奈的模特兒，法國畫家莫倫特（Victorine Louise Meurent, 1844 -1927)，畫中央的畫家是荷蘭雕塑家萊恩霍夫（Ferdinand Karel Adolf Constantijn Leenhoff, 1841 －1914)，他是荷蘭剛琴家蘇珊娜·馬奈（Suzanne Manet, Leenhoff, 1829 －1906）的兄弟，馬內晚年與蘇珊娜結婚。用手肘支撐身體，半倚在草地上的男子則是歐仁·馬奈（Eugène Manet, 1833 －1892），他是馬奈內的弟弟，法國，畫家莫里索（Berthe Morisot, 1841 －1895)的丈夫。

背景中在池塘沐浴的女子，是馬內和畫家們的著名的模特梅萊（Alexandrine-Gabrielle Meley），後來嫁給名作家左拉後，改名為亞歷山大·左拉（Alexandrine Zola, Méley, 1839 -1925)。這幅畫的風格和技藝震驚了公眾和評論家。速寫類似虛構的場景，靈感來自馬內在法國中部熱訥維耶（Gennevilliers)家族莊園的素描，此作品打破透視法則，背景中的女人應該更小，同時放棄了層次感，轉而使用光影和色彩為對比，作品給人的印像是人物沒有很好地融入構圖中。畫中有許多誤導性的暗示，例如不同季節的水果，因不真實的並置，而增添幻覺感。

馬內未將學院派的裸體畫與日常生活的繪畫區分，他雖然借鑒了大師們的古典主題，確又完全失去了對前輩畫家的敬意。他試圖以畫作諷刺當時資產階級的性慾風俗，並將性慾隱藏在經過修飾的浪漫主義下。文藝復興時期的威尼斯畫派的畫家提香（Tiziano Vecelli，1488 、1490－1576)的《神奇的捕撈》（Pêche miraculeuse)或《提水的繆斯女神》，在馬內作品中變成了沐浴者，女子的姿態可以被解讀為一個被慾望攫取的妓女，或者一個女子在性行為後，小心翼翼清洗的妓女。

畫面左下角的青蛙是學生們給妓女的名字；神聖的鴿子被紅腹灰雀取代，紅腹灰雀展開翅膀，遮住正在放鬆的年輕女子；翻倒的籃子像徵失去純真；桃子、櫻桃和無花果和牡蠣殼皆暗示春藥，隱喻色情。這種隱喻與不雅的裸體，皆不符合寓意或神話的慣例，傳統中，歷史主題中是允許有裸女在畫面中，然而馬內作品確挑釁了此良好的道德傳統。

靈感來源：
法國記者、政治家、藝術家、藝術評論家、收藏家、展覽策展人普魯斯特（Antonin Proust 1832 －1905)曾擔任共和國第一任文化部長，他曾提到，馬內是因為在法國中北部的阿讓特伊（Argenteuil)時，見到從水中浮出的泳客，才萌生創作這幅畫作，馬內說到：「看來我必須畫一幅裸體畫。我就把他們畫成裸體。」隨後，馬內在工作室創作，他從古典藝術中汲取靈感，以肖像畫闡釋道德選擇。」

馬內的《草地上的午餐》，是以文藝復興威尼斯畫派的畫家提香（Tiziano Vecelli)於1508至1509年間創作的《田園音樂會》（Concert champêtre)為靈感，此具詩意的作品，畫中兩位裸體女子，分別是像徵史詩和抒情詩的繆斯女神卡利俄珀和波呂海姆尼亞。卡利俄佩的意思為「聲音悅耳的」，是希臘神話中掌管英雄史詩的繆思，是九位繆思，文藝女神中最年長者。另一位波麗海姆妮亞，意思為「有很多頌歌的」，是希臘神話中司頌歌和啞劇的繆思。

在田園詩般的田園風光中，兩位繆斯由兩位衣著光鮮的青年男子相伴，其中一位彈奏著魯特琴。魯特琴是中世紀到巴洛克時期（Baroque ）在歐洲風行的撥弦樂器。馬內以現代人物重新演繹了此主題，將場景描繪成森林的野餐，這是當時法國城市居民最喜歡的周末休閒方式。 《草地上的午餐》是繪畫的新宣言，也是一種新的藝術概念，以及展現藝術與觀眾間關係的宣言。

這幅作品的構圖源自義大利金匠和雕刻家雷蒙迪（Marcantonio Raim

愛德華·馬內（Édouard Manet, 1832 －1883)，是19世紀末法國重要的畫家和版畫家，也是現代繪畫的先驅。他擺脫了學院派的風格，曾被視為印象派之父之一，然而，他與印象派有所區別，他更關注現實風格，他的某些肖像、海景、巴黎生活或靜物主題近似印象派風格。

1850年，馬內尋找能進入職業生涯的途徑，法國畫家庫圖爾（Thomas Couture，1815-1879)，當時深受業餘畫家推崇，並得到政府支持，他的作品從1840年以來價格飆升，因此，馬內選擇了在庫爾圖爾工作室習畫，長達6年師徒生涯，對他必有影響。 

老師庫圖爾，是法國學院派畫家，畫風具義大利即興喜劇和波西米亞風情，11歲起居住灶巴黎。早年，1828年就讀藝術與職業學院，1830年，進入法國新古典主義畫家(Antoine-Jean Gros，1771—1835）工作室及法國學院派德拉羅什（Hippolyte-Paul Delaroche，1797—1859）門下習畫。他曾6次榮獲羅馬大獎。1847年，首創以草圖式繪畫技法，融合古典構圖與浪漫主義，在巴黎沙龍成功展出鉅作《頹廢的羅馬人》，此八米寬作品，現典藏於巴黎以奧賽美術館。畫中有衣冠不整的男女，縱情於酒宴之中，背景中的大雕像透露是羅馬帝國時代，一個戰無不勝、攻無不克的強大帝國。畫面中的雕像象徵先祖的榮耀，前景宴席中有男歡女愛，醉得不省人事的賓客，喝醉鬧事的青年，還有人爬上雕像，跟先祖敬酒，眾人正在歡愉之刻，只有一位青年愁容滿面，坐在畫的最左邊石柱上，似乎看不下眼前的一切。畫作最右邊，是兩位日耳曼賓客，一人身著紅袍，一人著藍袍，目光冷靜的看著這場飽暖淫慾的安樂。這些日耳曼人，正是即將毀滅羅馬的外族強敵。

其實馬內並不習慣老庫圖爾工作室的教學方式，他在工作室的同學，後來成為記者、藝評家、政治人物的普魯斯特（Antonin Proust, 1832- 1905)的回憶錄寫道：「每逢星期一…馬內總會和教授的模特們發生口角……她們的姿勢有些怪異。——你不能自然，馬奈喊道。」1856年，馬內離開了庫圖爾的工作室，與朋友德·巴勒瓦（Albert de Balleroy創立了工作室。

馬內的老師庫圖爾在1844年沙龍展，首次成功的作品《金之愛》（ L'Amour de l'or)現藏於圖盧茲奧古斯丁博物館(musée des Augustins, Toulouse) ，靈感取材於雷蒙迪（Marcantonio Raimondi, 1480 － 1534)的《巴黎的評判》（Jugement de Pâris)左側，而馬內的《草地上的午餐》（Le déjeuner sur l'herbe )，則藉鑑了雷蒙迪的作品《巴黎的右側》作品。

《但丁與維吉爾在地獄》（Dante et Virgile aux enfers)，是浪漫主義大師德拉克羅瓦（Eugène Delacroix ， 1798 －1863 )最早的畫作之一，1822年的作品於同年在沙龍展出，雖然飽受批評，但法國政府還是典藏了。這幅作品選自《神曲》（Divina Commedia)的場景，是義大利中世紀哲學家我詩人但丁（Dante Alighieri，1265—1321)的長詩，約於1308年開始創作，1321年前後完成。《神曲》被視為義大利文學的經典以及世界文學的瑰寶，詩中描述死後世界，向後人展示了14世紀西方教會的世界觀。全詩以托斯卡納（Toscana)方言寫成，為日後的標準義大利語奠下基礎。此外，旦丁也歐洲文藝復興時期的開拓人物，他以史詩《神曲》留名後世，在義大利被稱為至高詩人。

《但丁與維吉爾在地獄》描繪了但丁在奧古斯都時代的古羅馬詩人維吉爾（Publius Vergilius Maro，前70—前19）的陪同下，乘坐由古希臘拉庇泰人國王弗萊基亞斯（Phlegias）所率領的船渡過冥河（Styx），前往地獄的第五層。

普布利烏斯·馬羅（Publius Vergilius Maro，前70—前19），維吉爾（Vergil）是奧古斯都時代的古羅馬詩人。作品有《牧歌集》、《農事詩》、史詩《艾尼亞斯紀》三部傑作。他被奉為羅馬的國民詩人，是古羅馬最偉大的詩人之一，也因在《牧歌集》中預言耶穌誕生，被基督教奉為聖人。在但丁的《神曲》中，他是但丁的保護者和老師。

畫面中洶湧的海水，被詛咒者的屍體緊貼著船，黑暗的天空，以及左側燃燒的城市，包圍著中央兩位明亮的詩人。但丁有中世紀的紅色頭飾，維吉爾則頭戴月桂花環。構圖的中心有駛往地獄的船，在右側，有身裹藍布掌舵的弗萊基亞，德拉克洛瓦繪他的的背部時，有受到希臘化殘缺大理石軀幹雕塑（Belvedere Torso），複製石膏模型的啟發，該雕像由前1世紀的雅典雕塑家阿波羅尼烏斯（Apollonius）署名，現藏在梵蒂岡（Vatican)博物館的皮奧·克萊門蒂諾（Pio-Clementine）博物館，建築群中的繆斯（Muse)大廳。

馬內非常欣賞法國浪漫主義的德維裡亞（Achille Devéria, 1800 －1857)，當他與法國畫家拉菲（Denis Raffet, 1804 -186)參觀盧森堡（Luxembourg)美術館時，看到德維裡亞（Devéria的《亨利四世的誕生》（La Naissance d'Henri IV )後驚嘆：「一切都很美，但盧森堡美術館裡還有一件傑作，但丁的《但丁之船》（La Barque de Dante)，如果我們去拜訪德拉克洛瓦，我會提到參觀了他的《但丁之船》，並請他允許臨摹。」然而拜會時，德拉克洛瓦的反應冷漠。離開工作室時，馬內對法國意識流作家普魯斯特（Marcel Proust，1871—1922）
說：「並非德拉克洛瓦冷漠，而是他的學說冰冷。儘管如此，我還是臨摹《但丁之船》吧！因為是一幅傑作。」

意識流（Stream of consciousness)
「意識流」）是心理學詞彙，是描繪人物意識流動狀態的文學作品，包括清醒及無意識、夢幻意識和語言前意識。1918年由英國瑞恰生（Dorothy Leigh Sayers，1893—1957)的小說《旅程》引入文學界。意識流文學是現代主義文學的分支，體現在小說、戲劇、詩歌與電影等領域。

馬內創作的《德拉克洛瓦式三桅帆船》（La Barque de Dante d'après Delacroix)，是馬內唯一臨摹在世畫家的作品，現藏於法國中部里昂美術館（musée des Beaux-Arts de Lyon)，第二幅不同尺寸的臨摹作品，更自由且色彩更豐富，現典藏在紐約大都會博物館，這幅作品在馬內過時仍保留在他的工作室。

馬內創作歷程中，有許多作品未被官方沙龍的評審青睞，1863他的鉅作在《落選者沙龍（Salon des Refusés）展出。
1863年開始舉辦的藝術

愛德華·馬內（Édouard Manet, 1832 －1883)，1832年1月23日出生於巴黎，1883年4月30日卒於巴黎，是19世紀末法國重要的畫家和版畫家，也是現代繪畫的先驅。他擺脫了學院派的風格，曾被視為印象派之父之一，其實，他更關注現實風格，與印象派是有所區分的，他的風格不使用或很少使用新的色彩技巧，和對光的特殊處理。然而，他的某些主題與印象派接近，例如肖像、海景、巴黎生活或靜物。

馬內的生平：
馬內於1832年出生於巴黎聖日耳曼德佩（ Saint-Germain-des-Prés)區的小奧古斯丁（Petits-Augustins)街5號。他來自資產階級家庭，父親奧古斯特（Auguste, 1796-1862）是司法部的高級官員，曾擔任司法部秘書長參謀長，母親歐也妮·德西蕾（Eugénie Désirée Fournier, 1811-1885），是駐瑞典斯德哥爾摩（Stockholm）外交官的女兒，也是貝爾納多特（Jean-Baptiste Jules Bernadotte，1763—1844)元帥的教女。貝爾納多特元師於1804年晉封法國元帥，1810年，成為瑞典國王卡爾十三世（Karl XIII，1748—1818)的養子，並選為瑞典王儲，1818年，即位為瑞典國王卡爾十四世，是貝爾納多特王朝開國君主，在位至1844年去世。

馬內12歲時，被送往羅蘭學院（collège Rollin，現為collège-lycée Jacques-Decour)，學校離盧森堡(Luxembourg)公園不遠，臨近家人居住的區（Val-de-Grâce)。馬內在羅蘭學院成績不錯，在學時結識了普魯斯特（Antonin Proust, 1832 －1905) ，這位同學後來成為記者、政治家、藝術家、藝術評論家、收藏家、展覽策展人。馬內年輕時，舅舅艾德華（Édouard Fournier)，君主主義的上尉，經常帶馬內和兄弟歐仁介（Eugène）以及普魯斯特，參觀羅浮宮博物館，認識大師們的作品，包括西班牙畫廊，因而啟蒙了馬內的藝術才華。

馬內在羅蘭學院的歷史老師是法國歷史學家、政治家瓦隆（Henri-Alexandre Wallon, 1812—1904），對創建第三共和國憲法有決定性貢獻，被譽為「共和國之父」。馬內求學時常不守規矩，甚至傲慢無禮。他的同學普魯斯特曾記錄馬內與老師瓦隆間，曾就法國啟蒙思想家、唯物主義哲學家、文學家、美學家和翻譯家，百科全書派的代表，狄德羅（Denis Diderot，1713—1784）的一篇關於時尚的文章爭辯，年輕的馬內曾高呼：「一個人必須活在自己的時代，做自己看到的事情，而不必擔心時尚。」

18世紀啟蒙運動的狄德羅，曾以20年主編《百科全書，或科學、藝術和工藝詳解詞典》（Encyclopédie, ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers）。《百科全書》是1751年至1772年間，由一批法國啟蒙思想家編撰的法語百科全書，共17卷正編，11捲圖編，此後多有補編，1780年再版時共有35卷。

有關馬內的童年，所知之甚少，杜雷（Théodore Duret)及最近的傳記，有提到他來自富裕的家庭：「這位藝術家在1862年父親去世後繼承了房產，每年可獲得2萬法郎的租金，為期四年；當時他不需要謀生…。」此外，由於馬內重視保護私生活，因此鮮為人知。 」此外，馬內在羅蘭學院的同學普魯斯特的回憶，對於了解馬內也非常寶貴。

馬內的藝術風格定位：
馬內既非印象派畫家，亦非現實主義畫家，他向藝術評論家提出了懸而未決的問題：「他是最後一位偉大的古典主義畫家，還是第一位革命者？他是偉大而執著的藝術的頑童，大師們略帶調皮的學生，超越美術學院教授的真正傳統的恢復者？」

從19世紀80年代起，他的知名度日益提升。 1882年，榮獲3法國榮譽軍團勳章。可惜，由於梅毒和風濕病的困擾，他的左腿自1876年起便飽受折磨，最後不得不截肢。 1883年，馬內51歲時，在裡約熱內盧因感染梅毒和壞疽去世，留下了400多幅油畫、粉彩畫、素描和水彩畫。

馬內的海軍身涯： 
1848 年，馬內離開羅蘭學院，申請加入海軍，但在競爭性考試中失敗，隨後，他決定在開往裡約熱內盧的訓練船上擔任引航員。1848 年 12 月 9 日，他從勒阿弗爾（Le Havre)啟程前往加勒比海(Caraibe)的瓜德羅普(Guadeloupe)島，航行持續到 1849 年 6 月。航行中，馬內創作大量畫作，他曾為全體船員繪製肖像和素描，也為戰友和軍官創作漫畫。他在裡約熱內盧感染了梅毒，回到勒阿弗爾（Le Havre)後，第二次仍未能通過海軍學校入學考試；他的家人因此同意他從事藝術事業。後來，乘船之旅激發了他創作海景畫的靈感，創作了多幅港口場景畫。

庫圖爾（Thomas Couture, 1815—1879)工作室的創作生涯：
第二次未通過海軍軍官考試後，馬內拒絕學習法律和就讀巴黎美術學院。1850年，他與同學普魯斯特一起進入畫家庫圖爾的工作室，待了約六年，直到1856年。當時，他在羅浮宮的臨摹名冊登記為庫圖爾的學生。然而，他很快就對老師的風格失去信心，之漸漸背道而馳。

老師庫圖爾是法國歷史畫家，是19世紀下半葉學院派藝術的標誌性人物，師承19世紀新古典主義畫家格羅（Antoine-Jean Gros, 1771 －1835)和德拉羅什 （Paul Delaroche, 1797 －1856)，對古代世界有濃厚興趣，1847年，在沙龍展展出的傑作《羅馬人的墮落》（
Les Romains de la décadence)極為成功，聲名達到巔峰，因此馬內的父母安排他進入庫圖爾大師的工作室。

六年期間，馬內大多學習繪畫的基本技巧，並臨摹羅浮宮博物館的大師作品，包括威尼斯畫派的丁托列托（Tintoretto, 1518—1594）和提香（Tiziano Vecellio, 1488 ／1490 －1576)以及法蘭德斯畫家，巴洛克畫派早期的代表魯本斯爵士（Sir Peter Paul Rubens, 1577—1640 ）的作品。他也曾拜訪浪漫主義大師德拉克洛瓦，請求允許臨摹在盧森堡博物館展出，1822年創作的《但丁的帆船》（The Barque of Dante)。

馬內思想獨立，好選擇簡單題材，他的肖像畫深受老師庫圖爾啟發，人物面部表情明亮，充滿活力，同時會融入現代生活元素，例如黑色西裝、時尚配件。1859年，馬奈的《喝苦艾酒的人》（The Absinthe Drinker），令老師庫圖爾難以理解，兩人因而分道揚鏢。其實，從第一天進工作室，馬內就說：「我不知道我為什麼在這裡；當我走進工作

《畫家工作室》（L'Atelier du peintre)是庫爾貝（Gustave Courbet, 1819-1877) 於1855年創作的布面油畫，全名《畫家工作室：一個真實的寓言，定義了我藝術（和道德）生涯的七年階段》（L’Atelier du peintre. Allégorie Réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique (et morale)的巨幅作品(361 x 598 cm)，自1986年起，典藏在法國巴黎的奧賽博物館（musée d'Orsay)。

1851年，世界第一屆萬國博覽會（Exposition universelle )在倫敦舉辦後，1855年，法國第二帝國時代，由拿破崙三世（Napoléon III，1808—1873)下令，在巴黎舉辦了第一屆的萬國博覽會（國際貿易與文化博覽會），5月15日至11月15日，在巴黎香榭麗舍(Champs Élysées)大道舉行的世界第二屆博覽會，吸引了超過510萬名參觀者。

為了1855年在巴黎的萬國博覽會，庫爾貝創作了作品，其中11 幅被評審入選，然而，《畫家工作室》確未入選。為此，庫爾貝在萬國博覽會對面的蒙田（Montaigne）大道，透過贊助人（Alfred Bruyas, 1821-1877)的支助，建造了臨時的現實主義展館，以個展形式展出了40多件作品，其中包括最具代表性的《畫家工作室》。

展出後，直到1881年，由妹妹朱麗葉（Juliette Courbet 1831 －1915)收藏。童年時，庫爾貝就喜愛以妹妹為創作對象。 1877年，庫爾貝去世後，妹妹成為唯一繼承人，之後成為庫爾貝繪畫的推廣者，將他的畫作帶入公共收藏，甚至試圖在以前的工作室建立專門的博物館。

1881年12月9日，妹妹將畫作在德魯奧（Drouot)酒店，以拍品編號8，掛牌出售，由巴黎阿羅畫廊，以21,000法郎購得。1897年，Victor Antoine Desfossés購藏，他於1899年去世後，由其妻代代相傳至1919年；之後成為巴黎加利利（Galilée）街6號，德福塞斯（Desfossés）酒店業餘劇院的背景幕布。1919年至1920年，由巴巴贊熱畫廊（Galerie Barbazanges）收藏。1920 年，羅浮宮博物館以 70 萬法郎購藏，此金額來源，部分由羅浮宮之友協會（Société des Amis du Louvre）贊助，亦包括公眾捐款和國家撥款。1986年，畫作遷至由火車站轉型成美術館的奧塞博物館。2014年，透過1334位公眾捐款集資的15多萬歐元，以及45萬歐元的贊助，奧塞博物館庫爾貝展廳進行了整修。

《畫家工作室》分析：
《畫家工作室》以集體肖像類型的風俗畫呈現，有多種解人物的論述。庫爾貝描繪的場景，可能位於他在巴黎奧特弗耶街（Hautefeuille) 32號的工作室。

畫作構圖分為三部分，藝術家在中間，畫框之後有一位裸體男模特兒，他將善良的一群人描繪在右邊，他摒棄的人物，代表死亡和貧困的人們則在畫面左方。庫爾貝透過畫中不同社會階級的人士，傳達他的道德觀。他曾在1855年1月寫信給友人，法國記者、藝術作家、短篇小說家和文學評論家（Jules François Félix Husson, 1821－1889)：「這是我工作室的精神和物質歷史，是我在家中描繪的世界」。

庫爾貝以《畫家工作室》展現個人宣言，亦挑戰流派的等級制度。在學院派，畫派的等級制度區分為五個類型，依續為歷史畫、肖像畫、風俗畫、風景畫以及靜物畫。

《畫家工作室》屬於風俗畫，但他刻意將作品提升到歷史畫的崇高地位，沿用歷史畫的形式和主題。他以畫布後方被箭射穿的聖人聖巴斯弟盎（saint Sébastien，256？—288）的人體模型，批判學院派。聖巴斯弟盎是受天主教、東正教尊敬的殉道聖人，據說在羅馬皇帝戴克里先努斯（Gaius Aurelius Valerius Diocletianus, 242/245－311/312）迫害基督徒期間被殺。在藝術和文學中，多以雙臂被捆綁在樹樁，被亂箭所射的方式呈現。

《畫家工作室》融合了風景、風俗、裸體、集體肖像以及靜物題材，例如獵人腳下的羽飾帽、吉他和匕首。此外，亦有宗教題材，包括「最後的審判」，在亞伯拉罕宗教中，「最後的審判」是上帝對人類的行為、言語和意圖審判的日子；
「耶穌下十字架」則描繪耶穌受難後的聖像畫主題，福音書詳述耶穌死後，由亞利馬太的約瑟和尼哥底母埋葬，但沒有提及耶穌的遺體從十字架下來，這個主題啟發了許多藝術家；「死亡警示」（Memento mori )是拉丁語，意指「記住你正在死去」，庫爾貝以頭骨托放在《辯論報》（Journal des débats)上呈現，以此回應對他的攻擊。

《畫家工作室》中的人物，如肖像畫廊，匯集了許多知名人士以及不同社會皆級的人物。他試圖以此，賦予人物高貴的象徵及寓意意義。寓意（allegory) 原自希臘語，表示公開演說，可透過語言或視覺呈現。庫爾貝以現實主義中的寓意畫，警示觀眾，每個人物都代表一種理念，也代表鮮活的生命，然而，19世紀時，寓意繪畫已漸漸式微。

庫爾貝的創作受到法國社會主義、政治家、哲學家、經濟學家普魯東（Pierre-Joseph Proudhon，1809—1865）（Proudhon）的影響，重視道德，試圖評判世界。庫爾畢將自己以主角置於畫中心，是為了確立自己藝術家的地位，將自己定義為「天生的」共和主義者，在此之前，很少有畫家將自己置於畫面中央。

畫面中央解析：
庫爾貝正在描繪畫架上他的家鄉奧爾南（Ornans），他以此風景代表他的出身。他是自戀及個人主義的藝術家，他以傲慢的姿態，側坐在椅子上，他穿著格紋長褲和條紋領子的夾克，與之前的作品《帶條紋領子的自畫像》相似。此油畫作品創品於1854年，是他的半身自畫像，畫中人物左側輪廓清晰。他身穿的帶條紋領子的外套，借自他的贊助人布魯亞斯（Alfred Bruyas)。這件作品由布魯亞斯於1868年捐贈給蒙彼利埃（Montpellier)市的法布爾（ Fabre）博物館。

庫爾貝的腳邊有一隻白貓，畫架的左邊有一位小牧羊人，赤腳穿著木屐，頭髮凌亂，凝視著畫布，小男童象徵純真、自由和生命。站立在畫家右邊的側面裸體女子代表真理的繆斯，可能是模特兒的女子，注視著他的作品，雙手拿著一塊拖在地上的布巾，她的衣服則隨意扔在凳子上。

畫面左邊解析：
對庫爾貝而言，左邊是另一個世界，有人民、苦難、貧窮、財富、被剝削者、剝削者、靠死亡生活的人，包括：
．法國銀行家和政治家富爾德 (Achille Marcus Fo

1870年代：
他赴法國西北部諾曼第（Normandie）的度假勝地埃特勒塔 （Étretat)長住，完成新的委託。藝廊畫商杜蘭德-呂埃爾（Paul Durand-Ruel, 1831-1922）為他找到了喜好懸崖畫的客戶；他構思了一系列新的海景畫《海浪》（La Vague），於1870年的沙龍大放異彩。 11月從慕尼黑返回家鄉前，曾在瑞士因特拉肯（Interlaken)停留，創作了11幅阿爾卑斯山風景畫。 12月底失去摯友作家布雄（Max Buchon,1818 －1869)後陷入憂鬱，完成了最後一幅大型裸體畫《慕尼黑夫人》（La Dame de Munich，已失蹤）。

1870年5月，在巴黎沙龍展出《暴風雨後的埃特勒塔懸崖》（La Falaise d'Étretat après l'orage)和《驚濤駭浪》（La Mer orageuse)。他最後一次參加的沙龍展，獲得了評論家們高度評價，畫作也得以售出。幾週前，他參與了改革沙龍規則，1880年法國藝術家沙龍（Salon des artistes français)成立。

法國藝術家沙龍展出繪畫、雕塑、建築作品、版畫，以及攝影作品等。自1880年起舉辦，前身為王家繪畫與雕塑學院的美術學院沙龍。1881年起，每年二月的沙龍展才由協會主辦，1883年，協會依法認定為公共事業機構。

維護博物館
庫爾貝是有共和思想，追求自由，拒絕拿破崙三世（Napoléon III, 1808 －1873)授予的榮譽軍團勳章（ Légion d'honneur)。他於1870年6月23日寫信給文學、科學和美術部長理查德（Maurice Louis Richard, 1832 －1888) ，這封發表在政治、文學和社會經濟的《世紀報》（Le Siècle）後，引起軒然大波，他結尾寫道：「我今年50歲了，我一直自由地生活著。讓我結束我自由的人生：當我死後，人們必然會這樣說我：我從未加入過任何學校、教會、機構或學院，尤其不屬於任何政權，除了自由的政權」。 1970年7月15日，法國拿破崙三世向普魯士宣戰。

普法戰爭時保護博物館：
1870年9月4日，庫爾貝於6日被代表巴黎藝術家的代表團任命為「法國博物館總監督委員會主席」，他隨後領導一個委員會，負責保護巴黎及週邊地區的藝術品。仳保守措施在戰爭時以及普魯士軍隊逼近巴黎時很常見。委員會由多個營組成，設在羅浮宮，成員包括畫家杜米埃（Honoré Daumier, 1808-1878)和布拉克蒙（Félix Bracquemon, 1833-1914)等人。1970年 11日，庫爾貝致函部長西蒙（Jules François Simon，1814—1896)，談到製陶瓷的塞夫勒工廠（Sèvres）受到敵威脅。14日，他致函國防政府，提議拆除巴黎塞納河右岸的旺多姆（Vendôme）廣場的圓柱，以回收部分金屬來造幣。 14日，負責保衛凡爾賽博物館、盧森堡博物館、羅浮宮等。16日，巴黎圍城戰開始。

12月1日，他和藝評家伯蒂（Philippe Burty, 1830 －1890)辭去了「羅浮宮檔案委員會」職務。1871年1月28日停戰協議簽署之際，2月23日寫信給父母，告知他退出了2月8日的立法選舉，此時家鄉的工作室遭到洗劫，他對國防政府失望，因此從3月18日起，積極參與巴黎公社（Commune de Paris)，公社於1871年3月28日至5月28日統治巴黎，並接管法國全境的政府，公社衛隊曾殺了兩名法國將軍而導致「流血周」。庫爾貝於1871年4月16被第六區選入公社委員會，被任命為美術委員會委員。 1871年4月17日，當選為藝術家聯盟主席。他下令加固羅浮宮的所有窗戶，以保護藝術品，以及凱旋門、噴泉和創立於1601年，製作織毯的戈布蘭（Gobelins）工廠。甚至保護了法國政治家、歷史學家。梯也爾（Adolphe Thiers, 1797 －1877)包括中國瓷器的藝術收藏。七月王朝的路易·菲利普（Louis-Philippe Ier，1773—1850)時期曾任首相，在第二帝國滅亡後，再度掌權，期間因鎮壓巴黎公社而知名。1870年，第三共和成立。1871年至1873年間曾擔任國家首腦，然後擔任總統。

由於庫爾貝曾呼籲拆除Vendome 廣場圓柱，使他承擔了後來拆除圓柱的責任，然而，他並未投票贊成在12日拆除，因為他是在20日才就職。拆除圓柱原計劃於5月5日，拿破崙逝世週年紀念日舉行，但因軍事局勢而無法實現，拆除最終於5月16日舉行，在工程師的監督下，圓柱於下午5點30分在巴黎民眾的歡呼聲和見證下完成。當天他未能前往廣場，第二天才前往廣場拍下自己在圓柱殘骸前與兩名聯邦軍士兵握手的照片。這張照片成了他「解開圓柱」的傳奇。

1871年5月24日，辭去公職，以抗議公社社員處死他友人肖迪（Gustave Chaudey），肖迪時任副市長，被指控於1871年1月22日向人群開槍。血腥週過後，他於6月7日被捕，關押在巴黎古監獄（Conciergerie）和馬扎斯（Mazas）。他寫信給《攀爬》（Le Rappel）編輯：「我一直致力於社會問題及其相關的哲學研究，與我的同志蒲魯東[…]我反對一切形式的專制政府和君權神授，主張人人根據自己需要、為自身的直接利益以及按照自己的意願自我管理」。6月27日，倫敦《泰晤士報》刊登他署名的公開信表示，他已盡一切努力保護巴黎的博物館。

從入獄起，媒體就批評他破壞了紀念柱，他隨後給各民選官員寫了一系列信函，承諾出售他的200幅畫作，自費重建紀念柱，但後來後反悔。7月27日在監獄中得知母親已經於兩個月前，6月3日去世。 8月14日，他在凡爾賽宮被審判，另有15名公社成員和兩名中央委員會成員出席。9月2日，第三軍事法庭判處他6個月監禁，並處以500法郎罰款，理由如下：
「身為公社成員，他煽動破壞紀念柱。」他在凡爾賽服刑，9月22日起轉入聖佩拉吉（Sainte-Pélagie)監獄，還必須支付6850法郎的訴訟費，由於他病情嚴重，於12月30日轉移到訥伊（Neuilly)診所接受腸梗阻手術。3月1日被釋放前，在監獄畫了許多靜物畫及同盟軍（fédérés）被囚禁家屬的素描。

許多作家反對他參與巴黎公社，小仲馬（Alexandre Dumas fills, 1824—1895)曾寫道：「…是基因的對立，皮脂腺的分泌，才孕育出這個叫庫爾貝的玩意？究竟是在什麼樣的鐘形罩下，借助什麼樣的肥料，在什麼樣的葡萄酒、啤酒、腐蝕性粘液和脹氣性水腫的混合作用下，孕育出…這個愚蠢無能的自我化身？」


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1861年，加入法國國家美術協會委員會（Société nationale des beaux-arts)，同年7月，被提名法國榮譽軍團勳章（Légion d’honneur)，此勳章是法國政府頒授的最高榮譽勳位勳章，以表彰對法國做出特殊貢獻的軍人和其他各界人士，1802年由拿破崙設立，勳章綬帶為紅色，分六個等級。但拿破崙三世（Napoléon III，1808-1873)將他從名單剔除，國家也未購買描繪狩獵場景的大幅畫作（Le Rut du printemps, combat de cerfs)。之後，他寫信給作家Francis Wey(1812-1882):「這幅畫是我去德國研究的動物搏鬥...。這些動物打鬥冷酷無情…」。1861年秋，在日內瓦州立美術展覽會展出了《枯葉風景》（Paysages de feuilles mortes )和《德國女士素描》（Esquisse d'une Dame allemande)，與德拉克洛瓦（Delacroix）,杜比尼(Daubigny)和柯羅（Corot）共同展出。

1861年，法國藝評家卡斯塔尼亞𥚃（Jules Antoine Castagnary, 1830-1888)在安德勒（Andler）啤酒屋邀請庫爾貝主持繪畫工作坊，有31名學生報名，但20天後庫爾貝退出，理由是：「我不能教授我的藝術，也不能教授任何流派的藝術，因為我否認藝術教學，換句話說，我認為藝術完全是個人的，對每個藝術家來說，藝術只是源於自身靈感和對傳統的研究而產生的天賦。」

1861年至1862年：
應贊助人博德里（Étienne Baudry, 1830-1908)邀請，在法國中部靠大西洋的聖通日（Saintonge)期間，創作了一系列靜物畫。贊助人委託他創作裸體畫，包括《斜倚的裸女》 （Femme nue couchée)。

1862年至1863年：
他居住在法國西部聖特（Sainte)，與一些畫家參加露天工作坊（Port-Berteau)。1863年，在市政廳舉辦了共170幅作品的聯展。當時創作了《會議歸來》（Le Retour de la conférence)，表達他反教權主義，針對以拿破崙三世的皇後歐仁妮（Eugénie de Montijo，1826—1920)為代表的法國天主教會。
此畫他刻意描繪醉酒神父。1863年，寫信給建築師伊薩貝 （Léon Isabey (1821-1895）：「我想知道我們這個時代允許我們擁有多大的自由度。」當時，他剛收到官方回覆：「這幅畫因不道德而」，他先後被沙龍拒之門外，甚至連落選者沙龍也被拒後，為表抗議，他複製作品宣傳，並辧世界巡迴展，1866年在朋友呂凱（Jules Luquet）的協助下赴紐約展出。

《會議歸來》於 1868 年在比利時甘登（Gant)展出後，一直被他保存，直至去世，但1900 年左右失踪，目前只有那個時代製作的複製品。

1863年：
庫爾貝離開安德勒酒官，為安德勒夫婦留下3000法郎。他在巴黎蒙馬特（Monmartre)結識了許多藝術家，見證了新一代畫家的誕生，他們逐漸擺脫了束縛。在當時，屬於新古典的安格爾（Jean-Auguste-Dominique Ingres，1780 – 1867)的安格爾派和色彩派彼此對立，此外，官方沙龍極力拒絕後來成為象派的畫家們。

1864年：
庫爾貝探索東北方汝拉（Jura）地區著名景點，創作了風景畫系列《露之源》
（La Source de la Loue) 、《薩拉齊納洞穴》、《岩石》（Grotte Sarrazine)或《貝殼之谷》（Le Gour de Conche)。此時他因認識了雕塑家克勞代 （Max Claudet，1840-1893)，開始創作雕塑，製作圓形徽章半身像。

1865年，友人蒲魯東（Pierre-Joseph Proudhon, 1809 －1865)去世後，受沉重打擊，他創作了《皮埃爾·約瑟夫·蒲魯東於1853年和孩子們》（Pierre Joseph Proudhon et ses enfants en 1853 )。1866年，他再次赴多維爾（Deauville），與印象派畫家莫內 （Claude Monet )和歐布丹（Eugène Boudin)居住在伯爵Horace de Choiseul-Praslin(comte de Choiseul-Praslin, 1837-1915）家。他的《驢子》展現了對動物的熱愛。他參加了布魯塞爾的國際畫展，同時受奧斯曼帝國外交官哈利勒-貝伊（Khalil Chérif Pacha, 1831 －1879)委託，完成了一系列裸體畫《睡眠》（Le Sommeil)和《世界的起源》（ L'Origine du monde)。

1867年1月，他失去了好友庫埃諾（Urbain Cuenot，1820 - 1867)，他返鄉參加葬禮時開始創作雪景，隔月，在哀悼中創作了大幅《雄鹿之死》（L'Hallali du cerf, 355× 505 cm)。此外，美術館拒絕支付《抱鸚鵡的女人》（La Femme au perroquet, 129,5 × 195,6 cm)。之後他委託建築師伊薩貝（Léon Isabey）為他建造像1855年世界博覽會的展館，更堅固貿材建造的：「庫爾貝展館」一直保留到1871年，直到1868年5月才成為屬於他的個人館，之後又變成倉庫。

1867年5月30日，他展出了135件編入目錄的作品。以漫畫表現豐滿的身材，他給友人寫信：「這次展覽意義非凡，因為我正在變老」。即使創作量無法與過去相比，但成為畫家以來已累積近700幅油畫。1868年夏末，他被趕出阿爾瑪畫廊（Alma)後，以兩幅反教權主義的油畫《會議歸來》和《讓諾在奧爾南之死》參加了比利時的根特繪畫沙龍，還創作了兩本系列素描畫冊，由雨果（Victor Hugo, 1802-1885)的布魯塞爾出版商出版。同時也在勒阿弗爾（Le Havre）美術協會（Société des beaux-arts)展出其他油畫。

1867年10月，卡斯塔尼亞裡（Jules Antoine Castagnary, 1830-1888)透過媒體，宣傳他是激進政治觀點的畫家兼哲學家；他經常光顧巴黎蒙馬特街的馬德里咖啡館，那裡是反對帝國政權的共和黨人的聚會場所。 同年創作了晚期重要的裸體畫《泉源泉》（La Source）。

1869年5月，德拉羅什（Charles Delaroche）在巴黎波拿巴街的藝廊破產，捲走他兩年的收入，使庫爾貝瀕臨破產。他並未因此喪氣，有比利時收藏家戈謝（Léon Gauchez, 1825-1907)的支持，參加了布魯塞爾沙龍展，獲得了一枚獎牌，隨後又在慕尼黑玻璃宮舉辦的巴伐

庫爾貝（Gustave Courbet, 1819—1877)曾於1855年的《寫實主義》提到：「我不受任何體制限制，不帶任何偏見地研習古今藝術。我並不想模仿某些人，也不想抄襲其他人。我只是想從對傳統的充分了解中汲取理性而獨立的個性。 」

Courbet來自在法國東北部，近瑞士的奧爾南 （Ornans）的富裕地主家庭，父親（Éléonor Régis Courbet，1798-1882) 非常富有，在Flagey村有農場和土地。

家鄉奧爾南（Ornan)期間：
1850年，在家鄉奧爾南度晚冬，創作了《從集市歸來的弗拉蓋農民》（Les Paysans de Flagey )，隨後創作了巨幅畫座《奧爾南的葬禮》（Un enterrement à Ornans)（315 x 668 厘米），描繪家鄉的名人及家人。他在信中提到村裡的每個人都想成為畫布上的人物。為了在赴巴黎前先滿足外省的，於4月在工作室旁的神學院教堂舉辦了小型畫展；5月在貝桑松(Besançon)舉辦；6月再赴第戎(Dijon)，但展場條件皆不好。8月初返巴黎，發現評論家們已在談論他的畫作。此巨作自12月30日在沙龍展出，引起評論界的震驚和不滿，另一幅《碎石者》（Casseurs de pierres)也同樣被批評。這兩副以大尺寸描繪日常生活題材，然而對傳統學院派，大尺寸應該以高尚的宗教、歷史、神話場景為主題。政治家Pierre-Joseph Proudhon(1809 －1865)譽他的大作為第一部社會主義作品。同時展出的還有另7幅，而唯一獲好評的是《作家肖像》（《拿煙斗的男人》Portrait de l'auteur (L'Homme à la pipe) ）。

1851年5月3日的頒獎晚會，他的畫作被一筆帶過，有評審說：「庫爾貝為沙龍的焦點；他的作品有被公開批評的缺點，也有優秀的品質和無可爭議的獨創性；他的作品震撼了公眾和藝術家。應該授予他一等獎章……」，然而，5月18日，作品再次被公共採購清單排除，理由是預算限制，因為庫爾貝不願以低於2000法郎的價格出售《持煙鬥的肖像》。

1851年夏天，庫爾貝忙於旅行和休息，他前往布魯塞爾及慕尼黑。11月返鄉時，巴黎的政治動盪再起，他曾被指控為社會主義煽動者。 12月開始描繪他的三個姊妹，1852年完成的《奧爾南附近山谷裡施捨牧牛的村姑》（Les Demoiselles de village)，被評論家在1《新聞報》評論：「《奧爾南的葬禮》的作者……似乎在今年對他的原則有所退縮；相較於《葬禮》醜陋的臉龐和嚴肅的人物，《鄉村姑娘》如同田園詩。 「醜陋的臉龐」後來成為眾多對他的責難，例如「醜陋的華托（Watteau)」。華鐸（Jean-Antoine Watteau，1684—1721）是法國洛可可代表畫家，描畫華麗高雅的場景，但含有潛藏的憂鬱氣氛。

之後他決定創作大型裸體對抗學院派，也因此受到批評和製裁。 1852年寫給父母：「我沒早點寫信，是因為我正在畫今年冬天在巴黎的摔跤手的畫。這幅畫和《鄉村姑娘》一樣大，但更高。我畫此畫是為了創作裸體畫…我今年因此畫受到侮辱…」，封信後提到他只是想在新的政治權力得到認可。他拜訪了剛買下《鄉村姑娘》的親王，總統路易拿破崙（Louis-Napoléon)的同父異母兄弟。」

當時的美術總監François-Auguste Romieu(1800-1855)告知他：「政府無法支持像他這樣的人」。浪漫主義大師德拉克洛瓦（Eugène Delacroix， 1798-1863） 於1863年，曾在日記讚揚他的技藝、活力和色彩天賦，同時也表達排斥對他庸俗題材和醜陋形象。1853年在沙龍展出的《浴女》（Baigneuse)引起更大爭議，兩個女人，一個赤身裸體，只蓋著一塊布，不再代表理想化的神話人物。當時的評論家對畫作惡毒抨擊，反而使他成功。1853年，《新聞報》寫到：「想像一下，維納斯從水中浮現，轉向觀眾，露出一個佈滿酒窩的巨大臀部…」。

庫爾於1846年赴比利時，欽佩17世紀巴洛克黃金時代的畫家魯本斯（Peter Paul Rubens，1577—1640)。1851年和1960年代再赴比利時，有了買家。除了布魯塞爾和安特衛普，從1851年底起，作品定期在德國法蘭克福展出，除了會引起爭議，也會上媒體版面，並終於可靠藝術謀生。

《奧爾南的葬禮》（Un enterrement à Ornans)是他領導寫實的代表作品。於1849年夏天繪製，1850年起專注構圖，這幅作品成為法國及現代藝術史上的關鍵時期。 1848年，國王路易-菲利普（Louis-Philippe Ier, 1774-1850)在18年任期後（1830-1848)被廢黜，1848年，第二共和國成立，同年12月，路易-拿破崙·波拿巴（ Louis-Napoléon Bonaparte, 1808 －1873)未來的拿破崙三世（Napoléon III)，當選第二共和國總統。

這幅畫的法國買家布魯亞斯（Alfred Bruyas，1821-1876)，是蒙彼利埃（Montpellier)的股票經紀人，也是蒂西埃-薩呂（ Tissié-Sarrus)銀行的合夥人，他也收藏巴比松畫派的的作品，如（Camille Corot, 1796 －1875 )。1853年5月，買家布魯亞斯參觀了沙龍，對3幅庫爾貝畫作印象深刻，以3000多法郎購買《浴女》和《沉睡的紡紗工》（La Fileuse endormie)。10月，他在家鄉避難時被譽為英雄，他寫信給買家，稱他為“朋友：「我已公開與社會決裂…如今我孤身面對社會。我必須勝利，否則就會死去。如果我屈服，我將付出慘痛的代價…」

庫爾貝與新任美術總監德·紐韋克爾克（Émilien de Nieuwerkerke）共進午餐時被要求創作大型作品頌揚國家和政權，以迎接原定於1855年在巴黎舉辦的世界博覽會。1854年的巴黎沙龍展可為他保留入場權，但他的作品需經評審團批准，庫爾貝則回覆「他是自己作品的唯一評審」。他向買家布魯亞斯表示希望「創造一個獨一無二的奇蹟，…終生以藝術為生，不偏離原則，不違背良心，不為取悅任何人或為了出售而畫…」。這段時間完成了描繪垂死呻吟男子的自畫像《受傷的人》（L'Homme blessé）。

1854年5月，他視買家布魯亞斯是真正的贊助人，也渴望現代性，有共同的理想，可交流批判性的觀點。於是庫爾貝前往蒙彼利埃與買家會合，在漫長的逗留期間，畫了南法朗格多克（Languedoc)的風景。

秋天，他病倒發燒，買家布魯亞斯請美麗的西班牙友人照顧，之後庫貝爾為女子畫了肖像。夏天，為了向買家致敬，他創作了《相遇》（La Rencontre)，又名《你好，庫爾貝先生》 （Bonjour Monsieur Courbet)大型作品。

1847年，他的所有畫作都被官方沙龍退件，他自我安慰遠行去比利時，

1848年末
庫爾貝離開豎琴街（de la Harpe)，在Hautefeuille街32號開設了工作室，離他常去的Andler-Keller小酒館不遠。巴黎最早的小酒館之一，由Grégoire女士經營，他於1855年為她繪了肖像。 庫爾貝在小酒館與朋友相聚討論。法國詩人，象徵派詩歌先驅，現代派之奠基者，散文詩鼻祖波特萊爾（Charles Pierre Baudelaire，1821—1867），散文詩的鼻祖成為他的鄰居。波特萊爾的代表作包括詩集《惡之花》及散文詩集《巴黎的憂鬱》（Le Spleen de Paris）。

畫家、雕塑家、詩人、作家、音樂(Auguste Clésinger, Max Buchon, Alphonse Promayet, Henry Murger, Alexandre Schanne 以及一群來自巴黎波西米亞風情的人物常齊聚一堂，Courbet繼承了他們的髮型、鬍鬚、煙鬥時尚和理想。法國作家Alfred Delvau Alfred Delvau, 1825 -1867)如此描述Courbet 的特質：「他說話聲音洪亮，身材魁梧，嗜好啤酒和音樂，這些都使他成為了“幫派頭目”。他還在那裡留下了一些鈔票，因為當時經濟困難，庫爾貝仍然沒有賣出任何作品。」

波希米亞主義（Bohemianism）
指希望過非傳統生活風格的一群藝術家、作家與任何對傳統不抱持幻想的人的生活方式，雖然波希米亞人是指捷克波希米亞省的人，波希米亞人的第二個涵義出現在19世紀的法國。反映15世紀以來法國人對來自於波希米亞的吉普賽人的觀感。法國人想像中的「波希米亞人」，會聯想到四處漂泊的吉普賽人，是自外於傳統社會的一群人，不受傳統束縛，或許還會帶來神祕的啟示，可能也有指責不注重個人衛生。

1848年1月9日，奧爾南附近Saules村的村長出價900法郎，要他為村裡的教堂創作一幅大型宗教畫作，這筆錢來得正是時候，因為他已付不起房租。他描繪了聖尼古拉斯復活孩童的場景（創作於1844-1845 或1847年。或現藏於庫爾貝博物館。）

聖尼古拉（Saint Nicholas，約270－343）
基督教聖徒，今土耳其境內的主教。他是給人悄悄贈送禮物的聖徒，是聖誕老人的原型，典當業的主保聖人。

隨後在2月，革命讓他措手不及，第二共和國成立。沙龍於1848年3月15日舉行，一次性接受了3幅素描和7幅布面油畫。儘管他獲得榮譽獎，但作品沒有受買家青睞。1830年創刊的《國民報》（Le National)中，Prosper Haussard (1802-1866) 特別讚揚了他的自畫像《大提琴手》（Violoncelliste)，評論受到17世紀荷蘭黃金巴洛克時代繪畫的代表林布蘭（Rembrandt Harmenszoon van Rijn；1606—1669)的啟發。

Courbet忠實的朋友法國傑出小說弗勒里-於松（1821 — 1889)描述了奧特弗耶街（Hautefeuille)的那群人，將Andler小酒館稱為「寫實主義的殿堂」。另一位目睹Courbet的親友是藝評家和記者Jules Antoine Castagnary(1830 －1888)，他回憶道，在19世紀60年代，在工作室外，「他在小酒館與外界接觸」。隨著革命的醞釀，庫爾貝處於藝術和政治動盪的核心。在那裡，他拉小提琴，並想要提出第三條路——對抗浪漫主義和學院派的藝術家們結為好友：他們公開宣稱的敵人是法國著名的學院派畫家德拉羅什（Hippolyte-Paul Delaroche，1797—1859)。

此時期，他為法國詩人，象徵派詩歌之先驅，現代派之奠基者波德萊爾
（Charles Pierre Baudelaire，1821—1867）和法國浪漫主義作曲家、指揮家與音樂評論家，「現代管弦樂之父」白遼士（Hector Louis Berlioz，1803—1869）等人畫肖像畫。在時代的變遷中，法國畫家、水彩畫家和平版畫家Ignace-François Bonhommé（1809 －1881) 以礦場和鍛造廠為主題的原始現實主義風格的作品，應有影響到渴望突破的Courbet的創作。

在作家好友弗勒里-於松（Jules François Felix Fleury-Husson)的指導下奠定了自己的風格，他借用他的團體所創造的術語，自稱為“現實主義”，因他們已意識到這種繪畫風格早已存在於他們之間。

巴黎的局勢在6月開始惡化，Courbet 間接參與了政治事件，他的作家朋友們（Champfleury, Baudelaire et Charles Toubin )在幾天後出版了報紙《公眾救援》（Le Sa​​lut public），第二期的捲首插圖是Courbet的版畫。 24日，Courbet 在24日感到憂心忡忡，為避免有生命危險，他相對謹慎，並試圖安慰父母： 「我們正處於可怕的內戰，這是因缺乏理解和不確定性造成。起義者們像獅子一樣戰鬥，因為他們一被抓就會被射殺。他們已經對國民自衛軍造成了最大的傷害。巴黎周圍的外省，每小時都有人趕來，他們的成功機率不多。」

「這是可以想像到的最淒涼的景象。我相信，在法國從未發生過這樣的事情，即使在聖巴托洛繆節（Saint-Barthélemy)大屠殺也沒有如此。所有不戰鬥的人都不能離開家園，因為他們會被遣返。國民自衛軍（La Garde nationale)和郊區守衛駐守所有街道。我不戰鬥有兩個原因，首先，我不相信用步槍和大砲進行的戰爭符合我的原則。10年來，我一直在進行情報戰爭；如果我不這麼做，我就自相矛盾了。第二個原因是因爲我沒有武器，也不會受到誘惑。所以，你不必為我擔心。我過幾天會寫信給你們，也許會寫得更詳細一些。我不知道這封信是否會從巴黎寄出。」

不管怎樣，他還是盡力返回家鄉，首先參加8 月 13 日祖父Oudot去世後的葬禮，同時也借機會恢復健康，在家鄉，他本著新觀看創作了第一批畫作。在他的工作室，他接待了法國藝術史學家Francis Wey(1812 －1882)。1849 年 3 月，成師亦友的作家Champfleury為他起草了 11 幅擬在沙龍展出的作品的清單，Baudelaire撰寫了寄出作品給沙龍展的附件資料，此外，由Courbet自己選出的評審，選出6幅畫作和一幅素描。透過這些經分析的作品，這些在第二共和國時期創作的作品，成為了我們現今所認識獨一無二的畫家Courbet。

法蘭西第二共和國
是法國總統，後來的拿破崙三世（Napoléon III，1808—1873)所領導的短暫共和政府。從1848年法國二月革命到1852年時任總統自

庫爾貝（Jean Désirée Gustave)曾於1855年的《寫實主義》提到：「我不受任何體制限制，不帶任何偏見地研習古今藝術。我並不想模仿某些人，也不想抄襲其他人。我只是想從對傳統的充分了解中汲取理性而獨立的個性。 」

Courbet來自法國東部奧爾南 （Ornans），家鄉的大自然，是登山者、獵人、漁民和伐木工人的聚集地。父親（Éléonor Régis Courbet，1798-1882) 非常富有，1831 年，成為登記選民，在Flagey村擁有農場和土地，在靠近瑞士的Doubs省，飼養牲畜並從事農業；父親透過岳父 （Jean-Antoine Oud, 1768-1848)，管理奧爾南超過六公頃的葡萄園。

Courbet (Jean Désiré Gustave )於 1819 年出生，母親（Suzanne Sylvie Oudot，1794-1871）另生了5個孩子，但只有3個女兒存活：
Thérèse(1824-1925）、Zélie(1828-1875）和（Juliette，1831-1915）。Courbet是長子及唯一男孩。

1831 年
Courbet 進入在Ornans的小修道院學習，得到繪畫老師 (Claude-Antoine Beau) 的藝術指導。老師曾是拿破崙一世（1769—1821）的御用畫家(Antoine-Jean Gros)的學生。他的第一幅畫是14 歲的自畫像（1833，巴黎Carnavalet博物館）。

之後，進入貝桑松王家學院（collège royal de Besançon)寄宿，向拿破崙的御用畫家及新古典主義的奠基者大衛 (Jacques-Louis David) 的前學生（Charles-Antoine Flajoulot，1774-1840) 學習繪畫，老師同時擔任貝桑松美術學院院長。Courbet 並沒有註冊，他抱怨生活被限制在學院內，父母因而讓他自己住。青少年時不再學習古典藝術，喜歡在藝術學院直接跟隨老師上課：他遇到一群由藝術系學生組成的年輕人，包括夢想去巴黎，成熟的巴耶（Édouard Baille)。父母希望他先學習工程學，父親期望他的能考入巴黎綜合理工學院（l'École polytechnique)，由於他數學成績平平，最後父母決定送他去巴黎學習法律。

在首都巴黎，家族最傑出的親戚（François-Julien Oudot (1804-1868) 是律師和法哲學家，Courbet的母親請親戚多關照剛抵巴黎的兒子。1839 年 11 月，Courbet 剛滿20歲，前往巴黎幾週前，首次為朋友Max Buchon 的《詩集》創作了四幅石版印刷插圖，由Besançon 出版社出版。

Courbet 最初住在親戚(François-Julien Oudot) 在巴黎近郊凡爾賽的家，與世俗的資產階級和思想開放的人交往，並靠父母支助生活費，學習法律。

1839年至1840 年間
常在畫家（Charles de Steuben)那習畫。他在巴黎找到了兒時的兩位朋友（Urbain Cuenot、Adolphe Marlet），Marlet將他介紹到歷史畫家（Nicolas-Auguste Hesse）的工作室，鼓勵他成為藝術家，但Courbet否認曾追隨此大師。他寫信告知父母要放棄法律後，他們接受了他決定成為藝術家的志願，繼續支助。

Courbet 是自由派學生，如同一時代的藝術學生，在19 世紀 40 年代，在羅浮宮臨摹大師的作品。他欣賞荷蘭的明暗對比法，威尼斯的性感主義和西班牙的寫實主義。他也受到浪漫主義的Gericault的影響，你有事曾臨摹Gericault的馬頭。

1841 年春天
他第一次在法國北方的諾曼第（Normandie)海岸居住，與朋友Urbain Cueno搭船順著塞納河（Seine)從巴黎來到勒阿弗爾(Havre)探索河岸風光。他寫信給父親：「我很高興這次旅行，給了我很多藝術創作不同事物的靈感。我們終於看到了大海，一片沒有地平線的大海，對於山谷居民是多麼奇特呀！我們看到了兩岸美麗的建築，如此迷人，讓人沉醉。我們想要去全世界，我們穿越了迷人的諾曼底，有豐富的植物，風景如畫的遺址和哥德式古蹟，可與同類建築的精華相媲美。」

Courbet 和Virgine:
19 世紀 40 年代，在旅程中遇到了比他大11歲的迪耶普女子（Virginie Binet，1808-1865)， 成為他的初戀和模特兒，關於她的信息很少，他們的關係持續了約14年，他稱女友為「我的妻子」，當時Courbet 仍然受父母支助，因此道德上未在信件中論及和女友的關係。

他曾多次為她創作，包括1844 年創作，一直保留到去世的《鄉村幸福戀人》，曾於1846 年在落選沙龍展出，創作於1845年的《情人或圓舞曲》（Amants ou Valse )、《溪邊睡覺的裸女》（1845 ）以及《沉睡的金髮女郎》（1849 ），

他們的結局並不愉快，1854 年，他從法國傑出小說家（Jules François Felix Fleury-Husson(1822-1889, 筆名Champfleury) 那得知愛人離開了他，因情傷而創作了《受傷的人》（L’homme blessé)。這幅一直留在畫家身邊，未曾展出的畫作，曾經以X 光檢測，發現男子身子受傷處，原有一位女子溫柔地擁抱，專家因此認為女子可能是Virgine。1854 年，女方在結束這一段戀情後，Courbet 在原來作品上，用劍代替女子，在心臟上添加了一道血跡，以垂死的男子表示他的情傷。在寫給友人的信中，他解釋說：「真正的美只存在於苦難中…。這就是為什麼我筆下垂死的決鬥者是美麗的。」

1847 年 9 月，維吉妮生下私生子Désiré Alfred Émile，但Courbet 從未正式承認兒子。Courbet 曾將兒子德西雷 (Désiré)畫入《畫家工作室》 (L'atelier du peintre) 和《藍色的騙子》 (Les Cribleuses de blé) 的前景。兩人分手後，他經常到Dieppe探望思念的兒子，後來透過朋友（Paul Ansout），讓一位象牙大師僱用兒子，但可惜兒子25 歲早逝。 1872 年

現代藝術代表1850年代至1950年代的藝術風格和哲學，此期的藝術家在創作材料和藝術方面，不以過去的傳統為靈感，而是從敘事（narration）轉向抽象（abstraction)。

現代藝術的藝術運動中的三個代表：
現實主義（réalisme）：
19世紀中期，在法國和英國興起的藝術運動，與浪漫主義不同，追求現實，真實的再現，日常生活以及探索社會主題。創作不是一味模仿現實，也不只限於繪畫。

法國史學家Marcel Brion(1895 －1984)，在《他們那個時代的畫家》（Les peintres en leur temps)提到：「表現「現實」的問題一直是繪畫最迫切的問題之一，但現實的概念本身，在不同時期有所變化：精神現實——不亞於其他現實——戰勝了物質現實，反之亦然。取決於形式是否被掏空了靈魂內容，或者相反，是否趨於非物質化，現實主義或多或少控制了藝術。」

1836 年，可謂浪漫主義藝術的終止年，德拉克洛瓦（Eugène Delacroix, 
1798.－1863)的作品《哈姆雷特》（Scène d'Hamlet)被繪畫與雕塑沙龍拒絕幾年後，他提到：「我已經被交給野獸30年了」。

巴黎沙龍（Salon）：
是1667年起在巴黎法蘭西藝術院（Académie des Beaux-Arts）舉辦的藝術展，創立者為法蘭西藝術院下屬的法國王家繪畫暨雕刻學院（Académie royale de peinture et de sculpture)，本來只展學院畢業生的作品，1725年在羅浮宮展出，1737年8月18日至9月5日再次在羅浮宮展出時，首次對外公開展覽，1748年至1890年間成為西方最大的藝術展，也是展出學院藝術的重鎮。1881年，法國政府停止贊助巴黎沙龍，改由法國藝術家協會（Société des artistes français)組織。19世紀末到20世紀初，隨著法國國家美術協會舉辦的國家沙龍、獨立者沙龍（Société des Artistes Indépendants)和秋季沙龍（Salon d'Automne)，巴黎沙龍因而衰退。

1846年沙龍結束時，法國詩人，象徵派詩歌先驅，現代派奠基者，散文詩的鼻祖波特萊爾 （Charles Pierre Baudelaire, 1821—1867）曾寫道：「學院主義、唯心主義、理想化。藝術中的真理和地方色彩，使許多人誤入歧途。現實主義早在這場偉大的戰鬥之前就已經存在（……）浪漫主義恰恰不在於主題的選擇，也不在於主題的真理，而在於感覺的方式。」

在美學方面，19世紀中葉之前「現實主義」描述現實，不將其理想化。受浪漫主義的德拉克洛瓦（Delacroix)、傑里科（Théodore Géricault(1791 －1824)和英國風景畫畫家康斯特布爾（John Constable，1776— 1837）等人的影響。法國現實主義畫派的創始人庫爾貝（Gustave Courbet，1819—1877）主張藝術應以現實為依據，反對粉飾生活。他在1855年5月15日至11月15日在巴黎舉行的萬國博覽會，首創使用「現實主義」一詞定義自己的畫作。他命名特展覽為「古斯塔夫·庫爾貝的現實主義」，他的宣言在報紙上引發激烈爭論。法國作家和攝影家Maxime du Camp(1822 – 1894)寫道：「庫爾貝畫畫就像擦靴子一樣」，而法國畫家和藝評家Étienne-Jean Delécluze(1781 – 1863)則強調「現實主義是一種狂野的繪畫體系，藝術在其中受到貶低」。庫爾貝在 1861 年定義了：「現實主義的基礎是對理想的否定。」1856年，巴黎出現《現實主義》期刊，旨在捍衛藝術和文學中的新美學。

受寫實主義影響的馬奈（Édouard Manet)的作品《草地上的午餐》於1863 年沙龍評審團展示後，如同庫爾貝的作品，受到批評，導致後來的官方創立了落選沙龍，展示自由創作藝術家的作品。

現實主義運動始於法國，並在歐洲引起共鳴，例如西班牙的costumbrismo（風俗畫）、荷蘭的海牙畫派（Haagse School )，1869年的慕尼黑畫派（Munich)、美國及俄國的流動藝術（Ambulants）運動等。當時繪畫並非唯一媒介，1860年至1870年間，畫家們以蝕刻畫（eau-forte)技法表現城市生活、農民世界和普通人。

如何界定浪漫主義和現實主義？
繪畫中，浪漫主義和現實主義間很難界定，因為主要畫家，不是「事物的攝影師」，而是「現實的詩人」。現代派奠基者 Baudelaire寫道：「每一位優秀的詩人都是一個現實主義者[...] 詩歌是最真實的，它只有在另一個世界中才是完全真實的東西」。

現實主義和繪畫自然主義（naturalisme pictural):
另一複雜的區別，藝術史學家 Marcel Brion (1895 – 1984)曾談到“氣味的自然主義”，他引用了庫爾貝 (Courbet) 作品中潮濕的草地；米勒 (Millet) 的農民外套的麻布；德加 （Edgar Degas, 1834 －1917)的賽馬和舞者和柯羅 (Camille Corot, 1796 －1875)樹木的沙沙聲。多種“印象”的外觀和解釋，引領評論家定義 1870 年至 1880 年間的其他思潮。

法國哲學家和作家Paul Valéry(1871 －1945)，現實主義畫家提到：「致力於描繪最普通的，有時是最卑鄙的，令人欽佩的物體、精緻、考慮、工作和美德；但沒有意識到他們正在進行超出自身原則的事，正在發明另一種‘真理’，一種他們自己創造的、完全是幻想的真理。」

現實主義（Le réalisme)
視覺藝術中的現實主義：
在法語世界中，是在法國畫家、雕塑家，現實主義運動領袖庫爾貝（Courbet）的推動下，於 1848 年左右誕生，他反對資產階級藝術的理想主義的藝術運動。

藝術中的寫實主義：
希望「按照古老的經驗規則」來描繪主題。受到一些哲學家的思想影響，包括法國哲學家、數學家和科學家笛卡兒（René Descartes, 1596—1650)，他在荷蘭度過大半生．曾為荷蘭軍隊服務，是荷蘭黃金時代最著名的知識分子之一。在荷蘭歷史上，黃金時代是約在17世紀時的荷蘭的巔峰時期，當時的貿易、科學與藝術等獲得世界讚揚。笛卡兒也被認為是近代哲學和解析幾何的創始人之一。

此外，還有著名英國哲學家約翰·洛克（John Locke，1632—1704），最具影響力的啟蒙哲學家之一，為自由主義之父。在知識論上為英國經驗主義的代表，同時也在社會契約理論有貢獻。主張政府只有在取得被統治者的同意，並且保障人民擁

現代藝術代表1850年代至1950年代的藝術風格和哲學，此期的藝術家在創作材料和藝術方面，不以過去的傳統為靈感，而是從敘事（narration）轉向抽象（abstraction)。

現代藝術的藝術運動中的三個代表：
現實主義（réalisme）：
19世紀中期，在法國和英國興起的藝術運動，與浪漫主義不同，追求現實，真實的再現，日常生活以及探索社會主題。創作不是一味模仿現實，也不只限於繪畫。

法國史學家Marcel Brion(1895 －1984)，在《他們那個時代的畫家》（Les peintres en leur temps)提到：「表現「現實」的問題一直是繪畫最迫切的問題之一，但現實的概念本身，在不同時期有所變化：精神現實——不亞於其他現實——戰勝了物質現實，反之亦然。取決於形式是否被掏空了靈魂內容，或者相反，是否趨於非物質化，現實主義或多或少控制了藝術。」

1836 年，可謂浪漫主義藝術的終止年，德拉克洛瓦（Eugène Delacroix,
1798.－1863)的作品《哈姆雷特》（Scène d'Hamlet)被繪畫與雕塑沙龍拒絕幾年後，他提到：「我已經被交給野獸30年了」。

巴黎沙龍（Salon）：
是1667年起在巴黎法蘭西藝術院（Académie des Beaux-Arts）舉辦的藝術展，創立者為法蘭西藝術院下屬的法國王家繪畫暨雕刻學院（Académie royale de peinture et de sculpture)，本來只展學院畢業生的作品，1725年在羅浮宮展出，1737年8月18日至9月5日再次在羅浮宮展出時，首次對外公開展覽，1748年至1890年間成為西方最大的藝術展，也是展出學院藝術的重鎮。1881年，法國政府停止贊助巴黎沙龍，改由法國藝術家協會（Société des artistes français)組織。19世紀末到20世紀初，隨著法國國家美術協會舉辦的國家沙龍、獨立者沙龍（Société des Artistes Indépendants)和秋季沙龍（Salon d'Automne)，巴黎沙龍因而衰退。

1846年沙龍結束時，法國詩人，象徵派詩歌先驅，現代派奠基者，散文詩的鼻祖波特萊爾 （Charles Pierre Baudelaire, 1821—1867）曾寫道：「學院主義、唯心主義、理想化。藝術中的真理和地方色彩，使許多人誤入歧途。現實主義早在這場偉大的戰鬥之前就已經存在（……）浪漫主義恰恰不在於主題的選擇，也不在於主題的真理，而在於感覺的方式。」

在美學方面，19世紀中葉之前「現實主義」描述現實，不將其理想化。受浪漫主義的德拉克洛瓦（Delacroix)、傑里科（Théodore Géricault(1791 －1824)和英國風景畫畫家康斯特布爾（John Constable，1776— 1837）等人的影響。法國現實主義畫派的創始人庫爾貝（Gustave Courbet，1819—1877）主張藝術應以現實為依據，反對粉飾生活。他在1855年5月15日至11月15日在巴黎舉行的萬國博覽會，首創使用「現實主義」一詞定義自己的畫作。他命名特展覽為「古斯塔夫·庫爾貝的現實主義」，他的宣言在報紙上引發激烈爭論。法國作家和攝影家Maxime du Camp(1822 – 1894)寫道：「庫爾貝畫畫就像擦靴子一樣」，而法國畫家和藝評家Étienne-Jean Delécluze(1781 – 1863)則強調「現實主義是一種狂野的繪畫體系，藝術在其中受到貶低」。庫爾貝在 1861 年定義了：「現實主義的基礎是對理想的否定。」1856年，巴黎出現《現實主義》期刊，旨在捍衛藝術和文學中的新美學。

受寫實主義影響的馬奈（Édouard Manet)的作品《草地上的午餐》於1863 年沙龍評審團展示後，如同庫爾貝的作品，受到批評，導致後來的官方創立了落選沙龍，展示自由創作藝術家的作品。

現實主義運動始於法國，並在歐洲引起共鳴，例如西班牙的costumbrismo（風俗畫）、荷蘭的海牙畫派（Haagse School )，1869年的慕尼黑畫派（Munich)、美國及俄國的流動藝術（Ambulants）運動等。當時繪畫並非唯一媒介，1860年至1870年間，畫家們以蝕刻畫（eau-forte)技法表現城市生活、農民世界和普通人。

如何界定浪漫主義和現實主義？
繪畫中，浪漫主義和現實主義間很難界定，因為主要畫家，不是「事物的攝影師」，而是「現實的詩人」。現代派奠基者 Baudelaire寫道：「每一位優秀的詩人都是一個現實主義者[...] 詩歌是最真實的，它只有在另一個世界中才是完全真實的東西」。

現實主義和繪畫自然主義（naturalisme pictural):
另一複雜的區別，藝術史學家 Marcel Brion (1895 – 1984)曾談到“氣味的自然主義”，他引用了庫爾貝 (Courbet) 作品中潮濕的草地；米勒 (Millet) 的農民外套的麻布；德加 （Edgar Degas, 1834 －1917)的賽馬和舞者和柯羅 (Camille Corot, 1796 －1875)樹木的沙沙聲。多種“印象”的外觀和解釋，引領評論家定義 1870 年至 1880 年間的其他思潮。

法國哲學家和作家Paul Valéry(1871 －1945)，現實主義畫家提到：「致力於描繪最普通的，有時是最卑鄙的，令人欽佩的物體、精緻、考慮、工作和美德；但沒有意識到他們正在進行超出自身原則的事，正在發明另一種‘真理’，一種他們自己創造的、完全是幻想的真理。」

現實主義（Le réalisme)
視覺藝術中的現實主義：
在法語世界中，是在法國畫家、雕塑家，現實主義運動領袖庫爾貝（Courbet）的推動下，於 1848 年左右誕生，他反對資產階級藝術的理想主義的藝術運動。

藝術中的寫實主義：
希望「按照古老的經驗規則」來描繪主題。受到一些哲學家的思想影響，包括法國哲學家、數學家和科學家笛卡兒（René Descartes, 1596—1650)，他在荷蘭度過大半生．曾為荷蘭軍隊服務，是荷蘭黃金時代最著名的知識分子之一。在荷蘭歷史上，黃金時代是約在17世紀時的荷蘭的巔峰時期，當時的貿易、科學與藝術等獲得世界讚揚。笛卡兒也被認為是近代哲學和解析幾何的創始人之一。

此外，還有著名英國哲學家約翰·洛克（John Locke，1632—1704），最具影響力的啟蒙哲學家之一，為自由主義之父。在知識論上為英國經驗主義的代表，同時也在社會契約理論有貢獻。主張政府只有在取得被統治者的同意，並且保障人民擁

《自由引導人民》（La Liberté guidant le peuple)是德拉克洛瓦 (Eugène Delacroix，1798-1863)於1830 年創作的油畫，畫作的主題靈感來自1830年7月27日、28日和29日三天，發生在巴黎，人民反抗法國國王查理十世（Charles X, 1757—1836）的革命，因革命只持續三天，因此稱為「榮耀三日」（Trois Glorieuses)。

Delacroix 於1830年根據草圖，歷時3個月完成了《自由引導人民》，他以繪畫詮釋了他所處時代的革命事件，1830 年 7 月的街頭抗爭，重啟了他的愛國主義，因而啟發了他的創作。

《自由》的意涵有受到法國詩人巴比爾 （Henri-Auguste Barbier, 1805-1882）的詩作（La Curée）和Casimir Jean François Delavigne(1793 －1843)的《巴黎一周》（Une semaine à Paris)的啟發。此詩於 1830 年在《巴黎評論》（ Revue de Paris)發表，描述一位寓意自由的民婦引導人群抗爭。此作品也引用了浪漫主義畫家Théodore Géricault (1791-1824)於1818 至 1819 年創作，描繪海難的《美杜莎之筏》（Radeau de la Méduse)。

《自由引導人民》典藏歷程：
七月王朝新上任的法國國王路易-菲利普一世（Louis-Philippe Ier，1773—1850）並未直接由王室收購晝作，而是由內政部以3,000 法郎間接購藏。最初畫作並沒有在羅浮宮旁的杜樂麗宮（Tuileries) 王座廳展出，而是在建於1615年的王家美術館盧森堡宮（Palais de Luxembourg)，此後在始建於1682年的凡爾賽宮（Château de Versailles）也曾短暫展出，1832 年，七月王朝首相Adolphe Thiers(1797—1877），由於擔心作品可能會引起民眾騷亂，因而下令禁止展出，首相曾在1870年，拿破倫三世的第二帝國（1852－1870）滅亡後，於1871年成功的鎮壓了巴黎公社（Commune de Paris)。

巴黎公社是1871年3月18日至5月28日，統治巴黎並宣布接管政府，由於公社衛隊殺了兩名法國將軍，又拒絕接受法國管理，因此導致嚴厲鎮壓的「流血周」。資本主義者或中間派認為巴黎公社是無政府主義；社會主義者則認為是社會主義的早期實驗；巴黎公社標誌當代世界政治左翼運動崛起的里程碑。馬克思派史學家認為巴黎公社是1917年俄國革命的先驅。馬克思（Karl Marx, 1818—1883）是哲學家、政治經濟學家、社會學家、革命理論家、歷史學者；馬克思主義主要創始人，國際共產主義運動的主要開創者。

1832 年 6 月，七月王朝期間，巴黎共和黨人和人民起義反君主制，主要由巴黎支持共和制的貴族青年學生領導，最終在政府軍的鎮壓下失敗，造成93人死亡，291人受傷，超過1500人被囚禁。導火線起因於法國將軍拉馬克 （Jean Lamarque，1770—1832）的病逝，他是法國大革命戰爭和拿破崙戰爭時期的將軍，後來任法國國會議員。1815年，在法國西部擊敗了支持法國波旁復辟勢力的軍隊，之後得到拿破崙（Napoléon Bonaparte, 1769—1821)的表揚。

《自由引導人民》被首相Thiers禁止展出後被Delacroix的朋友，美術總監（Hygin-Auguste Cavé, 1796 - 1852) ，於1839 年歸還，之後暫存在Delacroix阿姨（Félicité Riesener) 的居所直到她去世。 1848 年，畫作由盧森堡美術館收藏；1855 年，在巴黎的世界博覽會，畫作首次向公眾展示。5月15日至11月15日，萬國博覽會在半年期間，吸引了超過五百多萬人次的參觀，有來自25個國家及殖民地的參與，當時《自由引導人民》女主角鮮紅色的帽子曾被批評過於顛覆。

法國藝術史家 Jean-Clément Martin(1948 －)表示畫中女主角代表希臘神話的勝利女神的奈姬（Nike），羅馬神話中她對應維多利亞（Victoria）。根據古希臘詩人赫西俄德（Hesiod, 前750至650）的《神譜》（Theogony），她是泰坦神帕拉斯（Pallas)和斯梯克斯（Styx)的女兒。在泰坦戰爭中，站在奧林匹斯神（Olympians)一邊，為他們帶來勝利。

《神譜》長詩共1022行，以六音步格律（Hexameter）寫成。是僅存記敘古希臘諸神的完整譜系。描述希臘神話眾神起源，其中穿插神靈間正義與美好的神話。泰坦之戰（Titanomachia）是希臘神話中泰坦神族（巨人族）與奧林匹斯神族，為了爭奪宇宙霸主地位的戰爭。

萬國博覽會結束後，作品返回盧森堡美術館，此時的盧森堡美術館已成為專門展出在世藝術家作品的展館，具有價值藝術家的作品，在身故後，作品會進入羅浮宮典藏。此幅畫僅於1863 年在盧森堡美術館展出，1874 年第三共和國（1870 －1940)時期，才納入羅浮宮典藏。

雨果的《悲慘世界》（Les Misérables):
《自由引導人民》可能啟發了19世紀前期，浪漫主義文學的領袖的雨果（Victor Marie Hugo，1802—1885）的經典小說《悲慘世界》。雨果幾乎經歷了19世紀法國的所有重大事變。曾經創作許多詩歌、小說、劇本、散文和文藝評論及政論文章。代表作有《鐘樓怪人》、《九三年》和《悲慘世界》等。知名的詩集包括《靜觀集》和《歷代傳說》。他創作了4000多幅畫，也參與社會運動，年輕時傾向保皇主義，之後成為共和主義的推動者。

《悲慘世界》是雨果於1862年所發表的長篇小說，分為五個部分，48卷365章。英語版1,500頁，法語版1900頁。描述19世紀初的20年間的背景，涉及拿破崙戰爭和1832年巴黎共和黨人起義等件。拿破崙戰爭（Guerres napoléoniennes），通常為五場衝突，指1803年至1815年一系全球性衝突，由拿破崙一世領導的法蘭西帝國和其從屬國與反法同盟對抗。使得某時期歐洲大陸大部分地區被法國統治，戰事可視為法國大革命戰爭的延續。

《悲慘世界》創作背景：
雨果構思了40年，到晚年才完成，故事融入了法國歷史，巴黎的建築、政治、道德哲學、法律、正義、宗教、善惡，愛情與親情。核心主角Jean Valjean 有許多化名，象徵正義，卻無法擺脫犯罪記錄。故事從1801年起，描述窮苦的農民，為了幫助飢餓的外甥，偷了一塊麵包被補入獄，由於曾企圖逃獄而被判19年苦役，刑期滿後處處碰壁。1828年，雨果醞釀寫獲釋的苦役犯，受米里艾主教感化而棄惡從善的故事。1829年和1830年間，雨果

《自由引導人民》（La Liberté guidant le peuple)是德拉克洛瓦 (Eugène Delacroix，1798-1863)，於1830 年創作的畫布油畫，畫作的主題靈感來自1830年7月27日、28日和29日三天，發生在巴黎，人民反抗法國國王查理十世（Charles X, 1757—1836）的革命，因革命只持續三天，因此稱為「榮耀三日」（Trois Glorieuses)。

「榮耀三日」也稱七月革命（Révolution de Juillet），是1830年歐洲的革命浪潮，導致法蘭西波旁王朝的國王查理十世被推翻退位，當時的立憲派人士，選出波旁王朝（Bourbon)的分支，奧爾良王朝（Maison d'Orléans）的路易·腓力（Louis-Philippe Ier，1773—1850）為「七月王朝」新國王。奧爾良王朝由十七世紀法國國王路易十四（Louis XIV，1638—1715)的弟弟奧爾良公爵菲利普一世（Philippe de France, Duke of Orléans，1640—1701)所創建。

查理十世是波旁復辟（Restauration)時期的第二個法蘭西和納瓦拉國王。其兄長路易十八在位十年逝世後，他於1824年才以67歲高齡繼承王位。他支持天主教會聖統制、君權神授說、厭惡自由派。1830年，7月25日，查理十世頒布了四項鎮壓自由派反對派的法令，包括暫停期刊出版自由、解散各部門眾議院、改革有利於貴族的人口普查權，以及召開九月份的選舉團會議。此法令引起反對派抗爭，中產階級和巴黎人民因而起義，在巴黎街頭設路障及插上三色旗。經過三天的起義後，查理十世退位，流亡英國。8 月 9 日，路易菲利普 （Louis-Philippe, 1773-1850
)宣誓效忠修訂後的憲章，開啟了新的七月君主制。 Delacroix 以此抗爭為題創作，並以抗爭者衝進市政廳的日期「7月28日」命名畫作。塞納河（Seine)右岸的巴黎市政廳（Hôtel de Ville），自1357年起位於巴黎的市政廳廣場，1802年以前名為格列夫廣場（Place de Grève）。

這幅畫於1831 年在繪畫和雕塑沙龍，以《路障場景》（Scènes de barricades)為名展出。巴黎沙龍（Salon de Paris），於1667年起在法國巴黎法蘭西藝術院（Académie des Beaux-Arts）舉辦藝術展，由法蘭西藝術院下屬的法國王家繪畫暨雕刻學院舉辦，原只是展出學院畢業生的作品，1725年起在羅浮宮首次公開展覽之後又於1737年8月18日至9月5日在羅浮宮展出。1748年至1890年間，成為西方世界最大藝術展以及學院藝術的重鎮。1881年，法國政府停止贊助巴黎沙龍，改由法國藝術家協會組織，19世紀末到20世紀初起，漸由法國國家美術協會舉辦的國家沙龍、1884年成立的獨立者沙龍（Société des Artistes Indépendants)和1993年成立的秋季沙龍（Salon d'Automne)取代。

《自由引導人民》 自1863 年起，在盧森堡美術館（musée du Luxembourg )展出，1874 年，轉致羅浮宮博物館。2013年，成為羅浮宮在法國北方的分館，羅浮朗斯（Louvre-Lens)的時光展廳（Galerie du temps )展出。

《自由引導人民》被認為具有寓意勝利和政治意義，常被選為法蘭西共和國、世界自由或民主的象徵。例如1870年法蘭西第二帝國（Deuxième Empire, 1852 －1870）在普法戰爭（Franco-prucien)崩潰後建立的政體，法蘭西第三共和國（Troisième République, 1870-1940)。

《自由引導人民》描繪內容：
描繪反對國王查理十世的巴黎人民，衝破倒塌的路障的場景。右上方巴黎聖母院大教堂的兩座塔樓上方飄揚著法蘭西的三色旗。巴黎聖母主教座堂（Cathédrale Notre-Dame de Paris）位於塞納河流域的巴黎發源地西堤島（Île de la Cité） ，是天主教巴黎總教區的哥德式風格的主教座堂，約建造於1163年到1250年間。

法國三色旗（Tricolore）：
最早出現在法國大革命，顔色取自國徽的紅和藍，象徵法國王室的白色。藍色是聖馬丁長袍的顔色；白色被認為是皇家和法國的卓越顏色，紀念中世紀後期，在英法百年戰爭（1337—1453）帶領王國軍隊，抵抗英格蘭王國軍隊的民族英雄聖女貞德（Jeanne d'Arc，約1412—1431）；紅色則是聖但尼修院金焰旗（l'oriflamme de l'abbaye de Saint-Denis）的顔色。中世紀法蘭西王國的神聖戰旗，最早是巴黎附近聖但尼修院（Basilique cathédrale de Saint-Denis）的聖旗。當金焰旗由法王下令在戰場豎起時，法軍不會饒恕敵人，然而，傳統被俘虜的貴族可以透過贖金贖回。

最早三色的排列，是紅色在左。1789年，法國大革命之前，沒有任何旗幟在法律上代表國家。公共建築沒有旗幟，但有皇家、公爵、伯爵、主教等監督權力的紋章：旗幟的顏色和標誌取自國徽，許多旗幟在陸軍和海軍取代國徽。1794年，三色旗被定爲法蘭西第一共和國的國旗。波旁王朝（Maison de Bourbon)復辟時，曾廢除三色旗，由通常帶有徽章的白旗，或王室的鳶尾花旗（fleur-de-lis）取代。 1830年，法國七月革命起，三色旗再度成爲國旗至今。

構圖、人物和色彩：
畫面為從左上角到右下角的對角線構圖。中央有兩位構成了畫面穩定的三角形。主角像徵自由女神，如古典雕塑樹立正中央，她頭戴本為古代小亞細亞的佛里幾亞人（Phrygians）戴的紅佛里幾亞無邊軟便帽（Bonnet phrygien，或自由之帽），她袒胸，高舉右臂向前，手握飄揚三色旗，左手持帶刺刀的長槍。

她的右方，有一位頭戴約17世紀發源於巴斯克地區（Pays basque)，法國和西班牙的邊境一帶的貝雷帽（béret），雙手揮舞著騎兵手槍，張嘴吶喊前行的男孩。他斜背著撿來，有白色斜袋的彈殼袋（Giberne)，此類彈殼袋是士兵戴在肩上的盒子，通常存放彈藥和維護武器的工具。1620 年，由瑞典國王 (Gustav II Adolphus, 1594-1632) 發明，取代不實用的「子彈袋」。最初是用旗幟 (giberne banderole)掛在肩上，後來法國國王路易十五（Louis XV, 1710-1774)時期，固定在腰帶，18 世紀中葉又戴在身體周圍，袋內可裝子彈或刺刀。君主制、革命和帝國時期的士兵都會戴彈殼，1845 年起被彈帶取代。現今，共和國第一領事拿破崙（Napoléon Bonaparte,1769 －1821)於

法國畫家德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，1798-1863），在 19 世紀法國繪畫發展中，是浪漫主義的主要倡導者。40歲時已具名氣，接受許多官方委託的重要作品。創意作多元，包括油畫、版畫、石版畫和裝飾公共或私人建物的牆壁和天花板、以及為雜誌撰寫文章。

Delacroix 學習水彩畫並前往英國：
英國人將水彩與水粉結合，使用橡皮擦、清漆和刮擦等多種工藝來創作。 1816年，Delacroix 遇到從英國歸來的親英業餘水彩畫家Charles-Raymond Soulier, 18161-1886），這位朋友和Richard Parkes Bonington（1802– 1828） ，影響了Delacroix ，他開始以水彩創作，漸漸脫離了美術學院的學術標準。

1825年4月24日至8月底，Delacroix 前往英國，在莎士比亞劇院，觀看了英國文學史上最傑出的戲劇家William Shakespeare（1564—1616）的作品，《理查三世》（Richard III）
、《亨利四世》（Henri IV）
、《奧賽羅》（Othello）、《威尼斯商人》和《暴風雨》的演出。莎翁的創作包括39部戲劇、154首十四行詩、兩首長敘事詩和其他詩歌。

《理查三世》（Richard III）：
逼真描述理查三世短暫的執政時期，約創作於1591年。這部悲劇是莎士比亞第二長的歷史劇，是「第一四部曲」的前奏組曲，描繪約克家族的衰落和都鐸王朝的到來。

《亨利四世》（Henry IV）：
是莎士比亞於 1596 年至 1598 年間創作的戲劇。是莎士比亞「第二四部曲」的一部分；也是描繪約克家族的衰落和都鐸王朝的到來。

《奧賽羅》（Othello）：
莎士比亞在1603年左右創作的悲劇。根據義大利短篇小說《一位摩爾上尉》（Un Capitano Moro）改編，1565年出版。劇情圍繞四位角色：供職威尼斯部隊的摩爾（Moro）將軍奧賽羅、妻子、副將和騙取他信任的旗官，情節涉及種族、愛情、嫉妒、背叛。

摩爾人：
中世紀伊比利半島（今西班牙和葡萄牙）、西西里島（Sicilia）
、薩丁尼亞（Sardegna）、馬爾他（Malta）、科西嘉島（Corse）、馬格里布（al-Maġrib al-ʿArabī‎）穆斯林（al-Muslimūn）居民。歷史上指在伊比利半島的伊斯蘭征服者。直到3世紀，是羅馬人對未羅馬化，由自己首領統治的北非土著的稱呼。摩爾人主要由阿拉伯和柏柏爾人（Berbers）組成，也有伊比利半島的土著穆斯林（muladí）。

Delacroix赴英國兩年前，1823年，一個英國劇團曾在巴黎演出，他觀賞了德國古典主義的戲劇家、詩人、自然科學家、文藝理論家和政治人物歌德（Johann Wolfgang von Goethe，1749—1832）的《浮士德》（Faust）改編版。

福斯特（Johann Georg Faust，1480 - 1540/1541 ）
文藝復興時期的煉金術術士、占星家和魔術師。激發了《浮士德》傳奇的靈感，首先於1588 年出版，Christopher Marlowe在1604年改編成戲劇《浮士德醫生的悲劇史》，然後歌德(Johann Wolfgang von Goethe) 在1808年改編了傑作《浮士德》。

浮士德的民間傳説：
自文藝復興時期以來，歐洲文學表述「歐洲中世紀德國煉金師浮士德召喚魔鬼Mephistopheles，為追求永恆知識、個人的野心，出賣了靈魂」。「浮士德」是傳説的人物，在煉金時意外爆炸死亡，傳聞他是因向「魔鬼」出賣靈魂而遭到報應。18世紀前，浮士德在傳統文學代表「智慧」，同時象徵「愚蠢和狡猾」。近現代文學針對傳説的文學評價提升到「人類在信仰與科學的對立之間」，探討浮士德在「追求知識永恆」的同時又侷限於「被信仰塑造的世界」間的「自我認可」、「自我實現」以及「社會認可」的衝突。有許多文學、音樂、歌劇、電影或漫畫，以這個故事為藍本改編。

Delacroix 創作生涯中，常在戲劇中尋找主題：例如目前典藏在羅浮宮，創作於1839年的《墓地裡的哈姆雷特和霍雷肖》（ Hamlet et Horatio au cimetière），以及典藏在內穆爾城堡博物館，創作於1843年的《哈姆雷特和霍雷肖在帶著頭骨的掘墓人面前》（Hamlet et Horatio devant les fossoyeurs avec la tête de mort ），這些與東方、文學、歷史和宗教相關的主題相融合。赴英國的旅行，使他的水彩作品精進，對他之後的北非行，有很大助益。

Delacroix的繪畫職業生涯開始於1819 年，首次涉足裝飾，為巴黎西岱島（île de la Cité）的聖日耳曼Lottin de Saint-Germain先生的私人宅邸設計餐廳。在 1820 年完成了龐貝風格的門頂。1821 年，裝飾了悲劇作家塔爾瑪 (François-Joseph Talma, 1763-1862）在蒙馬特 (Montmartre) 的私人宅邸餐廳，創作了古希臘羅馬風格的四季門板，靈感來自公元79年維蘇威（Vesuvio）火山爆發時Herculanum古城的壁畫，草圖典藏在羅浮宮和私人收藏。

Delacroix 也曾創作兩幅受文藝復興畫家啟發的祭壇畫：
1819 年，為Saint-Eutrope d'Orcemont 教堂創作，受拉斐爾（Raffaello Sanzio, 1483 -1520)的《佛羅倫薩聖母像》（les Madones florentines ）影響的《豐收聖母》（La Vierge des moissons）；創作於1821 年，典藏在德拉克洛瓦博物館（ musée Eugène Delacroix），受米開朗基羅（Michel-Ange, 1475-1564）影響的《聖心聖母》（La Vierge du Sacré-Cœur）。此外，內政部原委託浪漫主義畫家傑里科（Théodore Géricault, 1791-1824 ）為Nantes 大教堂（cathédrale Saint-Pierre de Nantes ）創作祭壇畫，由於Géricault興趣不大，於是轉包給急需資金的Delacroix。

展現才華(1822-1824)：
1822年，Delacroix渴望在藝術界成名，並擺脫經濟困難，首次以《但丁之船》（La Barque de Dante）或《但丁與維吉爾的地獄》（Virgile aux Enfers），參加官方沙龍展。1822 年，作品由王家博物館以 2,000

我曾自1985年，任職故宮，有幸於1999年至2018年間擔任七位院長的國際交流事務幕僚。2025年適逢故宮百年，特別簡介院史，並介紹迎新好展。

故宮院史：
1912年元旦，中華民國南京臨時政府成立後一個月，退位的清朝末代皇帝溥儀仍依《清室優待條例》續居宮中，直到1924年北洋軍閥馮玉祥發動「北京政變」之後才被逐出宮。之後，國民政府於1924年依留學法國的李石曾委員長的建議，設立了「中央古物保管委員會」及「清室善後委員會」，開始清點紫禁城內典藏的歷代文物，並於1925年制定了《故宮博物院臨時組織大綱》及《故宮博物院臨時董事會組織章程》，於同年10月10日正式成立了故宮博物院。

故宮於1925年由宮廷轉型成博物館之初，設立了理事會及委員會主持院務，1928年改制後的首位院長為教育家易培基（1928-1933），之後由副院長，金石學家馬衡扶正（1933-1948）。1933年至1949年，馬院長在任的16年間，國家歷經了八年的對日抗戰及四年的國共內戰（1945-1948）。1933年，日軍逼近北京，迫使故宮精選了13,491箱文物，從北京經上海、南京及大後方的萬里播遷。國共內戰末期，2,972箱故宮文物於1948年12月至1949年2月間，分三批從運抵台灣。在此動盪時期，馬衡任重道遠，帶領故宮人員保衞國家瑰寶，然而，馬衡並未隨國民政府遷台，之後續任北京故宮院長直到1952年，任期長達19年。

1949之後——故宮文物在台灣
國共內戰之後，隨國民政府由遷至基隆港的原來在北京的文物，僅佔1933年遷離紫禁城總箱數約22%。原來在北京和南京的珍貴文物，於1950年先被安置在台中霧峰北溝的庫房，一年之後，「兩院存台文物清點委員會」以三年的時間編成「點查清冊」。往後，於1957年在台中的北溝陳列館，及1965年在台北外雙溪的故宮對外啟用之後的展覽，皆可依此套原始清冊來策劃。

巨幅山水：
清 《慶豐圖》
絹本 ，393.6x234

巨幅青綠山水畫，為清宮畫院畫家唐岱、孫祜、沈源、丁觀鵬、王幼學、周鯤、吳桂 ，七位畫家合筆的巨幅立軸畫作。畫幅上有于敏中（約1714-1779）奉旨題寫乾隆皇帝（1711－1799）御製詩。
畫作描述漢代典故故事。漢高祖劉邦祖籍豐邑（江蘇豐縣）人，定都長安後，父親思念家鄉，漢高祖於是下令將長安城街景，改建成家郷豐邑的風貌，並將故鄉居民移居致長安城。

作品以鳥瞰視角，以近大遠小佈局，並以工筆界畫細緻描繪建築，建築群比例精準。畫中精心描繪了江河、雲、瀑布、樹木、宮殿、台閣、街景、橋、圍牆、欄杆、魚船、百姓、船夫等。

鑑藏寶璽印：
八徵耄念之寶、三希堂精鑑璽、宜子孫、五福五代堂、古稀天子、太上皇帝之寶、石渠定鑑、石渠寶笈、寶笈重編、宣統御覽之寶、嘉慶御覽之寶

「國寶聚焦」：
故宮典藏的文物，依據《文化資產保存法》分為「國寶」、「重要古物」和「一般古物」三種。為了讓參觀者欣賞國寶，故宮為國寶專門安排展廳，每季選展一件書畫國寶展出。

沈周 《寫生冊》
2014年4月25日指定為國寶文物。
明弘武7年（1494年）
（68歲）
紙本，行款版式
約 34.6x57.2 公分，20開（16幅畫）

沈周（1427-1509）：
江蘇長洲（今蘇州）人，為蘇州「吳派」的代表人物，與文徵明（1470-1559）、唐寅（1470-1524）、仇英（約1494-1552）並稱「明四大家」。

沈周的繪畫風格受多重影響，自幼家學淵源，為人溫雅敦厚，在詩文、書法、繪畫等方面均很傑出。後來拜入杜瓊門下。沈周家中有收藏的古代畫作，耳濡目染，漸而提高了繪畫水平，從宋元時期名家的繪畫風格，發展出自我的獨特風格，開創了明代寫意花鳥畫風，將南宋的水墨蔬果花卉，以淋灕水墨，瀟灑的用筆來呈現日常所見的主題。沈周觀物生趣的寫意畫風，對後世有深遠影響。

《寫生冊》每開動植物畫作，皆有乾隆皇帝（1711-1799）的題識。
畫冊前有四個篆書題「觀物之生」，雖然沒有署名款印，書風推測是沈周好友李應禎所書。

後副頁第一開，沈周自題：
「我於蠢動兼生植，弄筆還能竊化機；明日小窗孤坐處，春風滿面此心微。戲筆此冊，隨物賦形，聊自適閒居飽食之興。若以畫求我，我則在丹青之外矣。弘治甲寅。沈周題。」

題識中自謙是「戲筆」之作，並說：「若以畫求我，我則在丹青之外矣。」可見沈周隨性的寬和態度。題識筆瀟灑，有宋四家，北宋詩人、書法家黃庭堅（1045—1105）書風。

鈐印信息：乾隆御覽之寶、御書房鑑藏寶、石渠寶笈、乾隆鑑賞、三希堂精鑑璽、宜子孫、石渠定鑑、寶笈重編、古希天子、太上皇帝、太上皇帝之寶、嘉慶御覽之寶、宣統御覽之寶、宣統鑑賞等印。

《石渠寶笈》
清代內府收藏的歷代書法和繪畫的專書，分為初編、續編、三編。名稱源於西漢皇家藏書之所「石渠閣」。

清高宗在60年執政期間，二度命官員編纂《秘殿珠林》與《石渠寶笈》，乾隆九年（1744）開始編撰《石渠寶笈》，初編成書於乾隆十年（1745），共44卷。

續編始於乾隆56年（1791)，成書於乾隆58年（1793），40冊，編修者有10人。

三編始於乾隆58年（1793）, 成書於嘉慶二十一年（1816），28函，參與編修者11人。
前後共74年，朝廷繕寫成「朱絲欄抄本」，深藏於宮中。

16開圖描繪：
玉蘭、蝴蝶花、萱、荷花與蹲蛙、蒲桃、雁來紅、雞冠花、菊、蟹與蝦、蠣房與蛤、蝤蛑、白鴿、雞、鴨、貓、驢。

玉蘭：
清淡雅致，古代宅院常種玉蘭，象徵 「玉潔冰清」 或 「玉堂富貴」。早春玉蘭稱「木花樹」 或 「望春花」 。

萱：沈周恪守儒道，事母極孝順，曾題詩：
「我母愛萱草，堂前千本花。贈人推此意，磨墨點春華。」以花卉寄託生活情思，感念母親之情。

雞冠花：別名 「高冠」，有加官進爵，高官厚祿之寓意。

貓：圓滾滾，滿臉微笑，抬頭仰望，下方勾勒腳爪。乾隆題字是從《左傳》6畜為何沒有貓，到蘇東坡的養貓是為捕鼠等說法。

沈周曾養貓，一日貓走失後，沈周作了〈失貓行〉詩，一段寫道：「憶昔烏圓（貓名）狀雖小，爪牙稜稜威比屋。堆床圖籍任縱橫，所貯殽核（肉類蔬果等菜肴）無不足。」

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